Quattrocento anni dopo la sua morte William Shakespeare rimane l’uomo del mistero internazionale senza tempo. Quasi tutto su di lui è contestato. Le opere teatrali che sono arrivate fino a noi oggi sono passate per le mani di numerosi editori e sono state talvolta maciullate.
Alcuni di quegli editori in passato hanno deciso che la sua sintesi della condizione umana non era quella che il pubblico avrebbe gradito, e hanno semplicemente riscritto le opere per soddisfare se stessi. E poi c’erano le collaborazioni. Shakespeare ha scritto molte delle sue opere con altri. Il problema è che non sappiamo esattamente quali opere siano state condivise con chi.
L’unico fatto costante a cui possiamo aggrapparci è che William Shakespeare – chiunque fosse realmente e chiunque fossero i suoi collaboratori – ha scritto alcune delle più grandi opere teatrali mai scritte, e ci ha dato personaggi che sono stati molto copiati ma mai migliorati nei secoli.
Lady Macbeth, Macbeth
Macbeth e sua moglie hanno una delle relazioni più contorte mai messe in scena. È una lotta di potere tra i due che sarebbe stata imitata in seguito, ma mai migliorata, nei migliori film noir come Double Indemnity e The Postman Always Rings Twice. Quando Macbeth “suda pieno di orrori”, vediamo come la sua brama di potere sia stata provocata dalla spinta sessuale di sua moglie.
Colpita dagli incubi, cerca di lavare il sangue immaginato dalle sue mani. Nel corso dell’opera, il senso di colpa ha sostituito in egual misura la sua incredibile ambizione. Siamo portati a credere che il suo senso di colpa alla fine la porti al suicidio.
La mascolinità è definita nell’opera dall’ambizione e dal potere – due qualità che Lady Macbeth possiede in abbondanza. Costruendo il personaggio in questo modo, Shakespeare sfida la nostra visione preconcetta della mascolinità e della femminilità.
Iago, Othello
Iago è la fidata spalla di Othello che, scopriamo, non è affidabile. Organizza la caduta del suo padrone convincendo Otello che sua moglie ha una relazione. Iago è un arci manipolatore che è responsabile direttamente o indirettamente di tutte le morti dell’opera. Iago è anche uno dei pochi cattivi spaventosi che non ottiene la sua punizione alla fine dell’opera.
La quintessenza del male, Iago è una parte cara al lettore shakespeariano, e quella con più battute in quest’opera.
Iago è anche un personaggio tragico, che alla fine tradisce se stesso attraverso un risentimento invalidante misto a eccessiva devozione. Si distingue come uno dei più grandi cattivi di tutti i tempi per la sua glaciale astuzia e la manipolazione deformata del suo capo “il Moro”. Il discorso finale di Iago – “Non chiedetemi nulla. Quello che so lo so” – è una delle grandi linee di uscita di tutto Shakespeare.
Prospero, La Tempesta
La Tempesta fu l’ultima opera che Shakespeare scrisse completamente da solo. L’opera è anche una delle più ultraterrene del Bardo e si è tentati di vederla come il suo addio a questo mondo, come se si stesse preparando alla prossima vita.
Prospero era il duca di Milano fino a quando suo fratello Antonio, cospirando con Alonso, il re di Napoli, usurpò la sua posizione. Rapito e lasciato a morire su una zattera in mare, Prospero e sua figlia Miranda sopravvivono perché Gonzalo lascia loro delle provviste e i libri di Prospero, che sono la fonte della sua magia e del suo potere.
Il ruolo di Prospero non è solo un ruolo di comando ma una parte con alcuni dei migliori versi del poeta. I discorsi negli atti IV e V, in cui l’esiliato duca di Milano fa calare il sipario sul dramma (“Le nostre baldorie ora sono finite”) e poi ripudia la sua arte (“Questa rozza magia io qui abiuro”), sono emozionanti e maestosi. Prospero è uno dei grandi vecchi di Shakespeare.
Hamlet, Hamlet
Hamlet è il malinconico principe di Danimarca e figlio addolorato del re recentemente scomparso. Questo personaggio che cerca l’anima è stato definito il primo essere umano veramente moderno mai ritratto in letteratura. La profondità dell’agitazione emotiva di Amleto può essere misurata contro lo spirito elevato mostrato dal resto della corte.
Hamlet è sconvolto, soffermandosi sul fatto che tutti sono riusciti a dimenticare suo padre così rapidamente – specialmente sua madre, Gertrude. Con suo marito appena freddo nella tomba, Gertrude ha sposato suo cognato Claudio. Quando un fantasma rivela che Claudio ha ucciso il re, Amleto giura di vendicare l’omicidio di suo padre.
Tuttavia, Amleto è emotivamente in alto mare e si trova paralizzato. Non riesce a bilanciare il suo odio per Claudio e il suo dolore logorante con la malvagità necessaria per compiere la sua vendetta. Il dilemma di Amleto lo porta al paradosso morale di dover commettere un omicidio per vendicare un omicidio.
Le Tre Streghe, Macbeth
Le Tre Streghe, altrimenti note come Le Strane Sorelle, sono entrate nella coscienza popolare come la classica incarnazione della stregoneria. Shakespeare era lo Steven Spielberg dei suoi tempi. Scriveva per il pubblico di massa, ma dopo che Giacomo I (Giacomo Quinto di Scozia) salì al trono inglese nel 1603, nominò l’uomo di Stratford-Upon-Avon come drammaturgo della corte reale.
James era profondamente interessato alle streghe e credeva che esistessero davvero. Il dovere giurato di Shakespeare consisteva ora nel compiacere Sua Maestà, e così nacquero le Weird Sisters. Le origini di queste inquietanti sorelle sono registrate per la prima volta nell’opera di Hollinshed del 1577 Chronicles Of England, Scotland And Ireland. Gli storici credono che le Tre Streghe possano risalire a tempi molto più antichi, e che possano risalire a un certo numero di streghe nordiche che decidevano quali uomini sarebbero stati uccisi nella battaglia di Clontarf.
Giulietta, Romeo e Giulietta
La nutrice di Giulietta nelle più celebri tragedie romantiche del Bardo è una ruba-scene. Dà un vero tocco umano a un’opera che altrimenti potrebbe, secondo le parole di Romeo, “essere troppo lusinghiera e dolce per essere sostanziale”. Eppure è la sfortunata Giulietta che cattura il cuore. Manca poco al suo quattordicesimo compleanno, Giulietta ha un’età che si trova sulla cuspide tra l’infanzia e la maturità. All’inizio dell’opera, tuttavia, sembra semplicemente una bambina obbediente, protetta e ingenua.
Anche se è comune per le ragazze della sua età – compresa sua madre – sposarsi, Giulietta non ha mai pensato a questo argomento. Poiché è una semplice ragazza nata nell’alta società, non ha la libertà che ha Romeo di andare in giro, vedere gente e fare a botte. Lo sviluppo di Giulietta da ragazza con gli occhi a palla a donna a tutti gli effetti è uno dei primi trionfi di Shakespeare nella caratterizzazione dei personaggi. Segna uno dei suoi trattamenti più completi di un personaggio femminile.
Viola, La dodicesima notte
Viola è uno dei personaggi comici più deliziosi di Shakespeare. Essendo un’orfana naufraga che non ha nessuno che la protegga, deve essere astuta e piena di risorse. Sa che una donna sola alla deriva in una terra straniera corre dei rischi. Si traveste da ragazzo per avere spazio per vagare indisturbata. Viola è il personaggio più sessualmente ambiguo di Shakespeare.
Durante lo sviluppo della trama, e l’umiliazione di Malvolio, mostra un’energia contagiosa mentre si impegna in modo frizzante con tutti quelli che la circondano. Ma non si tratta solo di flirt vertiginosi.
La sua scena nel terzo atto con Olivia, in cui la gelida contessa è sul punto di dichiarare il suo amore per Cesario, è tra le più esilaranti che Shakespeare abbia mai scritto. La cosa più sorprendente di Viola è che una giovane donna così brillante e dotata si innamori di un cafone come il duca Orsino.
Beatrice, Molto rumore per nulla
Leonato, un nobile benvoluto, vive nella città italiana di Messina. Leonato condivide la sua casa con la sua giovane e bella figlia Ero, la sua nipote Beatrice, deliziosamente spiritosa, e il suo anziano fratello Antonio, che è il padre di Beatrice. Arriva un gruppo di amici, tra cui il burlone Benedetto. I ben assortiti Benedetto e Beatrice si innamorano. La storia d’amore tra i due è, in senso stretto, una sottotrama. Ma arriva a dominare l’opera, con Beatrice come personaggio principale.
L’opera è stata prodotta molte volte come una commedia romantica, ma è molto più profonda di un episodio di Friends. Ferita e sputacchiante, Beatrice è più che all’altezza dell’inaffidabile Benedetto. Il suo appello nel matrimonio naufragato del quarto atto per “Uccidi Claudio”, il fidanzato di sua sorella, definisce la profondità del suo personaggio. Sta scherzando o è mortalmente seria? Probabilmente un po’ di entrambi. Alla fine, nonostante i suoi difetti, Benedetto ottiene la sua ragazza.
Falstaff, Enrico IV parti I e II, Le allegre comari di Windsor
Sir John Falstaff è una delle grandi figure paterne di tutto Shakespeare. Corpulento e spesso ubriaco, è il vecchio furfante inetto che accompagna il dissoluto principe Hal da una giovinezza mal spesa alla sobria maturità. L’erede al trono passa la maggior parte del suo tempo nelle taverne della parte squallida di Londra, frequentando vagabondi e altri tipi loschi.
L’amico più stretto di Harry tra la banda di furfanti è Falstaff. Falstaff è il più losco di tutti, ma come presenza scenica è un gigante in tutti i sensi. Con la sua enorme circonferenza e i suoi appetiti gargantueschi, è la figura di Oliver Reed che si comporta male e che il pubblico ama disapprovare. La battuta in Enrico IV Parte II, quando il neo-incoronato re Enrico si rivolta contro il suo più vecchio e migliore amico – “Non ti conosco, vecchio” – è uno dei momenti più agghiaccianti della storia del palcoscenico.
Impara, Re Lear
Hamlet è la prova definitiva per il giovane attore, ma Lear è la parte a cui ogni protagonista maturo aspira. Mettendo in scena la follia, lo spargimento di sangue e la nudità (reale e immaginaria) della condizione umana, interpretare Lear è un ruolo fisicamente formidabile. Esige sangue e sudore da qualsiasi attore che si cimenti in questo ruolo (sudore comunque, il sangue è dipinto).
Nell’Atto III, Scena I, la tempesta – “Soffia i venti, e spacca le guance” – porta a uno dei momenti più straordinari del teatro mondiale, forse il picco in un’opera ricca di scene ipnotiche. In Re Lear Shakespeare offre una visione dell’umanità così cupa che può lasciare il pubblico all’uscita dal teatro chiedendosi “qual è il punto?”, ma è l’ineluttabile profondità del suo racconto invernale che lo rende così grande e senza tempo.
Irish Independent