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Una armónica en clave de Fa.

Una armónica es un instrumento de viento de lengüeta libre que tiene raíces que pueden remontarse hasta cinco mil años atrás. El instrumento se toca soplando o inhalando aire a través de agujeros individuales conocidos como cámaras de lengüetas, produciendo notas alternas y armonizadas. Cada cámara tiene múltiples lengüetas de latón o bronce de afinación variable que se fijan en un extremo y se sueltan en el otro, y el extremo suelto vibra y crea el sonido.

El primer éxito a gran escala de la armónica llegó de la mano del relojero alemán Mathias Hohner, que empezó fabricando 700 instrumentos en su primer año, a mediados del siglo XIX. En una década, vendía millones de unidades al año en todo el mundo, pero sobre todo en Estados Unidos, donde el instrumento encontró un lugar especial entre la tradición de blues afroamericana desplazada.

La armónica se utiliza en el blues y la música folclórica americana, el jazz, la música clásica, la música country, el rock and roll y la música pop. Cada vez más, la armónica encuentra su lugar en la música generada electrónicamente, como el dance y el hip-hop, así como el funk y el acid jazz. Se ha arraigado en la cultura del mundo y sigue siendo popular, incluso en lugares como China y Japón, siglos después de su introducción europea.

Partes

La mayoría de las armónicas se componen generalmente de las mismas partes básicas: El peine, las lengüetas y las tapas.

Peine

Una vista de parte del peine de una armónica.

El peine es el término para el cuerpo principal del instrumento, que contiene las cámaras de aire que cubren las lengüetas. El término «peine» se acuñó debido a las similitudes entre las armónicas simples y un peine para el cabello. Los peines de las armónicas se hacían tradicionalmente de madera, pero ahora suelen ser de plástico o metal. Algunos diseños de peines modernos y experimentales dirigen el aire de formas complejas, antes imposibles.

Históricamente se creía que el material utilizado para la construcción del peine tenía un efecto sobre el tono del instrumento. Si bien esto es cierto hasta cierto punto, el material del peine tiene una importancia mucho mayor cuando se trata de la durabilidad del instrumento. En particular, un peine de madera puede absorber la humedad del aliento del músico y del contacto con la lengua. Esto hace que el peine se expanda ligeramente, haciendo que el instrumento sea incómodo de tocar.

Un problema aún más grave con los peines de madera, especialmente en las armónicas cromáticas (con sus finos divisores entre cámaras) es que los peines se encogen con el tiempo. El encogimiento de los peines puede conducir a grietas en los peines debido a que los peines se mantienen inmóviles por los clavos, lo que resulta en una fuga incapacitante. Los jugadores serios dedican mucho esfuerzo a restaurar los peines de madera y a sellar las fugas. Algunos intérpretes solían sumergir las armónicas de peine de madera en agua para provocar una ligera expansión, lo que pretendía hacer más hermético el sello entre el peine, las placas de lengüeta y las cubiertas. Las mejoras en el tratamiento de la madera antes de la producción han hecho que las armónicas de peine de madera modernas sean menos propensas a hincharse y contraerse.

Placa de lengüeta

Una de las placas de lengüeta de una armónica producida en serie. Obsérvese la alternancia de lengüetas interiores y exteriores, y la diferencia de longitud entre las lengüetas más agudas (más cortas) y las más graves (más largas).

Plantilla de lengüetas es el término que designa una agrupación de varias lengüetas en una sola carcasa. Las lengüetas suelen ser de latón, pero ocasionalmente se utilizan acero, aluminio y plástico. Las lengüetas individuales suelen estar remachadas a la placa de lengüetas, pero también pueden estar soldadas o atornilladas. Las lengüetas situadas en el interior (dentro de la cámara de aire del peine) de la placa de lengüetas producen sonido en respuesta al soplado en los agujeros de aire de la armónica, mientras que las situadas en el exterior de la placa suenan cuando el aire se extrae a través de los agujeros.

La mayoría de las armónicas modernas se construyen con las placas de lengüetas atornilladas o atornilladas al peine o entre sí. Algunas marcas todavía utilizan el método tradicional de clavar las lengüetas al peine. Algunas armónicas experimentales y raras también han tenido las láminas de lengüeta sujetas por tensión, como los modelos americanos de la época de la Segunda Guerra Mundial. Si las láminas están atornilladas al peine, las láminas de las lengüetas pueden ser reemplazadas individualmente. Esto es útil porque las lengüetas eventualmente se desafinan con el uso normal, y ciertas notas de la escala pueden fallar más rápidamente que otras.

Una notable excepción al diseño tradicional de lengüetas es la armónica completamente de plástico diseñada por Finn Magnus en la década de 1950, en la que la lengüeta y la placa de lengüeta fueron moldeadas de una sola pieza de plástico. El diseño de Magnus tenía las lengüetas, las placas de las lengüetas y el peine hechos de plástico y moldeados o pegados permanentemente.

Placas de cubierta

Las placas de cubierta cubren las placas de las lengüetas y suelen ser de metal, aunque también se han utilizado de madera y plástico. La elección de las mismas es personal, ya que esta pieza es la encargada de proyectar el sonido y, por tanto, determinar la calidad tonal de la armónica. Existen dos tipos de tapas: Los diseños tradicionales abiertos de metal estampado o plástico, que simplemente están ahí para ser sostenidos, y los diseños cerrados (como Hohner Meisterklasse y Super 64, Suzuki Promaster y SCX), que ofrecen una calidad tonal más fuerte. A partir de estos dos tipos básicos, se han creado algunos diseños modernos, como el cromático Hohner CBH-2016 y el diatónico Suzuki Overdrive, que tienen cubiertas complejas que permiten funciones específicas que no suelen estar disponibles en el diseño tradicional. No era inusual a finales del siglo XIX y principios del XX ver armónicas con características especiales en las tapas, como campanas que podían sonar pulsando un botón.

Las válvulas de viento

Las válvulas de viento son válvulas unidireccionales hechas de tiras finas de plástico, papel tejido, cuero o teflón pegadas a la lengüeta. Se encuentran típicamente en las armónicas cromáticas, en las armónicas de acordes y en muchas armónicas afinadas en octava. Los cortavientos se utilizan cuando dos lengüetas comparten una célula y la fuga a través de la lengüeta que no toca sería significativa. Por ejemplo, cuando se toca una nota de arrastre, la válvula de la ranura de la lengüeta de soplado se cierra, evitando que el aire se filtre a través de la lengüeta de soplado inactiva. Una excepción a esto es el reciente Hohner XB-40, donde las válvulas se colocan no para aislar cañas individuales sino cámaras enteras, evitando que estén activas.

Bocina

La boquilla se coloca entre las cámaras de aire del instrumento y la boca del intérprete. Puede ser integral con el peine (las armónicas diatónicas, la Hohner Chrometta), parte de la tapa (como en la CX-12 de Hohner), o puede ser una unidad separada por completo, asegurada por tornillos, lo que es típico de las cromáticas. En muchas armónicas, la boquilla es puramente una ayuda ergonómica diseñada para hacer más cómoda la interpretación. Sin embargo, en la armónica cromática tradicional basada en el deslizador, es esencial para el funcionamiento del instrumento porque proporciona una ranura para el deslizador.

Accesorios

Dispositivos de amplificación

Un hombre utiliza un micrófono para cambiar el sonido de una armónica.

Aunque los dispositivos de amplificación no forman parte de la propia armónica, desde la década de 1950, muchos armonicistas de blues han amplificado su instrumento con micrófonos y amplificadores de tubo. Uno de los primeros innovadores de este enfoque fue Marion «Little Walter» Jacobs, que tocaba la armónica cerca de un micrófono «Bullet» comercializado para ser utilizado por los despachadores de radiotaxis. Esto le daba a su armónica un sonido «punchy», de rango medio, que podía escucharse por encima de una guitarra eléctrica. Además, los amplificadores de válvulas producen una distorsión natural cuando se tocan a volúmenes más altos, lo que añade cuerpo y plenitud al sonido. Little Walter también ahuecaba sus manos alrededor del instrumento, apretando el aire alrededor del arpa (otro término utilizado para referirse a la armónica), lo que le daba un sonido potente y distorsionado, que recordaba en cierto modo a un saxofón. Little Walter aprendió la mayor parte de su forma de tocar el arpa electrificada de Big Walter («Shakey») Horton.

Rack o soporte

Los intérpretes de armónica que tocan el instrumento mientras tocan otro instrumento con las manos (como una guitarra) suelen utilizar un accesorio llamado «neck rack» o soporte para colocar el instrumento delante de la boca. Un soporte de armónica sujeta la armónica entre dos soportes metálicos que se sujetan a un bucle curvado de metal que se apoya en los hombros a ambos lados del cuello. Los músicos folclóricos y las «one man bands» suelen utilizar estos soportes.

Historia

El sheng, un instrumento de viento chino con un grupo paralelo de tubos de lengüeta, considerado un precursor de la armónica.

Algunos sostienen que la armónica tiene sus raíces en el sheng, un instrumento de viento de lengüeta libre de raíces chinas antiguas con tubos verticales, lo que hace que su historia se remonte hasta el año 3000 a.C.Sin embargo, el primer registro documentado de la armónica data de 1821, cuando Christian Friederich Buschmann, hijo del organero Johann Buschmann, registró la primera patente europea de un órgano de boca de lengüeta libre, al que llamó «Aura». Un poco más tarde, a mediados del siglo XIX, el relojero alemán Mathias Hohner desarrolló la primera armónica verdadera y reconocible. Estas armónicas se exportaban a los primos de Hohner en América, que las vendían a los aspirantes a músicos. En 1867, Hohner producía 22.000 armónicas al año. A finales del siglo XIX, la producción de armónicas tenía un gran éxito y era un gran negocio, ya que las armónicas habían pasado de ser fabricadas a mano a ser producidas en masa, y su facilidad de transporte las hizo muy populares.

A finales del siglo XIX se produjo un esfuerzo estadounidense, por parte de un inmigrante llamado Richter, que desarrolló la primera armónica diatónica, a menudo denominada «arpa de blues», una armónica construida para ser tocada en una tonalidad específica, tras la cual se han modelado todas las armónicas diatónicas posteriores. En la década de 1920, la armónica diatónica había alcanzado su forma moderna. Poco después le siguieron otros tipos, como las diversas armónicas de trémolo y de octava. En el siglo XX se siguieron desarrollando nuevos diseños, como la armónica cromática, fabricada por primera vez por Hohner en 1924, la armónica de bajos y la armónica de acordes.

La armónica fue un éxito casi desde el inicio de su producción, y aunque la fabricación de armónicas de calidad se ha extendido desde Alemania para incluir otros países, la producción de los fabricantes de armónicas centrales alemanes sigue siendo muy elevada. En la actualidad, los principales productores de armónicas son Alemania (Seydel, Hohner -que en su día fue el fabricante dominante en el mundo, produciendo unos 20 millones de armónicas sólo en 1920, cuando la fabricación alemana ascendía a más de 50 millones de armónicas), Japón (Suzuki, Tombo, Yamaha), China (Huang, Leo Shi, Suzuki, Hohner) y Brasil (Hering). Recientemente, en respuesta a las técnicas de interpretación cada vez más exigentes, el mercado de instrumentos de alta calidad ha crecido, dando lugar a un resurgimiento de las armónicas artesanales que atienden a aquellos que quieren lo mejor, sin los compromisos inherentes a la producción en masa.

La armónica se ha convertido en una parte respetada de casi todos los géneros musicales, desde la música clásica hasta el rock y la danza.

El Blues

Tal vez más que cualquier otro instrumento, la armónica es sinónimo de «el Blues». Un tipo de música folclórica predominante entre los antiguos esclavos afroamericanos antes de encontrar una base de fans en la América media blanca, el blues se centraba en las llamadas «notas azules» (una nota cantada o tocada en un tono ligeramente más bajo que el de la escala mayor con fines expresivos).

Una armónica tocada en un bastidor de cuello, lo que permite al músico tocar la guitarra al mismo tiempo.

A partir de la década de 1920, la armónica se abrió camino hacia el norte a medida que los trabajadores emigraban de los estados del sur, especialmente a Chicago, pero también a Detroit, San Luis y Nueva York, llevando consigo sus tradiciones de blues.

La música interpretada por los afroamericanos comenzó a utilizar cada vez más la amplificación eléctrica para la guitarra, el arpa de blues, el contrabajo y la voz. Rice Miller, más conocido como Sonny Boy Williamson II, fue uno de los armonicistas más importantes de esta época. Utilizando una banda de blues completa, se convirtió en uno de los actos más populares del Sur gracias a sus emisiones diarias en la King Biscuit Hour, que se originaba en directo desde Helena, Arkansas. También ayudó a popularizar la técnica del arpa cruzada, abriendo las posibilidades de tocar la armónica a nuevas alturas. Esta técnica se ha convertido en una de las más importantes del blues.

Pero Williamson no fue el único innovador de su tiempo. Un joven armonicista llamado Marion «Little Walter» Jacobs revolucionaría por completo el instrumento. Tuvo la idea de tocar la armónica cerca de un micrófono (típicamente un micrófono «Bullet» comercializado para ser usado por los despachadores de radio-taxis, dándole un sonido «punchy» de rango medio que puede ser escuchado por encima de la estática de la radio, o una guitarra eléctrica). Además, rodeaba el instrumento con las manos, apretando el aire alrededor del arpa, lo que le daba un sonido potente y distorsionado, que recordaba en cierto modo al de un saxofón. Esta técnica, combinada con un gran virtuosismo en el instrumento, le convirtió en el armonicista más influyente de todos los tiempos.

El único competidor de Little Walter fue quizás Big Walter Horton. Confiando menos en las posibilidades de la amplificación (aunque hizo un gran uso de ella) que en la pura habilidad, Big Walter fue el armonicista favorito de muchos líderes de bandas de Chicago, incluyendo a Willie Dixon. A mediados de los años cincuenta, adornó muchas caras de discos de Dixon con solos extremadamente coloridos, utilizando todo el registro de su instrumento, así como algunas armónicas cromáticas. Una de las principales razones por las que es menos conocido que Little Walter es su personalidad taciturna, su inconsistencia y su incapacidad para sostener una banda como líder.

Un maletín de músico lleno de armónicas en una variedad de tonos, completo con un micrófono de bala.

Otros grandes armonicistas han adornado los discos de blues de Chicago de la década de 1950. Howlin’ Wolf suele ser pasado por alto como intérprete de arpa, pero sus primeras grabaciones demuestran una gran habilidad, sobre todo para soplar potentes riffs con el instrumento. Sonny Boy Williamson II utilizaba las posibilidades de los efectos de mano para dar una sensación muy locuaz a su forma de tocar el arpa. Varias de sus composiciones también se han convertido en estándares en el mundo del blues. Williamson tenía un sonido potente y extendió su influencia a los jóvenes rockeros del blues británico en los años 60, grabando con Eric Clapton y The Yardbirds y apareciendo en la televisión británica en directo. Stevie Wonder aprendió a tocar la armónica a la edad de 5 años y toca el instrumento en muchas de sus grabaciones. Jimmy Reed tocó la armónica en la mayoría de sus emblemáticas grabaciones de blues shuffle.

En las décadas de 1960 y 1970 la armónica perdió protagonismo, ya que la guitarra eléctrica solista sobrecargada se convirtió en el instrumento dominante para los solos de blues rock. Sin embargo, todavía se utilizaba en manos de artistas como Paul Butterfield, James Cotton y, quizás el más destacado, Bob Dylan, conocido por colocar sus armónicas en una abrazadera para poder soplar el arpa y tocar su guitarra simultáneamente.

Recientemente, los nuevos arpistas han tenido una gran influencia en el sonido de la armónica. Muy influenciado por el sonido de la guitarra eléctrica, John Popper de Blues Traveler toca líneas rápidas en solitario, a menudo con efectos de guitarra. Tom Morello, de Rage Against the Machine, toca la armónica con una guitarra eléctrica a través de un pedal electrónico. Blackfoot, un grupo de rock sureño compuesto en su mayoría por nativos americanos, utilizó la armónica en una canción llamada «Train Train», para simular el silbato y la vía de un tren.

Otros estilos y regiones

El armonicista europeo Philip Achille, que interpreta música irlandesa, clásica, jazz, qawali y sufí, ha ganado concursos de jazz y sus actuaciones clásicas han dado lugar a apariciones en la BBC, así como en ITV y Channel 4. En Francia, Nikki Gadout se ha hecho muy conocida, y en Alemania, Steve Baker y René Giessen (que interpretó la melodía principal de las películas de Winnetou) son muy respetados. El brasileño Flávio Guimarãe interpreta diversos estilos. En Nashville, son P.T. Gazell y Charlie McCoy, armonicista de música americana. En los círculos irlandeses, es James Conway. Peter «Madcat» Ruth mantiene un sitio web activo que enlaza con los sitios de los músicos contemporáneos de todo el mundo. Wade Schuman, fundador del grupo Hazmat Modine, ha fusionado el overblowing con estilos tradicionales más antiguos y armonías europeas medias.

La armónica ha encontrado popularidad en el sudeste asiático, como en China y especialmente en Hong Kong, así como en Taiwán y Japón, y en Corea, donde se utiliza en el plan de estudios de música de la escuela primaria.

Tipos de armónica

Varios tipos de armónicas.

Armónica cromática

La armónica cromática suele utilizar una barra deslizante accionada por un botón para redirigir el aire desde el orificio de la boquilla hasta la lengüeta seleccionada, aunque hubo un diseño, el «Machino-Tone», que controlaba el flujo de aire mediante una solapa móvil accionada por una palanca en la parte trasera del instrumento. Además, existe una modificación «manos libres» de la Hohner 270 (de 12 agujeros) en la que el intérprete cambia los tonos moviendo la boquilla hacia arriba y hacia abajo con los labios, dejando las manos libres para tocar otro instrumento. Mientras que el modelo cromático de 10 agujeros afinado por Richter está pensado para ser tocado en una sola tonalidad, los modelos de 12, 14 y 16 agujeros (que están afinados en temperamento igual) permiten al músico tocar en cualquier tonalidad deseada con una sola armónica. Esta arpa puede utilizarse para cualquier estilo, incluyendo el celta, el clásico, el jazz o el blues (comúnmente en tercera posición).

Armónicas diatónicas

En sentido estricto, «diatónica» denota cualquier armónica que está diseñada para tocar en una sola tonalidad (aunque la diatónica estándar «afinada en Richter» puede tocarse en otras tonalidades forzando sus lengüetas a tocar tonos que no forman parte de su escala básica). Dependiendo de la región del mundo, «armónica diatónica» puede significar la armónica de trémolo (en Asia oriental) o el arpa de blues (en Europa y Norteamérica). Fue desarrollada por primera vez en el siglo XIX por Natalie Ann Cummins. Otras armónicas diatónicas incluyen la armónica de octava.

Armónica de trémolo

La característica distintiva de la armónica de trémolo es que tiene dos lengüetas por nota, con una ligeramente aguda y la otra ligeramente plana. Esto proporciona un sonido único de vacilación o warbling creado por las dos lengüetas que están ligeramente desafinadas entre sí y la diferencia en sus formas de onda posteriores que interactúan entre sí (su ritmo). La versión asiática, en la que se pueden tocar los 12 semitonos, se utiliza en muchas músicas de Asia Oriental, desde el rock hasta la música pop.

Amónicas orquestales

Estas armónicas están diseñadas principalmente para su uso en conjunto.

Amónica orquestal melódica

Hay dos tipos de armónica orquestal melódica: Las más comunes son las armónicas de cuerno que suelen encontrarse en Asia oriental. Estas consisten en un solo peine grande con placas de lengüetas sólo para soplar en la parte superior e inferior. Cada lengüeta se encuentra dentro de una única célula del peine. Una versión imita la disposición de un piano o de un instrumento de macillos, con las notas naturales de una escala diatónica de Do en la placa de lengüetas inferior y los sostenidos/bemoles en la placa de lengüetas superior en grupos de dos y tres agujeros con espacios entre ellos como las teclas negras de un piano (por lo tanto, no hay un agujero de Mi#/Mib ni un agujero de Si#/Mib en la placa de lengüetas superior). Otra versión tiene una lengüeta «aguda» directamente encima de su «natural» en la placa inferior, con el mismo número de lengüetas en ambas placas.

Las «armónicas de cuerno» están disponibles en varios rangos de tono, con el más bajo comenzando dos octavas por debajo del Do medio y el más alto empezando en el mismo Do medio; normalmente cubren un rango de dos o tres octavas. Son instrumentos cromáticos y suelen tocarse en una orquesta de armónicas de Asia Oriental, en lugar de la armónica cromática de «botón», más común en la tradición europea/americana. Sus lengüetas son a menudo más grandes, y el «cuerno» que las encierra les da un timbre diferente, por lo que a menudo funcionan en lugar de una sección de metales.

El otro tipo de armónica melódica orquestal es la Polyphonia, (aunque algunas están marcadas como «Chromatica»). Estas tienen las doce notas cromáticas dispuestas en la misma fila. En la mayoría de los casos, tienen tanto el soplo como la extracción del mismo tono. A menudo se piensa que la Polifonía permite tocar fácilmente piezas como El vuelo del abejorro (porque no es necesario cambiar el flujo de aire). La Polifonía se utilizaba comúnmente para hacer glissandos y otros efectos muy fáciles de tocar-pocos instrumentos acústicos pueden tocar un glissando cromático tan rápido como una Polifonía.

Amónica de acordes

La armónica de acordes tiene hasta 48 acordes: Mayores, séptimos, menores, aumentados y disminuidos para tocar en conjunto. Está dispuesta en grupos de cuatro notas, cada una de las cuales suena un acorde diferente al inhalar o exhalar. Normalmente, cada orificio tiene dos lengüetas para cada nota, afinadas a una octava de la otra. Sin embargo, los modelos menos caros suelen tener sólo una lengüeta por nota. Bastantes armónicas de orquesta también están diseñadas para servir como armónica de bajos y de acordes, con notas de bajos junto a agrupaciones de acordes. También hay otras armónicas de acordes, como la Chordomonica (que funciona de forma similar a una armónica cromática), y las armónicas de acordes junior (que suelen proporcionar 6 acordes).

Tubo de afinación

El tubo de afinación es una armónica especial simple que está diseñada para proporcionar un tono de referencia a los cantantes y otros instrumentos. La única diferencia entre algunos de los primeros pitch-pipes y las armónicas es el nombre del instrumento, que reflejaba el público objetivo del fabricante. Las flautas cromáticas, utilizadas por cantantes y coros, suelen tener forma circular y ofrecen una octava cromática completa (de 12 notas). También se venden tubos de afinación especializados para los instrumentistas de cuerda, como los violinistas y los guitarristas; estos tubos de afinación, normalmente provistos de cuatro o seis tubos pequeños individuales unidos, proporcionan las notas correspondientes a las cuerdas abiertas para su uso en la afinación de las cuerdas.

Técnicas de armónica

Las técnicas disponibles para la armónica son numerosas. Algunas se utilizan para proporcionar una dinámica tonal adicional, mientras que otras se utilizan para aumentar la capacidad de tocar. El uso de estas técnicas puede hacer que la armónica pase de ser un instrumento diatónico que puede tocar una sola tecla correctamente a un instrumento versátil. Algunas técnicas utilizadas son: Bending, overbending, overdrawing, tocar en posición y vibrato.

‘Vibrato’ es una técnica comúnmente utilizada mientras se toca la armónica y muchos otros instrumentos, notablemente los de cuerda, para dar a la nota un sonido de «sacudida» (o vibración). Esta técnica puede lograrse de varias maneras. La más habitual es cambiar la forma de sujetar la armónica. Por ejemplo, abriendo y cerrando las manos alrededor de la armónica muy rápidamente se consigue el efecto de vibrato. Otra forma es utilizar la técnica de «sacudir la cabeza», muy utilizada en la armónica de blues, en la que el intérprete mueve los labios entre dos agujeros muy rápidamente. Esto proporciona una técnica de sacudida rápida que es un poco más que el vibrato y logra el mismo efecto auditivo en las notas sostenidas.

Además de las diecinueve notas disponibles en la armónica diatónica, los músicos pueden tocar otras notas ajustando su embocadura (posición de los labios en el instrumento), forzando a la caña a resonar en un tono diferente. Esta técnica se denomina bending, un término tomado de los guitarristas, que literalmente «doblan» una cuerda para crear sutiles cambios de tono. El «bending» también crea los glissandos característicos de gran parte del arpa de blues y de la armónica country. Los bends son esenciales para la mayoría de las armónicas de blues y rock debido a los sonidos conmovedores que el instrumento puede sacar. El famoso «wail» del arpa de blues suele requerir el bending. En la década de 1970, Howard Levy desarrolló la técnica del overbending (también conocida como «overblowing» y «overdrawing»). El overbending, combinado con el bending, permitió a los intérpretes tocar toda la escala cromática.

Además de tocar la armónica diatónica en su tonalidad original, también es posible tocarla en otras tonalidades tocando en otras «posiciones», utilizando diferentes tonalidades. Utilizar sólo las notas básicas del instrumento significaría tocar en un modo específico para cada posición. Los intérpretes de armónica (especialmente los de blues) han desarrollado un conjunto de terminología en torno a las diferentes «posiciones» que puede resultar algo confuso para otros músicos.

Los intérpretes de armónica que amplifican su instrumento con micrófonos y amplificadores de tubo, como los intérpretes de arpa de blues, también tienen una serie de técnicas que explotan las propiedades del micrófono y el amplificador, como cambiar la forma en que las manos se ahuecan alrededor del instrumento y el micrófono o respirar rítmicamente o cantar en el micrófono mientras tocan.

Una armónica en su estuche.

Beneficios médicos

Tocar la armónica requiere inhalar y exhalar con fuerza contra la resistencia. Esta acción ayuda a desarrollar un diafragma fuerte y una respiración profunda utilizando todo el volumen pulmonar. Los especialistas pulmonares han observado que tocar la armónica se asemeja al tipo de ejercicio utilizado para rehabilitar a los pacientes con enfermedad pulmonar obstructiva crónica (EPOC), como el uso de un entrenador muscular inspiratorio o el espirómetro inspiratorio. Aprender a tocar un instrumento musical también ofrece motivación además del componente de ejercicio. Por ello, muchos programas de rehabilitación pulmonar han empezado a incorporar la armónica. Además, las investigaciones y enseñanzas realizadas por Mary Crum Scholtens, una maestra de escuela primaria, descubrieron que enseñar a los niños a tocar la armónica, sobre todo de oído, aumenta en gran medida su capacidad para cantar con una mejor entonación.

Véase también

• Blues
• Armonica
• Música folk

Notas

• Melton, William, y Randy Weinstein. The Complete Idiot’s Guide to Playing the Harmonica. Indianápolis: Alpha Books, 2002. ISBN 9780028642413.
• Oakley, Giles. The Devil’s Music: A History of the Blues. De Capo Press, 1997. ISBN 9780306807435.
• Scholtens, Mary Crum. «Tenemos toda la melodía en nuestras manos». Music Educators Journal November 2007, 94 (2): 36-41.

Todos los enlaces recuperados el 1 de agosto de 2017.

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