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«Recuerdo aquella gran mañana en la que se inventó el término ‘rock clásico'», dice Robert Plant, a modo de introducción, en su base del valle del Severn. «Se convirtió en una cadena de radio en Estados Unidos mucho antes que su revista. Lo que había ocurrido era que el mundo del ‘raaaak’ -con varias ‘a’- se había convertido en una emisora de oldies.

«Pero no se relaciona mucho con vosotros, porque habéis seguido mis locuras a lo largo de los años. Y os lo agradezco porque, irónicamente, hoy en día no me ponen en el raaaak clásico, aparte de mi anterior encarnación. Ahora estoy por ahí con los ángeles y los pajaritos, no hay ni una oportunidad en el infierno.»

Plant, en efecto, lleva tiempo ahí fuera, desde que debutó en solitario en 1982, dos años después de que la muerte de su gran amigo John Bonham supusiera el fin de Led Zeppelin. Ha sido una carrera fascinante y muy variada, con elementos del folk, el blues, la música africana, la psicodelia, el rock de raíces y mucho más. Y aunque reconoce que, para algunos, será para siempre el dios dorado de la leyenda Zep, su rico catálogo -desde sus primeros pasos tentativos como artista en solitario hasta la polifacética brillantez de los recientes álbumes Lullaby And…The Ceaseless Roar y Carry Fire- es la obra de un buscador empedernido.

Una conversación con Plant es igual de digresiva, su mente sale por la tangente, un recuerdo se escapa a otro. Hoy habla de sus primeros años en Birmingham; de cómo John Bonham le llevaba de un lado a otro de la ciudad en la cúspide de su fama; de los días de mal pelo en Top Of The Pops; de por qué nunca escribirá unas memorias; de su reciente estancia en Texas… Y, por supuesto, de su actual banda de hermanos, los Sensational Space Shifters.

También habla mucho de profundizar, lo que nos lleva a su último proyecto. Digging Deep With Robert Plant es su popularísimo podcast, en el que habla con elocuencia de los cómos y los porqués de las canciones de toda su carrera. Digging Deep es también el nombre de una caja que reúne los singles de sus álbumes en solitario hasta Mighty Rearranger, de 2005.

Plant es una gran compañía. Y, teniendo en cuenta la mencionada «encarnación anterior», tan poco arriesgada como es posible. También es modesto. Él y los Shifters acaban de regresar de Estados Unidos, donde terminaron su gira con una aparición en Hardly Strictly Bluegrass, una fiesta anual en el Golden Gate Park de San Francisco.

«Todavía estoy colocado por la hierba del público», se ríe. «¡Joder! Me apetecía un tentempié hacia la tercera canción. Lo que no hubiera hecho por un atún derretido».

Es hora de profundizar…

¿Qué te impulsó a hacer el podcast?

Muchos de los esfuerzos que han ido y venido desde el fallecimiento de Led Zep han sido grandes devaneos, casi como romances con diferentes músicos y sus aportaciones. Diferentes sonidos y la forma en que la grabación contemporánea cambió a mediados de los ochenta, el cariñoso adiós a la grabación analógica. Todo ese tipo de cosas. Creo que tuve tanta experiencia con la aceleración de la creatividad que entró en el caos durante un período en los años setenta, que realmente sólo quería seguir haciendo cosas diferentes todo el tiempo.

Hago entrevistas con la gente y dicen: «¿Has pensado en escribir un libro?» Yo digo: «Vete a la mierda. Todo lo que tengo entre las orejas, o entre las piernas, es asunto mío y de nadie más. Sé demasiadas cosas, y cuando finalmente abandone este mundo mortal no quiero que mi familia piense que soy una especie de bicho raro». Así que lo mantengo oculto. Uno de los temas de mi último disco trata precisamente de eso: Keep It Hid. Y eso es lo que tienes que hacer.

Al mismo tiempo que guardas tu intimidad, el podcast pretende arrojar luz sobre partes de tu catálogo anterior.

Hablar de la creación y el desarrollo de la música es un arma de doble filo. Hace poco hice un concierto en Roskilde, Dinamarca, y Bob Dylan quiso hablar conmigo sobre las giras. Así que me reuní con él donde están aparcados todos los autobuses, en este gran festival, y nos miramos y sonreímos en la oscuridad. Estaba lloviendo a cántaros, dos criaturas encapuchadas en un aparcamiento a oscuras, y le dije: «¡Eh, tío, tú nunca paras!»

Me miró, sonrió y dijo: «¿Por qué hay que parar?» Pero no pude preguntarle por sus canciones, porque por mucho que me haya afectado su obra no se puede hablar de ella. Mi trabajo no es ni de lejos tan profundo en lo que intenta hacer. Al mismo tiempo, puedes llegar a conocer el motivo y las circunstancias que hay detrás de una determinada canción, sin que sea Masters Of War.

Al hablar de ciertas canciones en el podcast, ¿habéis descubierto un hilo conductor en vuestro trabajo?

En cierto modo. Siempre hubo una reticencia con las cosas, comenzando en 1982 con Pictures At Eleven, que utilizaba cajas de ritmos y otras cosas, tratando de romper el molde de la expectativa de que yo formara parte de un gran monstruo. Lo esencial es profundizar. En ese momento, seguí dando vueltas y vueltas con estos hilos musicales.

Cuando miro atrás ahora, nunca llegué al punto al que quería llegar con algunos de ellos, pero con otros sí. Hacer «Your Ma Said You Cried In Your Sleep Last Night», con el sonido de la aguja en el vinilo original de mi casa, fue una idiosincrasia que no se puede creer. A nadie le importaba una mierda. Pero a mí sí. Y eso es lo que contaba.

La idea de hacer esto es que estas canciones vuelvan a la vida, lo cual es divertido. Casi cobran vida de una manera totalmente diferente. Es increíble cómo la idea de los podcasts, como modo de entretenimiento, ha sustituido a la radio en la imaginación de mucha gente.

También tengo más de cuarenta temas que nunca he publicado. Tengo cosas que hice en Nueva Orleans con la Li’l Band O’ Gold y Allen Toussaint. He hecho muchas cosas. Tengo un álbum entero, Band Of Joy II, que hice con Buddy Miller y Patty Griffin. Tengo cosas en todas partes. Así que podría ser una buena manera de reunir algunas cosas bastante potentes y simplemente sacarlas de ahí. He estado ordenando mi pequeño estudio aquí, para hacer algunos ensayos más adelante en la semana, y encontré algunas cosas con los Space Shifters que hicimos en Rockfield hace dos años. Así que no se trata sólo de cosas que salieron a través de los canales normales.

Regresando al inicio de tu carrera en solitario, ¿tengo razón al decir que casi no sucedió? En un momento dado, tenías todo preparado para ir a la escuela de magisterio.

En 1977 perdimos a nuestro hijo, Karac . Sólo tenía cinco años. Había pasado mucho tiempo tratando de ser un padre decente, pero al mismo tiempo me atraía mucho lo que estaba haciendo en Zeppelin.

Así que cuando se retiró, sólo pensé: «¿De qué sirve todo esto? ¿De qué sirve todo esto? ¿Habría sido diferente si yo hubiera estado allí, si hubiera estado cerca?» Así que estaba pensando en el mérito de mi vida en ese momento, y si necesitaba o no poner mucho más en la realidad de las personas que amaba y cuidaba – mi hija y mi familia en general. Así que sí, estaba dispuesto a meter la pata, hasta que llegó Bonzo.

¿Te convenció de lo contrario?

Sí. Tenía una limusina Mercedes de seis puertas y venía con un sombrero de chófer. Vivíamos a cinco o seis millas de distancia, no muy lejos de aquí, y a veces salíamos a tomar algo. Él se ponía el sombrero de chófer y yo me sentaba en la parte trasera del Mercedes y salíamos a tomar algo. Luego se ponía el sombrero y me llevaba a casa.

Por supuesto, iba con tres sábanas al viento, y pasábamos junto a los policías y ellos decían: «¡Hay otro pobre cabrón trabajando para los ricos!» Pero me apoyó mucho en ese momento, con su mujer y los niños. Así que volví para una ráfaga más.

De igual manera, unos años más tarde, Phil Collins te ayudó en tu camino cuando te lanzaste en solitario.

Phil estaba en un pico enorme y muy prolífico. Me senté en una habitación con Atlantic Records y Peter Grant, hablando de la cosa en solitario. Dije: «Mira, no hay otra manera de hacer esto, realmente. Tengo que seguir adelante, porque tengo treinta y dos años y en realidad no he sentido nada más que esta cosa del éxito de la juggernaut. Tengo que descubrir cómo es el otro lado».

Por lo tanto, Phil Carson, de Atlantic, estaba tratando con el material en solitario de Phil Collins, post-Genesis. Phil era tan fan de John que me envió un mensaje: «Realmente me gustaría ayudarte, porque debe ser una de las cosas más difíciles que has tenido que hacer, musicalmente».

Se refería a que yo estaba sin el tipo con el que había estado tocando desde los dieciséis años, aunque teníamos una relación fogosa, Bonzo y yo. Así que Phil llegó y se puso manos a la obra. Teníamos cuatro días para el primer álbum y cuatro para el siguiente. Así que estábamos cortando pistas de acompañamiento sin parar. Y si no le gustaba algo, paraba a mitad de camino, se levantaba y decía por qué no estaba bien. Me encantaba eso, porque yo todavía andaba de puntillas, sin saber cómo tratar con otros músicos.

Aunque había inquietud por ir en solitario, es de suponer que también fue una experiencia liberadora.

Absolutamente. Es realmente de lo que se trata. Tienes esta cosa dentro de ti donde sabes que hay algo a la vuelta de la esquina que nunca has escuchado antes, pero ¿quién va a forzar la cerradura para sacarlo? Conocía a Robbie Blunt muy bien, de estar por esta zona aquí en el norte de Worcestershire. Es un guitarrista muy lírico, un hermoso jugador.

Entonces escuché el primer disco en solitario y cosas como Like I’ve Never Been Gone y me di cuenta de lo hermosa que era su forma de tocar.

Like I’ve Never Been Gone está en el podcast y en la caja, al igual que Big Log de 1983, tu primer gran éxito en solitario. Recordando tu interpretación en Top Of The Pops, pareces un poco incómodo.

Bueno, no sé quién era el peluquero. Todavía lo estoy buscando. Probablemente esté escondido en algún lugar. La canción es buena, pero me sentí fuera de lugar con todo el asunto. Podía entender más al Robert que había tocado en el Fillmore de San Francisco, con todo el mundo en la pista de baile mientras nosotros hacíamos una canción que duraba quince minutos, con un arco de violín en medio.

Cantar una canción que tenía un principio y un final, en ese momento, era todo un reto. Y también la mímica. Era todo tan nuevo. Estaba muy lejos de tocar con Alexis Korner en un club de folk.

Una vez dijiste que te sentías «en el lugar equivocado» en la época de Big Log. ¿Puedes ampliarlo?

No sabía muy bien qué hacer, porque las ruedas de la fortuna -y también las de Warner Bros- me animaban a tocar duro y con fuerza y a continuar de algún modo la tradición que ya estaba en la psique de todo el mundo, por el asunto de Zeppelin. Y creo que toqué eso con cosas como Slow Dancer . Pero la idea de ser realmente preparado en este otro tipo era muy extraño.

Hice unos cuantos videos y llegué a la máxima rotación en la MTV, lo cual fue bastante divertido. Todos crecemos, ¿sabes? Es eso o retroceder en algo y decir: «Ya he llegado bastante lejos y esto es todo lo que puedo hacer». Creo que el crecimiento pasó de esa cosa de la rotación de la MTV a abrirse paso lentamente en Fate of Nations . A partir de ahí, me fui.

Has descrito Fate of Nations como un punto de inflexión. ¿Fue la primera vez que te sentiste realmente cómodo como artista en solitario?

En realidad no. Si se tratara de estar cómodo, no tendría sentido ser creativo. Sólo necesitaba tener buena compañía y, poco a poco, me fui abriendo camino. Pude trabajar con gente a la que tengo un gran respeto, como Richard Thompson, y luego pasar a una zona en la que, finalmente, estaba haciendo discos con T Bone Burnett y Alison Krauss .

Así que te conviertes en la persona que no sabías que ibas a ser. O bien haces un paquete de rock. ¡O incluso un puto barco! Así que creo que nunca estuve realmente cómodo con la idea de hacer Top Of The Pops. Me encontré con el desarrollo de este otro tipo en su lugar – no complaciente, pero definitivamente tenía una ranura.

Tall Cool One de 1988 samplea a Led Zep y cuenta con Jimmy Page a la guitarra. ¿Habías empezado a hacer las paces con tu pasado para entonces?

Los Beastie Boys habían empezado a samplear a Zeppelin . Yo pensé: «Es una gran idea. Escucha eso». Porque puedes sacarlo de contexto y llevarlo a otra zona, que es exactamente lo que hicimos con Tall Cool One. Tomamos muchas partes diferentes de Zeppelin.

Yo también pensé que era ligeramente cómico. Incluso el título, Tall Cool One, era un instrumental de The Wailers de Seattle en 1959. Así que no había nada nuevo, era una especie de visita. Pero llegar a un acuerdo con el pasado, no, no, no. Quiero decir, ¿a qué pasado debo ir?

Pero en el podcast destacas lo consciente que eras de no convertirte en ese tipo de parodia de Led Zep.

Sí, pero pase lo que pase, no tengo elección. Ha habido grandes variantes de otro yo, pero siempre que leo un periódico parece que sigo en Led Zep. Creo que el problema es que nadie puede escuchar lo que los artistas que se quedan son capaces de sacar ahora. Si no sales a buscarlo por tu propia voluntad, no va a llegar por los canales normales. Y creo que mucha gente que va a los conciertos ni siquiera escucha la radio. Así que van a Spotify y lo ven allí: «Robert Plant ha grabado un nuevo disco, ¿verdad?

En Dreamland, de 2001, versionas la canción folk apocalíptica de Bonnie Dobson, Morning Dew. ¿Cómo llegaste a esa canción?

La escuché cuando Tim Rose tuvo una especie de éxito con ella en el sesenta y siete o sesenta y ocho. Más tarde, en ese período de la era Morning Dew, John Bonham era el baterista de la banda de Tim. Tuve que ir a pescarlo para Jimmy del Hampstead Country Club, cuando tocaba con Tim. Nunca me di cuenta de que no era la canción de Tim Rose.

Hizo un trato con Bonnie Dobson, que desde entonces se ha convertido en una conocida mía cada vez que vamos al mundo de Bert Jansch. Me pareció que esa canción era realmente hermosa. Sería igual de válido que la tocara ahora un artista realmente contemporáneo. Sólo hay que cambiar el compás. Que los niños la escuchen y se den cuenta de que estamos en problemas.

Regresando a tus días de club de folk alrededor de Birmingham en los sesenta, ¿era una escena saludable?

Depende de cuando el folk y el blues se convierten en dos cosas diferentes. Diría que Alexis Korner cantando Rock Me Baby puede no ser folk tradicional inglés, pero puede seguir funcionando en el mismo clima. Lo del folk sólo fue realmente en los primeros tiempos para mí.

Había una escena muy prolífica alrededor de donde yo estaba en la escuela, y había un club de folk por el que pasaban Alex Campbell, Ian Campbell y varias personas que cantaban canciones sobre barcos que bajaban por la costa de Northumbria o donde fuera. Pero la escena del blues era más evocadora para mí, porque tenía esa especie de tonalidad menor, la miseria de las notas azules, que me encanta.

¿Tomaste el camino habitual hacia la música a través de una sucesión de trabajos cotidianos?

Trabajé en Lewis’s en Birmingham, midiendo las piernas interiores de los caballeros. La gran frase que acompañaba a esa tarea era: «¿De qué lado se viste, señor?» En otras palabras, ¿dónde están sus cojones? Y si esos tipos eran un poco elásticos, te decían el lado equivocado, ¡sólo para que le dieras un rápido pellizco!

Creo que tu padre tocaba el violín, pero ¿tus padres seguían teniendo esa actitud de: «Ve y consigue un trabajo adecuado»?

Bueno, yo estaba destinado a un trabajo adecuado, y tengo uno. Sí, tuve mi momento de potencial profesional, y por no aceptarlo tuve que irme de casa a los diecisiete años. Así que me endurecí bastante rápido. Hice las paces con mis padres un par de años después. Pero estaba bien, era lo que debía ser.

Conozco a muchos chicos de mi época en el colegio, a los que todavía veo y que son muy divertidos y aman la vida, pero hicieron lo incorrecto. Se quedaron con una familia o lo que sea que se suponía que tenías que hacer, y realmente lamentan el hecho de que nunca se puso en marcha. No vivieron su vida, vivieron la vida que se requería.

¿Así que desde el principio supiste que no querías hacer eso?

No sabía lo que quería ser, pero no iba a empujar un bolígrafo por dos libras a la semana y formarme para ser contable.

Pre-Zeppelin, tú y John Bonham tocabais en Band Of Joy por los Midlands. ¿Pero es justo decir que en ese momento su hogar espiritual era la Costa Oeste de América?

Sí, creo que sí. Era más bien algo que se decía allí. No teníamos el fenómeno de Vietnam y no teníamos realmente la misma tensión racial visceral – aunque había tensión racial, pero no teníamos las marchas. Todo el asunto de estar aquí era el viejo imperio.

América siempre se ha tambaleado y bostezado y gruñido y ha tenido conflictos internos, por lo que la cultura juvenil estaba lidiando con sus propios problemas. Así que en la Costa Oeste, la gente de allí era la vanguardia de su propia generación de músicos, llevándola a cabo. Si piensas en «For What It’s Worth» de Buffalo Springfield, se trata de lo que ellos mismos estaban enfrentando en la calle con las autoridades. Aquí, la revolución se adaptó un poco a una industria artesanal; se vendían muchas campanas y cuentas y demás.

Saltando a tu álbum de 2005 Mighty Rearranger, hablas de una de sus canciones, Tin Pan Valley, en el podcast y de lo importante que fue esa época a nivel personal. Sugieres que fue el comienzo de abrazar ese reto de ser cantante y compositor en serio.

Quizás, pero siempre he intentado que todo funcione como una especie de pieza redonda. Creo que el gran poder de Mighty Rearranger es su flexibilidad, desde Tacamba hasta todo tipo de cosas.

Nueve años después, Lullaby And… The Ceaseless Roar parece ser la culminación de toda esa búsqueda y experimentación.

Nos deshicimos de la clase de arenilla y agresividad de una grabación como Tin Pan Valley, y la sustituimos por el drama panorámico de Embrace Another Fall, que es una combinación de musicalidad e intención y poesía que nunca podría haber imaginado en aquel entonces.

Lullaby es todo ritmo y textura, con tu voz como parte de ese «drama panorámico». ¿Fue una especie de avance para ti?

En parte tiene que ver con las circunstancias. A veces uno no dirige su propia vida, sino que ella misma la dirige. Vi que mi vida se abría de otra manera. Supongo que si vuelvo a Mighty Rearranger y me muevo a partir de ahí, había un montón de oportunidades y cambios fantásticos en los que podía tratar de entrar y escalar, cosa que hice.

Así que desde Raising Sand hasta Band Of Joy , estos fueron momentos realmente quintaesenciales para mí, porque yo era realmente un cantante del Black Country que hizo una buena versión de Rock Me Baby, y de repente estoy en todos estos entornos diferentes, musical y emocionalmente. Y me convencí, cuanto más viajaba por América y más gente conocía de diferentes partes del globo musical de allí, de que era allí donde debía estar.

Durante la era de Band Of Joy , pasé mucho tiempo con Patty mientras ella vivía en Austin, Texas. Por supuesto, había estado viajando por América durante cuarenta años o más, y siempre había visto estas pequeñas visiones de postales de varios lugares. Pero nunca había vivido en ellos para ver lo que realmente eran. Así que me mudé a Austin. Y me rodeé de algunos músicos increíbles. Jimmie Vaughan, el hermano de Stevie Ray de los Fabulous Thunderbirds, era un gran músico. Charlie Sexton, Junior Brown, Wanda Jackson… tanta gente. Y yo formaba parte de esa fraternidad de grandes músicos que iban y venían, entraban y salían.

La conclusión es que realmente abracé la idea de estar en esa escena y estaba viviendo junto a Patty. Y ella es tan prolífica y un gato tan conmovedor que pensé, esto es todo. Esto es de lo que se trata: integridad musical, gran compañía y estímulo. Y una acogida realmente cálida por parte de gente de todas las artes. Así que me metí de lleno y compré un lugar allí. Pero luego seguí mirando a casa y preguntándome cómo era con mis hijos y mis compañeros.

A veces disfruto de la simplicidad de la vida. Me estaba acostumbrando al hecho de que estaba encendido en Texas, pero no había escapado a mi historia. Así que no pude aguantar más y volví. Y de eso trata Lullaby And…The Ceaseless Roar. Se trata de volver, de fracasar, en realidad. O, en realidad, de darse cuenta de que se necesitan muchos elementos diferentes para hacer una vida.

Todo ese disco trata de la realización, de la madurez, de intentar alinearte contigo mismo y descubrir que te has vendido un poco. Y a su manera, eso es el blues.

Tu álbum de estudio más reciente, Carry Fire de 2017, se siente como una pieza de acompañamiento de Lullaby.

Sí. Los Space Shifters, para un hombre, son notables. También son notables desde los diferentes ángulos desde los que se han desarrollado. Justin Adams y Johnny Baggott y yo hemos estado juntos, de vez en cuando, desde 2001. Y hay suficientes cosas entre medias que cuando volvemos es una gran vuelta a casa.

Cuando Billy Fuller llegó, trajo algo diferente de su parte. Y tiene sus aventuras con Beak. John Blease se ha unido a nosotros en la batería. Es un jugador increíble. Y ‘Skin’ Tyson fue miembro fundador de Cast. Así que es como una especie de fraternidad. Podemos reunirnos en cualquier momento y todo está bien. Hay un gran estímulo creativo entre todos nosotros.

¿Tienes algo nuevo en el horizonte, en cuanto a la grabación?

Sí, hay algunas cosas en el aire, posiblemente en Nashville. Se supone que voy a ir allí dentro de dos semanas. De momento no hay nada en marcha, pero lo habrá. Entre Justin y Skin y todo el mundo, ya tenemos unas cuarenta ideas instrumentales diferentes. Trabajamos con un tipo llamado Tim Oliver, que es el director del estudio en Real World, la casa de Peter Gabriel, y podemos trastear allí.

Puedo pasar una tarde con Tim y realmente cambiar estilos y tallos de música en preparación para darles forma de canciones. Hemos grabado los dos últimos discos con Tim y es una gran manera de hacer las cosas. Es una buena combinación. Todos sabemos hacia dónde vamos.

¿Habrá una continuación de Raising Sand en algún momento?

Oh, estoy seguro, sí. Veo mucho a Alison y hablo mucho con ella. Y a T Bone también. La realidad es que volví una vez, y Patty había hecho su disco American Kid y estaba de gira con eso. Y creo que una vez que empiezas a escindirte y a ir por caminos diferentes, y eres un extraño en un lugar donde la gente sigue pensando que hay una bola de espejos girando alrededor de tu cabeza, es muy bueno atrincherarse con la realidad de los Space Shifters. No hay nada mejor que estar en el escenario cuando estos tipos están en pleno vuelo.

Pete Townshend dijo recientemente que pensaba que el rock’n’roll basado en la guitarra había agotado sus posibilidades, y que las nuevas tecnologías han abierto la puerta a crear otras formas de música con diferentes actitudes y maneras de trabajar. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

Simplemente creo que el juego está ahí para todos y para todo. En cuanto a la gente de la calle, es sólo cuestión de gustos. Hay gente que hace buena música en todas partes, todo el tiempo. Pete tiene razón en que, en lo que respecta a las técnicas de grabación y a cambiar la idea de crear canciones, no hay que preocuparse por un solo de guitarra.

Puedes poner un montón de pequeños trozos de confitería en el material contemporáneo. Y el humor y el comentario social. No todo tiene que venir de Nashville. Creo que eso es lo que siente Pete. Además, ha estado viajando mucho, así que probablemente ha cambiado a todo tipo de formatos musicales.

Una de las cosas que refutas en el podcast es la idea de que eres inquieto. En cambio, dices que se trata más bien de que estás inspirado y constantemente estimulado.

Es otra forma de ver la misma condición, ¿no? Es la misma bestia. No sé cuándo se cerrará el telón para mí, ni como alguien que está inspirado ni como alguien que realmente respira, pero el fútbol cinco de un miércoles por la noche no es suficiente.

Así que hago esto. Y tengo suerte, porque tengo dos o tres caminos diferentes que puedo disfrutar con la gente, y diferentes recompensas. Sé que las bandas de buena reputación sacan discos y tienden a sentirse decepcionadas. Porque toda la ventana de exposición y oportunidad se ha esfumado, no importa si es Neil Young, Elton John o quien sea que la gente esté dispuesta a encender.

¿Pero a quién le importa? Si es un puto hip-hop o una versión de una canción de Melanie, no importa. Sólo haz lo que haces y siéntelo y siéntelo.

El box set de Robert Plant, Digging Deep, ya está a la venta.