Même à l’âge de pierre, les gens faisaient de la musique. La première musique a probablement été faite en essayant d’imiter les sons et les rythmes qui se produisaient naturellement. La musique humaine peut faire écho à ces phénomènes en utilisant des motifs, des répétitions et des tonalités. Ce type de musique existe encore aujourd’hui. Les chamans imitent parfois les sons entendus dans la nature. Elle peut également servir de divertissement (jeux), ou avoir des utilisations pratiques, comme attirer les animaux lors de la chasse.
Certains animaux peuvent également utiliser la musique. Les oiseaux chanteurs utilisent le chant pour protéger leur territoire, ou pour attirer un compagnon. On a vu des singes battre des rondins creux. Cela peut, bien sûr, également servir à défendre le territoire.
Le premier instrument de musique utilisé par les humains était probablement la voix. La voix humaine peut produire de nombreux types de sons différents. Le larynx (boîte vocale) est comme un instrument à vent.
Le plus ancien os hyoïde connu de l’homme de Néandertal avec la forme humaine moderne a été trouvé en 1983, ce qui indique que les Néandertaliens avaient un langage, car l’hyoïde soutient la boîte vocale dans la gorge humaine.
Les premiers instruments de rythme ou de percussion impliquaient très probablement le battement des mains, des pierres frappées ensemble, ou d’autres choses utiles pour garder un rythme. Il existe des découvertes de ce type qui remontent au paléolithique. Certaines d’entre elles sont ambiguës, car elles peuvent être utilisées soit comme outil, soit comme instrument de musique.
Les premières flûtesEdit
La plus ancienne flûte jamais découverte pourrait être la flûte dite Divje Babe, trouvée dans la grotte slovène Divje Babe I en 1995. Il n’est pas certain que l’objet soit réellement une flûte. L’objet en question est un fragment du fémur d’un jeune ours des cavernes, et a été daté d’environ 43 000 ans. Cependant, la question de savoir s’il s’agit véritablement d’un instrument de musique ou simplement d’un os mâché par un carnivore fait l’objet d’un débat permanent.
En 2008, des archéologues ont découvert une flûte en os dans la grotte de Hohle Fels, près d’Ulm, en Allemagne. La flûte à cinq trous a une embouchure en forme de V et est fabriquée à partir d’un os d’aile de vautour. Les chercheurs impliqués dans cette découverte ont officiellement publié leurs résultats dans la revue Nature, en juin 2009. Cette découverte est également la plus ancienne découverte confirmée d’un instrument de musique dans l’histoire. D’autres flûtes ont également été trouvées dans la grotte. Cette flûte a été trouvée à côté de la Vénus de Hohle Fels et à une courte distance de la plus ancienne sculpture humaine connue. Lorsqu’ils ont annoncé leur découverte, les scientifiques ont suggéré que les « découvertes démontrent la présence d’une tradition musicale bien établie à l’époque où les humains modernes ont colonisé l’Europe ».
Les plus anciennes pipes en bois connues ont été découvertes près de Greystones, en Irlande, en 2004. Une fosse tapissée de bois contenait un groupe de six flûtes en bois d’if, entre 30 et 50 cm de long, effilées à une extrémité, mais sans aucun trou pour les doigts. Il est possible qu’elles aient été autrefois attachées ensemble.
En 1986, plusieurs flûtes en os ont été découvertes à Jiahu dans la province du Henan, en Chine. Elles datent d’environ 6 000 ans avant Jésus-Christ. Elles ont entre 5 et 8 trous chacune et ont été fabriquées à partir des os creux d’un oiseau, la grue à couronne rouge. Au moment de la découverte, l’une d’entre elles était encore en état de jouer. La flûte en os joue à la fois la gamme de cinq ou sept notes de Xia Zhi et la gamme de six notes de Qing Shang de l’ancien système musical chinois.
| Périodes de l’histoire de la musique | Dates |
|---|---|
| Musique préhistorique Musique ancienne Musique médiévale Renaissance. musique Musique baroque Période classique (musique) Musique romantique Période moderne |
(avant l’écriture) (avant 350) Au sujet de 350-1400 1400-1600 1600-1750 1740-1820 |
Époques anciennesÉditer
On ne sait pas à quoi ressemblait la musique la plus ancienne des hommes des cavernes. Certaines architectures, et même certaines peintures, sont vieilles de milliers d’années, mais la musique ancienne ne pouvait pas survivre jusqu’à ce que les gens apprennent à l’écrire. La seule façon de deviner ce qu’était la musique ancienne est de regarder de très anciennes peintures montrant des personnes jouant d’instruments de musique, ou de les trouver lors de fouilles archéologiques (creuser sous terre pour trouver des objets anciens). Le plus ancien morceau de musique jamais écrit et qui n’a pas été perdu a été découvert sur une tablette écrite en hurrien, une langue parlée dans et autour du nord de la Mésopotamie (où se trouve l’Irak aujourd’hui), aux environs de 1500 avant J.-C.. The Oxfords Companion to Music, ed. Percy Scholes, Londres 1970
Moyen ÂgeEdit
Une autre pièce ancienne de musique écrite qui a survécu est une ronde appelée Sumer Is Icumen In. Elle a été écrite par un moine vers l’an 1250. Une grande partie de la musique du Moyen Âge (en gros 450-1420) était de la musique folklorique jouée par des travailleurs qui voulaient chanter ou danser. Lorsque les gens jouaient des instruments, ils le faisaient généralement pour les danseurs. Cependant, la plupart des musiques écrites étaient destinées à l’église catholique. Cette musique était écrite pour que les moines la chantent à l’église. Elle est appelée Chant (ou chant grégorien).
RenaissanceEdit
À la Renaissance (en gros de 1400 à 1550), il y avait beaucoup de musique, et de nombreux compositeurs ont écrit de la musique qui a survécu de sorte qu’elle peut être interprétée, jouée ou chantée aujourd’hui. Le nom de cette période (Renaissance) est un mot français qui signifie « renaissance ». Cette période a été appelée la « renaissance » parce que de nombreux nouveaux types d’art et de musique sont nés à cette époque.
De très belles musiques ont été écrites pour être utilisées dans les services religieux (musique sacrée) par le compositeur italien Giovanni da Palestrina (1525-1594). Dans la musique de Palestrina, de nombreux chanteurs chantent ensemble (on appelle cela un chœur). Il y avait aussi beaucoup de musique qui n’était pas écrite pour l’église, comme de la musique de danse joyeuse et des chansons d’amour romantiques. Les instruments populaires pendant la Renaissance comprenaient les violes (un instrument à cordes joué avec un archet), les luths (un instrument à cordes pincées qui ressemble un peu à une guitare) et le virginal, un petit instrument à clavier silencieux.
BaroqueEdit
Dans les arts, le baroque était une ère culturelle occidentale, qui a commencé vers le tournant du 17e siècle à Rome. Elle était illustrée par le drame et la grandeur dans la sculpture, la peinture, la littérature, la danse et la musique. En musique, le terme « baroque » s’applique à la dernière période de domination du contrepoint imitatif, où différentes voix et instruments se font écho mais à des hauteurs différentes, parfois en inversant l’écho, et même en inversant le matériel thématique.
La popularité et le succès du style baroque ont été encouragés par l’Église catholique romaine qui avait décidé à l’époque du Concile de Trente que les arts devaient communiquer des thèmes religieux dans une implication directe et émotionnelle. La classe supérieure considérait également le style dramatique de l’architecture et de l’art baroques comme un moyen d’impressionner les visiteurs et d’exprimer un pouvoir et un contrôle triomphants. Les palais baroques sont construits autour d’une entrée composée de cours, de grands escaliers et de salles de réception dont l’opulence augmente de façon séquentielle. Dans une même profusion de détails, l’art, la musique, l’architecture et la littérature s’inspirent mutuellement dans le mouvement culturel baroque, les artistes explorant ce qu’ils peuvent créer à partir de motifs répétés et variés. Certains traits et aspects des peintures baroques qui différencient ce style des autres sont la quantité abondante de détails, la polychromie souvent éclatante, les visages moins réalistes des sujets et un sentiment général d’émerveillement, qui était l’un des objectifs de l’art baroque.
Le mot baroque dérive probablement de l’ancien nom portugais « barroco » qui désigne une perle qui n’est pas ronde mais de forme imprévisible et élaborée. Par conséquent, dans l’usage informel, le mot baroque peut simplement signifier que quelque chose est « élaboré », avec de nombreux détails, sans référence aux styles baroques des XVIIe et XVIIIe siècles.
Période classiqueModifié
En musique occidentale, la période classique désigne la musique de 1750 à 1825 environ. C’est l’époque de compositeurs comme Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart et Ludwig van Beethoven. Les orchestres sont devenus plus importants et les compositeurs ont souvent écrit des morceaux de musique plus longs, appelés symphonies, qui comportaient plusieurs sections (appelées mouvements). Certains mouvements d’une symphonie étaient bruyants et rapides, d’autres étaient calmes et tristes. La forme d’un morceau de musique était très importante à cette époque. La musique devait avoir une belle « forme ». Ils utilisaient souvent une structure qui était appelée forme sonate.
Un autre type de musique important était le quatuor à cordes, qui est un morceau de musique écrit pour deux violons, un alto et un violoncelle. Comme les symphonies, la musique de quatuor à cordes comportait plusieurs sections. Haydn, Mozart et Beethoven ont chacun écrit de nombreux quatuors à cordes célèbres.
Le piano a été inventé à cette époque. Les compositeurs aimaient le piano, car il pouvait être utilisé pour jouer sur la dynamique (devenir plus fort ou plus doux). D’autres instruments populaires comprenaient le violon, le violoncelle, la flûte, la clarinette et le hautbois.
Période romantiqueEdit
Le 19e siècle est appelé la période romantique. Les compositeurs étaient particulièrement intéressés par la transmission de leurs émotions à travers la musique. Un instrument important de la période romantique était le piano. Certains compositeurs, comme Frédéric Chopin, ont écrit des pièces pour piano discrètes, expressives et doucement émotionnelles. Souvent, la musique décrit un sentiment ou raconte une histoire à l’aide de sons. D’autres compositeurs, comme Franz Schubert, ont écrit des chansons pour un chanteur et un pianiste, appelées Lied (mot allemand signifiant « chanson »). Ces Lieder (pluriel de Lied) racontaient des histoires en utilisant les paroles (mots) de la chanson et les accompagnements imaginatifs du piano. D’autres compositeurs, comme Richard Strauss et Franz Liszt, ont créé des récits et raconté des histoires en utilisant uniquement la musique, ce que l’on appelle un poème symphonique. Des compositeurs, comme Franz Liszt et Johannes Brahms, ont utilisé le piano pour jouer une musique forte, dramatique et fortement émotionnelle.
De nombreux compositeurs ont commencé à écrire de la musique pour de plus grands orchestres, avec jusqu’à 100 instruments. C’était la période du « Nationalisme » (le sentiment d’être fier de son pays) où de nombreux compositeurs ont fait de la musique en utilisant des chansons populaires ou des mélodies de leur pays. Beaucoup de compositeurs célèbres ont vécu à cette époque comme Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin, Johannes Brahms, Pyotr Tchaïkovski et Richard Wagner.
Périodes modernesEdit
La période à partir de 1900 environ est appelée « période moderne ». De nombreux compositeurs du XXe siècle ont voulu composer une musique qui sonnait différemment de la musique classique et romantique. Les compositeurs modernes ont cherché de nouvelles idées, comme l’utilisation de nouveaux instruments, de formes différentes, de sons différents ou d’harmonies différentes.
Le compositeur Arnold Schoenberg (1874-1951) a écrit des pièces qui étaient atonales (ce qui signifie qu’elles ne sonnaient pas comme si elles étaient dans une clé musicale claire). Plus tard, Schoenberg a inventé un nouveau système d’écriture musicale appelé dodécaphonisme. La musique écrite avec le système dodécaphonique peut sembler étrange à certains, mais elle est de nature mathématique et n’a souvent de sens qu’après une étude approfondie. La musique dodécaphonique pure était populaire parmi les universitaires dans les années cinquante et soixante, mais certains compositeurs comme Benjamin Britten l’utilisent aujourd’hui, lorsqu’il est nécessaire d’obtenir une certaine sensation.
L’un des plus importants compositeurs du XXe siècle, Igor Stravinsky (1882-1971), a écrit de la musique avec des accords (groupes de notes qui sont joués ensemble) et des rythmes très compliqués (difficiles). Certains compositeurs pensaient que la musique devenait trop compliquée et ont donc écrit des pièces minimalistes qui utilisent des idées très simples. Dans les années 1950 et 1960, des compositeurs tels que Karlheinz Stockhausen ont expérimenté la musique électronique, en utilisant des circuits électroniques, des amplificateurs et des haut-parleurs. Dans les années 1970, les compositeurs ont commencé à utiliser des synthétiseurs électroniques et des instruments de musique issus du rock and roll, comme la guitare électrique. Ils ont utilisé ces nouveaux instruments pour créer de nouveaux sons.
Les compositeurs qui écrivent dans les années 1990 et 2000, comme John Adams (né en 1947) et James MacMillan (né en 1959) utilisent souvent un mélange de toutes ces idées, mais ils aiment aussi écrire de la musique tonale avec des airs faciles.
Musique électroniqueEdit
La musique peut être produite électroniquement. Elle est le plus souvent réalisée par des ordinateurs, des claviers, des guitares électriques et des tables à disques. Ils peuvent imiter les instruments traditionnels, mais aussi produire des sons très différents. La musique électronique du 21e siècle est couramment réalisée avec des programmes informatiques et des mixeurs matériels.
JazzEdit
Le jazz est un type de musique qui a été inventé vers 1900 à la Nouvelle-Orléans, dans le sud des États-Unis. De nombreux musiciens noirs y vivaient et jouaient un style de musique appelé musique blues. La musique blues était influencée par la musique africaine (parce que les Noirs des États-Unis étaient venus aux États-Unis en tant qu’esclaves. Ils ont été emmenés d’Afrique par la force). La musique blues était une musique jouée en chantant, en utilisant l’harmonica ou la guitare acoustique. Beaucoup de chansons de blues avaient des paroles tristes sur des émotions (sentiments) ou des expériences tristes, comme la perte d’un emploi, la mort d’un membre de la famille, ou le fait de devoir aller en prison (prison).
La musique jazz a mélangé la musique blues avec la musique européenne. Certains compositeurs noirs comme Scott Joplin écrivaient de la musique appelée ragtime, qui avait un rythme très différent de la musique européenne standard, mais utilisait des notes qui étaient similaires à certaines musiques européennes. Le ragtime a eu une grande influence sur les débuts du jazz, appelé jazz dixieland. Les musiciens de jazz utilisaient des instruments tels que la trompette, le saxophone et la clarinette pour les airs (mélodies), la batterie pour les percussions et la contrebasse pincée, le piano, le banjo et la guitare pour le rythme de fond (section rythmique). Le jazz est généralement improvisé : les musiciens composent (inventent) la musique au fur et à mesure qu’ils jouent. Même si les musiciens de jazz inventent la musique, la musique de jazz a toujours des règles ; les musiciens jouent une série d’accords (groupes de notes) dans l’ordre.
La musique de jazz a un rythme qui swingue. Le mot « swing » est difficile à expliquer. Pour qu’un rythme soit un « rythme swing », il doit sembler naturel et détendu. Le rythme swing ne ressemble même pas à une marche. Il y a une sensation de longueur et de brièveté au lieu d’une sensation de similitude. Un « rythme swinguant » excite également les personnes qui l’écoutent, car elles en apprécient le son. Certains disent qu’un « rythme swinguant » se produit lorsque tous les musiciens de jazz commencent à ressentir la même impulsion et la même énergie dans le morceau. Si un groupe de jazz joue très bien ensemble, les gens diront « c’est un groupe de jazz qui swingue » ou « ce groupe swingue vraiment bien ».
Le jazz a influencé d’autres types de musique comme la musique d’art occidentale des années 1920 et 1930. Les compositeurs de musique d’art, comme George Gershwin, ont écrit de la musique influencée par le jazz. La musique de jazz a influencé les chansons de la musique pop. Dans les années 1930 et 1940, de nombreuses chansons de musique pop ont commencé à utiliser des accords ou des mélodies de chansons de jazz. L’un des musiciens de jazz les plus connus était Louis Armstrong (1900-1971).
Musique popEdit
La musique « pop » est un type de musique populaire que beaucoup de gens aiment écouter. Le terme « musique pop » peut être utilisé pour tous les types de musique qui ont été écrits pour être populaires. Le mot « musique pop » a été utilisé à partir de 1880 environ, lorsqu’un type de musique appelé musique était populaire.
La musique pop moderne s’est développée à partir du rock and roll des années 1950, (par exemple Chuck Berry, Bo Diddley et Little Richard) et du rockabilly (par exemple Elvis Presley et Buddy Holly). Dans les années 1960, les Beatles sont devenus un groupe de musique pop célèbre. Dans les années 1970, d’autres styles de musique ont été mélangés à la musique pop, comme le funk et la musique soul. La musique pop a généralement un rythme lourd (fort), ce qui la rend propice à la danse. Les chanteurs de pop chantent normalement avec des microphones qui sont branchés sur un amplificateur et un haut-parleur.