Quatre cents ans après sa mort, William Shakespeare reste l’homme international intemporel du mystère. Presque tout ce qui le concerne est contesté. Les pièces qui nous sont parvenues aujourd’hui sont passées entre les mains de nombreux éditeurs et ont parfois été mutilées.
Par le passé, certains de ces éditeurs ont décidé que sa synthèse de la condition humaine ne plaisait pas au public et ils ont simplement réécrit les pièces à leur convenance. Et puis il y avait les collaborations. Shakespeare a coécrit beaucoup de ses pièces avec d’autres. Le problème est que nous ne savons pas exactement quelles œuvres ont été partagées avec qui.
Le seul fait durable auquel nous pouvons nous raccrocher est que William Shakespeare – qui qu’il soit réellement et quels qu’aient été ses collaborateurs – a écrit certaines des plus grandes pièces jamais écrites, et nous a donné des personnages qui ont été beaucoup copiés mais jamais améliorés à travers les siècles.
Lady Macbeth, Macbeth
Macbeth et sa femme entretiennent l’une des relations les plus tordues jamais mises en scène. C’est un bras de fer entre les deux qui sera plus tard imité, mais jamais dépassé, dans les meilleurs films noirs tels que Double Indemnité et Le facteur sonne toujours deux fois. Lorsque Macbeth « soupire d’horreurs », nous voyons comment sa soif de pouvoir a été provoquée par l’emprise sexuelle de sa femme.
En proie à des cauchemars, elle tente de laver le sang imaginé de ses mains. Au fur et à mesure que la pièce se déroule, la culpabilité a remplacé son incroyable ambition dans une égale mesure. Nous sommes amenés à croire que sa culpabilité la conduit finalement au suicide.
La masculinité est définie dans la pièce par l’ambition et le pouvoir – deux qualités que Lady Macbeth possède en abondance. En construisant le personnage de cette manière, Shakespeare remet en question nos opinions préconçues sur la masculinité et la féminité.
Iago, Othello
Iago est le fidèle acolyte d’Othello qui, nous le découvrons, n’est pas digne de confiance. Il organise la chute de son maître en persuadant Othello que sa femme a une liaison. Iago est un manipulateur hors pair qui est directement ou indirectement responsable de toutes les morts de la pièce. Iago est aussi l’un des rares méchants épouvantables qui n’obtient pas sa punition à la fin de la pièce.
Quintessence du mal, Iago est un rôle chéri du joueur shakespearien, et celui qui a le plus de répliques dans cette pièce.
Iago est aussi un personnage tragique, qui finit par se trahir lui-même par un ressentiment handicapant mêlé à une dévotion excessive. Il se distingue comme l’un des plus grands méchants de tous les temps par sa ruse glaciale et sa manipulation tordue de son Boss « le Maure ». Le discours final de Iago – « Ne me demandez rien. Ce que je sais, je le sais » – est l’une des grandes répliques de sortie de tout Shakespeare.
Prospero, La Tempête
La Tempête est la dernière pièce que Shakespeare a écrite entièrement seul. La pièce est également l’une des plus étranges du Barde et il est tentant de la considérer comme son adieu à ce monde, comme s’il se préparait à la prochaine vie.
Prospero était le duc de Milan jusqu’à ce que son frère Antonio, conspirant avec Alonso, le roi de Naples, usurpe sa position. Kidnappé et laissé pour mort sur un radeau en mer, Prospero et sa fille Miranda survivent parce que Gonzalo leur laisse des provisions et les livres de Prospero, qui sont la source de sa magie et de son pouvoir.
Le rôle de Prospero n’est pas seulement un rôle de commandement mais un rôle avec certaines des plus belles lignes du poète. Les discours des actes IV et V, dans lesquels le duc de Milan exilé fait tomber le rideau sur le drame (« Our revels now are ended ») puis répudie son art (« This rough magic I here abjure »), sont palpitants et majestueux. Prospero est l’un des grands vieillards de Shakespeare.
Hamlet, Hamlet
Hamlet est le prince mélancolique du Danemark et le fils éploré du roi récemment décédé. Ce personnage en quête d’âme a été qualifié de premier être humain véritablement moderne jamais dépeint en littérature. La profondeur du trouble émotionnel d’Hamlet peut être mesurée par rapport à la bonne humeur affichée par le reste de la cour.
Hamlet est désemparé en s’attardant sur le fait que tout le monde a réussi à oublier son père si rapidement – en particulier sa mère, Gertrude. Avec son mari à peine froid dans la tombe, Gertrude a épousé son beau-frère Claudius. Lorsqu’un fantôme révèle que Claudius a tué le roi, Hamlet jure de venger le meurtre de son père.
Mais Hamlet est émotionnellement tout à fait perdu et se retrouve paralysé. Il ne parvient pas à équilibrer sa haine pour Claudius et son chagrin dévorant avec le mal nécessaire pour accomplir sa vengeance. Le dilemme d’Hamlet le conduit au paradoxe moral qu’il doit commettre un meurtre pour venger un meurtre.
Les trois sorcières, Macbeth
Les trois sorcières, autrement connues sous le nom des sœurs bizarres, sont entrées dans la conscience populaire comme l’incarnation classique de la sorcellerie. Shakespeare était le Steven Spielberg de son époque. Il écrivait pour le public de masse, mais après que Jacques 1er (Jacques V d’Écosse) soit monté sur le trône d’Angleterre en 1603, il a nommé l’homme de Stratford-Upon-Avon comme dramaturge de la cour royale.
James était profondément intéressé par les sorcières et croyait qu’elles existaient vraiment. Le devoir juré de Shakespeare consistait désormais à plaire à Sa Majesté, et c’est ainsi que les Weird Sisters ont vu le jour. L’origine de ces sœurs effrayantes est mentionnée pour la première fois dans l’ouvrage Chronicles Of England, Scotland And Ireland, publié par Hollinshed en 1577. Les historiens pensent que les Trois Sorcières pourraient remonter à des temps bien plus anciens, et remonter à un certain nombre de valkères nordiques qui décidaient quels hommes seraient tués lors de la bataille de Clontarf.
Juliette, Roméo et Juliette
La nourrice de Juliette dans les plus célèbres tragédies romantiques du Barde est une voleuse de scène. Elle donne une véritable touche humaine à une pièce qui, autrement, pourrait, selon les propres mots de Roméo, être « trop douce et flatteuse pour être substantielle ». Et pourtant, c’est la malheureuse Juliette qui capte le cœur. À peine âgée de quatorze ans, Juliette est à un âge qui se situe entre l’enfance et la maturité. Au début de la pièce, elle semble pourtant n’être qu’une enfant obéissante, protégée et naïve.
Bien qu’il soit courant pour les filles de son âge – sa mère y compris – de se marier, Juliette n’a pas réfléchi au sujet. Parce qu’elle n’est qu’une simple fille née dans la haute société, elle n’a pas la liberté dont jouit Roméo pour sortir, voir des gens et se bagarrer. L’évolution de Juliette, qui passe du statut de jeune fille aux yeux brillants à celui de femme à part entière, est l’un des premiers triomphes de Shakespeare en matière de caractérisation. Il marque l’un de ses traitements les plus arrondis d’un personnage féminin.
Viola, Twelfth Night
Viola est l’un des personnages comiques les plus délicieux de Shakespeare. En tant qu’orpheline naufragée qui n’a personne pour la protéger, elle doit être rusée et avoir du recours. Elle sait qu’une femme seule à la dérive dans un pays étranger court un certain risque. Elle se déguise en garçon afin d’avoir de l’espace pour vagabonder sans être dérangée. Viola est le personnage le plus ambigu sexuellement de Shakespeare.
Tout au long du développement de l’intrigue, et de l’humiliation de Malvolio, elle fait preuve d’une énergie contagieuse en s’engageant de façon pétillante avec tous ceux qui l’entourent. Mais il ne s’agit pas seulement de flirt étourdissant.
Sa scène à l’acte III avec Olivia, dans laquelle la comtesse glaciale plane sur le point de déclarer son amour pour Cesario, est parmi les plus exaltantes que Shakespeare ait jamais écrites. Le plus surprenant chez Viola, c’est qu’une jeune femme aussi brillante et douée tombe amoureuse de quelqu’un d’aussi rustre que le duc Orsino.
Béatrice, Beaucoup de bruit pour rien
Leonato, un noble apprécié, vit dans la ville italienne de Messine. Leonato partage sa maison avec sa charmante jeune fille, Héro, sa délicieuse nièce Béatrice, pleine d’esprit, et son frère âgé, Antonio, qui est le père de Béatrice. Un groupe d’amis arrive, dont le farceur Bénédict. Bénédict et Béatrice, tous deux bien assortis, tombent amoureux. L’histoire d’amour entre les deux est, à proprement parler, une intrigue secondaire. Mais elle en vient à dominer la pièce, avec Béatrice comme personnage principal.
La pièce a été produite de nombreuses fois comme une romcom, mais elle est bien plus profonde qu’un épisode de Friends. Blessée et crachant des piques, Béatrice est plus qu’un match pour le floconneux Bénédick. Son appel, lors du mariage raté de l’acte IV, pour qu’il « tue Claudio », l’amoureux de sa sœur, définit la profondeur de son personnage. Plaisante-t-elle ou très sérieuse ? Probablement un peu des deux. À la fin, malgré ses défauts, Bénédict obtient sa petite amie.
Falstaff, Henry IV Parties I et II, Les Joyeuses Femmes de Windsor
Sir John Falstaff est l’une des grandes figures paternelles de tout Shakespeare. Porté et souvent ivre, il est le vieux voyou sans cervelle qui accompagne le prince Hal dissolu d’une jeunesse mal gérée à une maturité sobre. L’héritier du trône passe la plupart de son temps dans les tavernes du côté miteux de Londres, traînant avec des vagabonds et d’autres types louches.
L’ami le plus proche de Harry parmi l’équipage de coquins est Falstaff. Falstaff est le plus louche de tous, mais en tant que présence sur scène, il est un géant dans tous les sens du terme. Avec sa carrure massive et ses appétits gargantuesques, il est le personnage d’Oliver Reed qui se comporte mal et que le public aime désapprouver. La réplique dans Henry IV partie II, lorsque le roi Henry nouvellement couronné se retourne contre son plus ancien et meilleur ami – « Je ne te connais pas, vieil homme » – est l’un des moments les plus glaçants de l’histoire de la scène.
Apprends, Roi Lear
Hamlet est le test ultime du jeune acteur, mais Lear est le rôle auquel tout acteur principal mature aspire. Mettant en scène la folie, les effusions de sang et la nudité (réelle et imaginaire) de la condition humaine, jouer Lear est un rôle physiquement formidable. Il exige du sang et de la sueur de tout acteur qui s’y essaie (de la sueur de toute façon, le sang est peint).
A l’acte III, scène I, la tempête – « Blow winds, and crack your cheeks » – conduit à l’un des moments les plus extraordinaires du théâtre mondial, peut-être le sommet d’une pièce riche en scènes hypnotiques. Dans Le Roi Lear, Shakespeare livre une vision de l’humanité si sombre qu’elle peut laisser les spectateurs sortir du théâtre en se demandant « à quoi bon ? », mais c’est la profondeur inéluctable de son récit hivernal qui la rend si grande et intemporelle.
Irish Independent