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« Je me souviens de ce grand matin où le terme « classic rock » a été inventé », dit Robert Plant, en guise d’introduction, dans sa base de la Severn Valley. « C’est devenu un réseau de radio en Amérique bien avant votre magazine. Ce qui s’était passé, c’est que le monde du ‘raaaak’ – avec plusieurs ‘a’ – était devenu comme une station oldies.

« Mais ça ne vous concerne pas beaucoup les gars, parce que vous avez suivi mes folies au fil des ans. Et j’apprécie cela parce que, ironiquement, on ne me fait pas jouer sur raaaak classique ces jours-ci, à part dans mon incarnation précédente. Maintenant, je suis dehors avec les anges et les birdies, il n’y a aucune chance en enfer. »

Plant est en effet dehors depuis un certain temps maintenant, depuis ses débuts en solo en 1982, deux ans après que la mort de son grand ami John Bonham ait signalé la fin de Led Zeppelin. C’est une carrière fascinante et très variée, qui fait appel à des éléments de folk, de blues, de musique africaine, de psychédélisme, de roots-rock et bien plus encore. Et s’il reconnaît que, pour certains, il sera à jamais le dieu doré de la légende Zep, son riche catalogue – de ses premiers pas timides en tant qu’artiste solo à la brillance à multiples facettes des récents albums Lullaby And…The Ceaseless Roar et Carry Fire – est l’œuvre d’un chercheur invétéré.

Une conversation avec Plant est tout aussi digressive, son esprit prenant des tangentes, un souvenir s’élançant dans un autre. Aujourd’hui, il parle de ses premières années à Birmingham ; d’avoir été conduit en ville par John Bonham au sommet de sa gloire ; des jours de mauvais poil à Top Of The Pops ; de la raison pour laquelle il n’écrira jamais de mémoires ; de son récent séjour au Texas… Et bien sûr, il y a son groupe actuel de frères, les Sensational Space Shifters.

Il parle aussi beaucoup de creuser en profondeur, ce qui nous amène à sa dernière entreprise. Digging Deep With Robert Plant est son podcast extrêmement populaire, dans lequel il discute avec éloquence du comment et du pourquoi des chansons de sa carrière. Digging Deep est également le nom d’un coffret qui rassemble les singles de ses albums solo jusqu’à Mighty Rearranger en 2005.

Plant est en bonne compagnie. Et, compte tenu de l' »incarnation précédente » susmentionnée, il est à peu près aussi peu nerveux qu’il est possible de l’être. Modeste aussi. Lui et les Shifters reviennent tout juste d’Amérique, où ils ont terminé leur tournée par une apparition à Hardly Strictly Bluegrass, une bash annuelle au Golden Gate Park de San Francisco.

« Je suis encore défoncé par l’herbe dans la foule », dit-il en riant. « Putain de merde ! J’avais envie d’une collation vers la troisième chanson. Ce que je n’aurais pas fait pour un sandwich au thon. »

Il est temps de creuser…

Qu’est-ce qui vous a poussé à faire ce podcast ?

Beaucoup des entreprises qui ont été et sont parties depuis la disparition de Led Zep ont été de grandes badinages, presque des romances avec différents musiciens et leur contribution. Des sons différents et la façon dont l’enregistrement contemporain a changé au milieu des années 80, l’adieu à l’enregistrement analogique. Ce genre de choses. Je pense que j’ai eu tellement d’expérience de l’accélération de la créativité allant vers le chaos pendant une période dans les années 70, que je voulais vraiment juste continuer à faire des choses différentes tout le temps.

Je fais des interviews avec des gens et ils disent : « Avez-vous pensé à écrire un livre ? » Je fais : « Va te faire foutre. Tout ce que j’ai entre les oreilles, ou entre les jambes, c’est mon affaire et celle de personne d’autre. Je sais trop de choses, et quand je quitterai enfin ce corps mortel, je ne veux pas que ma famille pense que j’étais une sorte de cinglé. » Alors je garde ça caché. L’un des titres de mon dernier album parle justement de ça – Keep It Hid. Et c’est ce que vous devez faire.

En même temps que vous gardez votre vie privée, le podcast vise à faire la lumière sur certaines parties de votre back catalogue.

Parler de la création et du développement de la musique est une arme à double tranchant. J’ai récemment fait un concert à Roskilde, au Danemark, et Bob Dylan voulait me parler de la tournée. Je l’ai donc rencontré à l’endroit où tous les bus sont garés, dans ce grand festival, et nous nous sommes regardés et souri dans l’obscurité. Il pleuvait à verse, deux créatures encapuchonnées dans un parking noir, et je lui ai dit : « Hey, mec, tu n’arrêtes jamais ! »

Il m’a regardé, a souri et a dit : « Pourquoi s’arrêter ? » Mais je ne pouvais pas lui demander de parler de ses chansons, parce qu’autant j’ai été affecté par son travail, autant on ne peut pas en parler. Mon travail est loin d’être aussi profond dans ce qu’il essaie de faire. En même temps, vous pouvez connaître le motif et les circonstances derrière une chanson particulière, sans que ce soit Masters Of War.

En discutant de certaines chansons sur le podcast, avez-vous découvert un fil conducteur dans votre travail ?

D’une certaine manière. Il y a toujours eu une réticence avec des choses, en commençant en 1982 avec Pictures At Eleven, qui utilisait des boîtes à rythmes et d’autres choses, juste pour essayer de briser le moule de l’attente de moi faisant partie d’un énorme juggernaut. L’essentiel, c’est de creuser en profondeur. A l’époque, je n’arrêtais pas de tourner et retourner avec ces fils musicaux.

Quand je regarde en arrière maintenant, je n’ai jamais vraiment atteint le point où j’essayais d’arriver avec certains d’entre eux, mais avec d’autres j’y suis vraiment arrivé. Faire Your Ma Said You Cried In Your Sleep Last Night avec l’entrée en matière de la piste étant le son du stylet sur le vinyle original dans ma maison était juste idiosyncratique au-delà de toute croyance. Tout le monde s’en foutait. Mais moi, si. Et c’est ce qui comptait.

L’idée entière de faire cette chose est que ça ramène ces chansons à la vie, ce qui est amusant. Elles prennent presque vie d’une manière totalement différente. C’est étonnant de voir comment toute l’idée des podcasts, comme mode de divertissement, a remplacé la radio dans l’imaginaire de beaucoup de gens.

J’ai aussi plus de quarante morceaux que je n’ai jamais sortis. J’ai des trucs que j’ai fait à la Nouvelle-Orléans avec le Li’l Band O’ Gold et Allen Toussaint. J’ai fait tellement de choses. J’ai un album entier, Band Of Joy II, que j’ai fait avec Buddy Miller et Patty Griffin. J’ai des trucs partout. Donc ça pourrait être un bon moyen de rassembler des choses assez puissantes et de les mettre en avant. J’étais en train de ranger mon petit studio ici, pour faire quelques répétitions plus tard dans la semaine, et j’ai trouvé quelques trucs avec les Space Shifters que nous avons fait à Rockfield il y a deux ans. Donc il ne s’agit pas seulement de trucs qui sont sortis par les canaux normaux.

Pour revenir au début de votre carrière solo, ai-je raison de dire que ça a failli ne pas se faire ? Vous étiez prêt à aller à l’école normale à un moment donné.

En 1977, nous avons perdu notre fils, Karac . Il n’avait que cinq ans. J’avais passé tellement de temps à essayer d’être un bon père, mais en même temps j’étais vraiment attiré par ce que je faisais dans Zeppelin.

Alors quand il s’est retiré, j’ai juste pensé : « Qu’est-ce que ça vaut ? Qu’est-ce que tout ça vaut ? Est-ce que ça aurait été différent si j’avais été là, si j’avais été dans le coin ? ». Je réfléchissais donc au mérite de ma vie à ce moment-là, et à la nécessité ou non de m’investir beaucoup plus dans la réalité des gens que j’aimais et dont je m’occupais – ma fille et ma famille en général. Donc ouais, j’étais prêt à le brancher, jusqu’à ce que Bonzo arrive.

Il vous a convaincu du contraire ?

Ouais. Il avait une limousine Mercedes à six portes et elle était livrée avec une casquette de chauffeur. Nous vivions à 8 ou 9 km l’un de l’autre, pas loin d’ici, et parfois nous allions boire un verre. Il mettait la casquette de chauffeur et je m’asseyais à l’arrière de cette Mercedes allongée et nous sortions sur la corde raide. Puis il remettait sa casquette et me ramenait à la maison.

Bien sûr, il avait trois feuilles au vent, et nous passions devant les flics et ils faisaient : « Voilà encore un pauvre con qui travaille pour les riches ! » Mais il m’a beaucoup soutenu à cette époque, avec sa femme et les enfants. Donc j’y suis retourné pour une dernière rafale.

De même, quelques années plus tard, Phil Collins vous a aidé sur votre chemin lorsque vous vous êtes lancé en solo.

Phil était à un tel pic énorme et très prolifique. Je me suis assis dans une pièce avec Atlantic Records et Peter Grant, pour parler de la chose solo. J’ai dit : « Ecoutez, il n’y a pas d’autre moyen de faire ça, vraiment. Je dois continuer, parce que j’ai trente-deux ans et je n’ai jamais ressenti autre chose que ce succès fulgurant. J’ai besoin de découvrir ce qu’est l’autre côté de la médaille. »

Conséquemment, Phil Carson, d’Atlantic, s’occupait des trucs solo de Phil Collins, post-Genesis. Phil était un si grand fan de John qu’il m’a envoyé un message : « J’aimerais vraiment t’aider, car cela doit être l’une des choses les plus difficiles que tu aies jamais eu à faire, musicalement. »

Il parlait du fait que je sois sans le gars avec qui je jouais depuis mes seize ans, bien que nous ayons eu une relation enflammée, moi et Bonzo. Alors Phil est arrivé et s’est mis au travail. On avait quatre jours pour le premier album et quatre pour le suivant. Donc on coupait les pistes de fond sans arrêt. Et s’il n’aimait pas quelque chose, il s’arrêtait à mi-chemin, se levait et expliquait aux gens pourquoi ça n’allait pas. J’ai adoré ça, parce que j’étais encore sur la pointe des pieds, ne sachant pas comment traiter avec d’autres musiciens.

Alors qu’il y avait de l’appréhension à se lancer en solo, on peut supposer que c’était aussi une expérience libératrice ?

Absolument. C’est vraiment ce dont il s’agit. Vous avez cette chose en vous où vous savez qu’il y a quelque chose au coin de la rue que vous n’avez jamais entendu auparavant, mais qui va crocheter la serrure pour le faire sortir ? Je connaissais très bien Robbie Blunt, pour avoir vécu dans cette région du nord du Worcestershire. C’est un guitariste très lyrique, un très beau joueur.

J’entends donc le premier disque solo et des choses comme Like I’ve Never Been Gone et je réalise à quel point son jeu était magnifique.

Like I’ve Never Been Gone est sur le podcast et dans le coffret, tout comme Big Log de 1983, votre premier grand succès solo. En repensant à votre interprétation de ce titre dans Top Of The Pops, vous semblez légèrement maladroit.

Eh bien, je ne sais pas qui était le coiffeur. Je suis toujours à sa recherche. Il doit se cacher quelque part. La chanson est bonne, mais je ne me sentais pas à ma place dans toute cette histoire. Je comprenais mieux le Robert qui avait joué au Fillmore à San Francisco, avec tout le monde à plat sur la piste de danse alors que nous faisions une chanson qui durait quinze minutes, avec un archet de violon au milieu.

Chanter une chanson qui avait un début et une fin, à ce moment-là, était assez difficile. Et aussi le mimétisme. C’était tellement nouveau. C’était loin de jouer avec Alexis Korner dans un club folk.

Vous avez dit un jour que vous aviez l’impression d’être « au mauvais endroit » à l’époque de Big Log. Pouvez-vous développer ce point ?

Je ne savais pas vraiment quoi faire, parce que les roues de la fortune – et aussi les roues de Warner Bros – m’encourageaient à jouer dur et fort et à perpétuer en quelque sorte la tradition qui était déjà là dans la psyché de tout le monde, à cause de l’affaire Zeppelin. Et je pense que j’ai abordé ce sujet avec des choses comme Slow Dancer . Mais l’idée d’être réellement préparé à devenir cet autre type était très étrange.

J’ai fait quelques vidéos et je suis passé en rotation maximale sur MTV, ce qui était assez drôle. On grandit tous, vous savez ? C’est soit ça, soit se retirer dans quelque chose et dire : « Je suis allé assez loin maintenant et c’est tout ce que je peux faire. » Je pense que j’ai grandi à partir de cette rotation MTV jusqu’à ce que je me fraye lentement un chemin vers Fate of Nations. A partir de là, j’étais en quelque sorte parti.

Vous avez décrit Fate Of Nations comme un tournant. Est-ce que c’était la première fois que vous vous sentiez vraiment à l’aise en tant qu’artiste solo ?

Pas vraiment. Si c’était pour être à l’aise, il n’y aurait aucun intérêt à être créatif. J’avais juste besoin d’être en bonne compagnie et, petit à petit, je m’y suis fait. J’ai pu travailler avec des gens pour lesquels j’ai un énorme respect, comme Richard Thompson, et ensuite passer dans une zone où, finalement, je faisais des disques avec T Bone Burnett et Alison Krauss .

Alors vous devenez la personne que vous ne saviez pas que vous alliez être. Ou alors tu fais un paquet de rock. Ou même un putain de bateau ! Donc je ne pense pas que j’ai jamais été vraiment à l’aise avec l’idée de faire Top Of The Pops. Je me suis retrouvé à me développer dans cet autre gars à la place – pas complaisant, mais j’avais définitivement un groove.

Le Tall Cool One de 1988 sample Led Zep et met en vedette Jimmy Page à la guitare. Aviez-vous commencé à faire la paix avec votre passé à ce moment-là ?

Les Beastie Boys avaient commencé à sampler Zeppelin . J’ai pensé : « C’est une super idée. Ecoutez ça. » Parce que vous pouvez le sortir de son contexte et l’amener dans une autre zone, ce qui est exactement ce que nous avons fait avec Tall Cool One. Nous avons pris beaucoup de morceaux différents de Zeppelin.

Je pensais que c’était légèrement comique aussi. Même le titre, Tall Cool One, était un instrumental des Wailers de Seattle en 1959. Il n’y avait donc rien de nouveau, c’était juste une sorte de visite. Mais faire face au passé, non non non. Je veux dire, vers quel passé dois-je aller ?

Mais dans le podcast, vous soulignez à quel point vous étiez attentif à ne pas vous transformer en ce type de parodie de Led Zep.

Oui, mais quoi qu’il arrive, je n’ai pas le choix. Il y a eu de grandes variantes d’un autre moi, mais chaque fois que je lis un journal, on dirait que je suis toujours dans Led Zep. Je pense que le problème est que personne ne peut entendre ce que les artistes qui restent dans le coin sont capables de sortir maintenant. Si vous ne sortez pas et ne le trouvez pas de votre propre gré, ça ne passera pas par les canaux normaux. Et je pense que beaucoup de gens qui vont aux concerts n’écoutent même pas la radio. Alors vous allez sur Spotify et vous le voyez là : « Robert Plant a fait un nouveau disque, c’est ça ? Fancy that ! »

Sur Dreamland de 2001, vous reprenez la chanson folk apocalyptique de Bonnie Dobson, Morning Dew. Comment en êtes-vous arrivé à celle-ci ?

Je l’ai entendue lorsque Tim Rose a eu une sorte de tube avec elle en soixante-sept ou soixante-huit. Plus tard, dans cette période de l’ère Morning Dew, John Bonham était le batteur du groupe de Tim. J’ai dû aller le chercher pour Jimmy au Hampstead Country Club, quand il jouait avec Tim. Je n’avais même pas réalisé que ce n’était pas la chanson de Tim Rose.

Il a fait un marché avec Bonnie Dobson, qui est depuis devenue une de mes connaissances régulières chaque fois que nous allons dans le monde de Bert Jansch. Je trouvais juste que cette chanson était vraiment magnifique. Elle serait tout aussi valable si elle était jouée aujourd’hui par un artiste vraiment contemporain. Il suffit de changer la signature temporelle. Laissez les enfants l’entendre et réaliser que nous sommes dans le pétrin.

Pour en revenir à votre propre époque de club folk autour de Birmingham dans les années 60, était-ce une scène saine ?

Ça dépend où le folk et le blues deviennent deux choses différentes. Je dirais qu’Alexis Korner qui chante Rock Me Baby n’est peut-être pas du folk anglais traditionnel, mais il peut quand même fonctionner dans le même climat. La chose folk n’était vraiment qu’au tout début pour moi.

C’était une scène très prolifique autour de l’endroit où j’étais à l’école, et il y avait un club folk là-bas qui avait Alex Campbell, Ian Campbell et diverses personnes qui passaient et qui chantaient des chansons sur les navires descendant la côte de Northumbrie ou je ne sais où. Mais la scène blues était plus évocatrice pour moi, parce qu’elle avait cette sorte de misère en clé mineure, en note bleue, que j’adore.

Vous avez suivi le chemin habituel vers la musique en faisant une succession de boulots banals ?

Je travaillais chez Lewis à Birmingham, à mesurer l’intérieur des jambes des messieurs. La grande phrase qui accompagnait cette tâche était : « De quel côté vous habillez-vous, monsieur ? » En d’autres termes, où sont vos couilles ? Et si ces types étaient un peu élastiques, ils vous disaient le mauvais côté, juste pour que vous lui donniez une petite mise au point!

Je crois que votre père jouait du violon, mais vos parents avaient-ils toujours cette attitude de : « Va chercher un vrai travail » ?

Eh bien, j’étais destiné à un vrai travail, et j’en ai un. Ouais, j’ai eu mon moment de potentiel professionnel, et parce que je ne l’ai pas accepté, j’ai dû quitter la maison quand j’avais dix-sept ans. Alors je me suis endurci assez vite. J’ai fait la paix avec mes parents quelques années plus tard. Mais c’était bien, c’était ce que ça devait être.

Je connais tellement de gars de mon époque à l’école, que je vois encore et qui sont très drôles et aiment la vie, mais ils ont fait la mauvaise chose. Ils se sont coincés avec une famille ou ce que vous étiez censé faire, et ils regrettent vraiment le fait que ça n’a jamais vraiment démarré. Ils n’ont pas vécu leur vie, ils ont vécu la vie qui était requise.

Donc vous avez su très tôt que vous ne vouliez pas faire ça ?

Je ne savais pas ce que je voulais être, mais je n’allais pas pousser un stylo pour deux livres par semaine et me former pour être comptable.

Pré-Zeppelin, vous et John Bonham avez joué dans Band Of Joy autour des Midlands. Mais est-il juste de dire qu’à cette époque votre foyer spirituel était la côte ouest de l’Amérique ?

Oui, je le pense. C’était plutôt comme s’il y avait quelque chose qui se disait là-bas. Nous n’avions pas le phénomène du Vietnam et nous n’avions pas vraiment la même tension raciale à fleur de peau – bien qu’il y ait eu une tension raciale, mais nous n’avions pas les marches. Le fait d’être ici, c’était le vieil Empire.

L’Amérique a toujours vacillé, baillé, grogné et connu des conflits internes, donc la culture jeune s’occupait de ses propres problèmes. Sur la côte ouest, les gens étaient les avant-gardes de leur propre génération de musiciens, ils la faisaient passer. Si vous pensez à For What It’s Worth de Buffalo Springfield, il s’agit de ce qu’ils ont dû affronter dans la rue avec les autorités. Ici, la révolution a été légèrement adaptée à une industrie artisanale ; il y avait beaucoup de cloches, de perles et de choses vendues.

Pour en revenir à votre album Mighty Rearranger de 2005, vous parlez d’une de ses chansons, Tin Pan Valley, dans le podcast et de l’importance de cette époque sur le plan personnel. Vous suggérez que c’était le début de votre engagement dans ce défi d’être à la fois un chanteur et un auteur-compositeur pour de bon.

Peut-être, mais j’ai toujours essayé de faire fonctionner l’ensemble comme une sorte de pièce arrondie. Je pense que la grande force de Mighty Rearranger est sa flexibilité, de Tacamba à toutes sortes de choses.

Neuf ans plus tard, Lullaby And… The Ceaseless Roar semble être l’aboutissement de toutes ces recherches et expérimentations.

Nous nous sommes débarrassés du genre de grumeau et d’agression d’un enregistrement comme Tin Pan Valley, et l’avons remplacé par le drame panoramique d’Embrace Another Fall, qui est une combinaison de musicalité et d’intention et de poésie que je n’aurais jamais pu imaginer à l’époque.

Lullaby est tout en rythmes et en textures, avec votre voix comme partie de ce « drame panoramique ». Était-ce une sorte de percée pour vous ?

C’est en partie lié aux circonstances. Parfois, on ne dirige pas sa propre vie, elle se dirige toute seule. J’ai vu ma vie s’ouvrir d’une manière différente. Je suppose que si je reviens à Mighty Rearranger et que j’avance à partir de là, il y avait tout un tas d’opportunités fantastiques et de changements dans lesquels je pouvais essayer d’entrer et de tituber, ce que j’ai fait.

Donc de Raising Sand à Band Of Joy , ce furent des moments vraiment quintessentiels pour moi, parce que j’étais juste vraiment un chanteur du Black Country qui faisait une bonne version de Rock Me Baby, et je me retrouve soudainement dans tous ces environnements différents, musicalement et émotionnellement. Et j’étais convaincu, plus je voyageais en Amérique et plus je rencontrais de gens de différentes parties du globe musical là-bas, que c’est là que je devais être.

À l’époque de Band Of Joy , j’ai passé beaucoup de temps avec Patty alors qu’elle vivait à Austin, au Texas. Bien sûr, je voyageais à travers l’Amérique depuis une quarantaine d’années, et j’avais toujours vu ces petites visions de cartes postales de divers endroits. Mais je n’y avais jamais vraiment vécu pour voir ce que c’était vraiment. J’ai donc déménagé à Austin. Et j’étais entouré de musiciens incroyables. Jimmie Vaughan, le frère de Stevie Ray des Fabulous Thunderbirds, était un grand joueur. Charlie Sexton, Junior Brown, Wanda Jackson… tellement de gens. Et je faisais partie de cette fraternité de grands joueurs qui allaient et venaient, qui entraient et sortaient.

L’essentiel est que j’ai vraiment embrassé l’idée entière d’être dans cette scène et je vivais aux côtés de Patty. Et elle est si prolifique et un chat si soulagé que j’ai pensé, c’est ça. C’est tout ce qui compte : l’intégrité musicale, la bonne compagnie et la stimulation. Et un accueil vraiment chaleureux de la part de personnes issues de tous les arts. Je me suis donc lancé et j’ai acheté un appartement là-bas. Mais ensuite, j’ai continué à regarder chez moi et à me demander comment c’était avec mes enfants et mes copains.

Je savoure parfois la simplicité de la vie. Je m’habituais vraiment au fait d’être branché au Texas, mais il n’y avait pas moyen d’échapper à mon histoire. Alors je n’en pouvais plus et je suis revenu. Et c’est ce dont parle Lullaby And…The Ceaseless Roar. Il s’agit de revenir, d’échouer, vraiment. Ou en fait juste de réaliser qu’il faut tellement d’éléments différents pour faire une vie.

L’ensemble de ce disque parle de réalisation, de maturité, d’essayer d’être en accord avec soi-même et de découvrir qu’on s’est un peu vendu. Et à sa façon, c’est le blues.

Votre plus récent album studio, Carry Fire de 2017, ressemble à un compagnon de Lullaby.

Ouais. Les Space Shifters, à un homme, sont remarquables. Ils sont aussi remarquables par les différents angles à partir desquels ils se sont développés. Justin Adams, Johnny Baggott et moi avons été ensemble, par intermittence, depuis 2001. Et il se passe suffisamment de choses entre les deux pour que lorsque nous revenons, ce soit un grand retour aux sources.

Lorsque Billy Fuller est arrivé, il a apporté à nouveau quelque chose de différent de son côté. Et il a ses aventures avec Beak. John Blease nous a rejoint à la batterie. C’est un joueur incroyable. Et ‘Skin’ Tyson était un membre fondateur de Cast. C’est une sorte de fraternité. On peut se réunir à tout moment et tout va bien. Il y a un grand encouragement créatif entre nous tous.

Avez-vous quelque chose de nouveau à l’horizon, du point de vue de l’enregistrement ?

Ouais, il y a des choses dans l’air, peut-être à Nashville. Je suis censé y aller dans deux semaines. Il n’y a rien du tout en cours pour le moment, mais il y en aura. Entre Justin, Skin et tout le monde, nous avons déjà une quarantaine d’idées instrumentales différentes. Nous travaillons avec un gars qui s’appelle Tim Oliver, qui est le directeur du studio de Real World, la maison de Peter Gabriel, et nous pouvons y jouer.

Je peux passer une après-midi avec Tim et vraiment changer les styles et les tiges de musique en préparation pour les façonner en chansons. Nous avons enregistré les deux derniers disques avec Tim et c’est une excellente façon de faire les choses. C’est une bonne combinaison. Nous savons tous où nous allons.

Y aura-t-il une suite à Raising Sand à un moment donné ?

Oh, j’en suis sûr, oui. Je vois beaucoup Alison et je lui parle beaucoup. Et T Bone aussi. La réalité est que j’ai couru derrière une fois auparavant, et Patty avait fait son disque American Kid et était en tournée avec ça. Et je pense qu’une fois que tu commences à te diviser et à prendre des chemins différents, et que tu es un étranger dans un endroit où les gens pensent toujours qu’il y a une boule à facettes qui tourne autour de ta tête, c’est vraiment bien de se plonger dans la réalité des Space Shifters. Il n’y a rien de plus grand que d’être sur scène quand ces gars sont en plein vol.

Pete Townshend a récemment déclaré qu’il pensait que le rock’n’roll à base de guitare avait épuisé ses possibilités, et que les nouvelles technologies ont ouvert la porte à la création d’autres formes de musique avec des attitudes et des façons de travailler différentes. Quel est votre point de vue à ce sujet ?

Je pense simplement que le jeu est là pour tout le monde et pour tout. Pour ce qui est des gens de la rue, c’est juste une question de goût. Il y a des gens qui font de la bonne musique partout, tout le temps. Pete a raison dans la mesure où, en ce qui concerne les techniques d’enregistrement et la modification de l’idée même de créer des chansons, vous n’avez pas à vous soucier d’un solo de guitare.

Vous pouvez mettre plein de petits bouts de confiserie dans les trucs contemporains. Et de l’humour et des commentaires sociaux. Tout ne doit pas forcément venir de Nashville. Je pense que c’est juste la façon dont Pete se sent. De plus, il a beaucoup voyagé, donc il s’est probablement tourné vers toutes sortes de formats musicaux.

L’une des choses que vous réfutez dans le podcast est l’idée que vous êtes agité. Au lieu de cela, vous dites que c’est plutôt un cas où vous êtes inspiré et constamment stimulé.

C’est une autre façon de voir la même condition, n’est-ce pas ? C’est la même bête. Je ne sais pas quand le rideau se fermera pour moi, que ce soit en tant que personne inspirée ou en tant que personne qui respire réellement, mais un match à cinq le mercredi soir, ce n’est pas suffisant.

Alors je fais ça. Et j’ai de la chance, parce que j’ai deux ou trois chemins différents que je peux apprécier avec les gens, et différentes récompenses. Je sais que les groupes authentiques sortent des disques et ont tendance à être déçus. Parce que toute la fenêtre d’exposition et d’opportunité s’est envolée, peu importe si c’est Neil Young, Elton John ou qui que ce soit que les gens sont prêts à allumer.

Mais qui s’en soucie ? Si c’est du putain de hip-hop ou une reprise d’une chanson de Melanie, ça n’a pas d’importance. Fais juste ce que tu fais, ressens-le et pense-le.

Le coffret Digging Deep de Robert Plant est disponible dès maintenant.

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