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Divje Babe笛

これまで発見された最古の笛は1995年にスロベニアの洞窟Divje Babe Iで見つかったいわゆる「ディビエ・ベーブ笛」といえるかもしれない。 この物体が本当にフルートであるかどうかは定かではありません。 この品物は若いホラアナグマの大腿骨の断片で、約43,000年前のものと推定されている。 しかし、それが本当に楽器なのか、それとも単に肉食動物が噛んだ骨なのかは、現在も議論が続いています。

2008年、考古学者たちはドイツのウルムに近いホーレ・フェルス洞窟で骨のフルートを発見しました。 5つの穴のあるフルートはV字型のマウスピースを持ち、ハゲタカの翼の骨で作られています。 この発見に関わった研究者たちは、2009年6月に雑誌『ネイチャー』にその成果を正式に発表した。 この発見は、楽器の発見としては史上最古のものであることも確認されている。 洞窟内では他にもフルートが発見された。 このフルートは、ホーレ・フェルツのヴィーナスの隣で、人類最古の彫刻から少し離れた場所で発見された。 1745>

最古の木製パイプは、2004年にアイルランドのグレイストーンズの近くで発見されました。 木製の穴の中には、長さ30～50cmのイチイの木で作られた6本のフルートの一群が入っており、一端が先細りになっていたが、指孔はない。

1986年、中国河南省の嘉湖で数本の骨製フルートが発見された。 それらは紀元前6,000年頃のものである。 それぞれ5〜8個の穴があり、タンチョウヅルという鳥の骨の空洞から作られたものです。 発見当時、1つはまだ演奏可能であったことが判明している。 この骨角器は、古代中国の音楽体系である夏之の5音または7音の音階と清香の6音の音階の両方を演奏することができます。

古代編

穴居人の初期の音楽はどうだったか不明である。 建築物や絵画の中には何千年も前のものもあるが、古い音楽は人々が書き留めることを覚えるまで生き残ることができなかった。 初期の音楽について推測できるのは、人々が楽器を演奏している非常に古い絵画を見るか、考古学的発掘（地下を掘って古いものを見つけること）で見つけるか、くらいである。 書き記され、失われることのなかった最古の音楽は、メソポタミア北部（現在のイラク）で話されていたヒュリアン語で書かれた、紀元前1500年頃の石版で発見されました。 オックスフォード・コンパニオン・トゥ・ミュージック」（The Oxfords Companion to Music, ed. Percy Scholes, London 1970

Middle AgesEdit

現存するもう一つの初期の文字音楽は、「Sumer Is Icumen In」と呼ばれるラウンドである。 これは1250年頃に修道士によって書き留められたものである。 中世（およそ450年〜1420年）の音楽の多くは、歌ったり踊ったりしたい労働者たちが演奏する民俗音楽であった。 楽器を演奏する場合は、たいていダンサーのために演奏していた。 しかし、書き記された音楽のほとんどは、カトリック教会のためのものだった。 この音楽は、修道士が教会で歌うために書かれたものです。 これはChant（またはGregorian chant）と呼ばれています。

RenaissanceEdit

ルネサンス期（およそ1400-1550）にはたくさんの音楽があり、多くの作曲家が音楽を書き、今日演奏、演奏、歌唱できるように残っているのです。 この時代（ルネサンス）の名前は、フランス語で「再生」を意味する言葉である。 1745年＞ ＜9561年＞イタリアの作曲家ジョヴァンニ・ダ・パレストリーナ（1525-1594）によって、教会の礼拝で使われる非常に美しい音楽（聖楽）が書かれたことから、この時代は「再生」と呼ばれた。 パレストリーナの音楽は、多くの歌い手が一緒に歌う（これを聖歌隊と呼ぶ）。 また、楽しいダンスミュージックやロマンチックなラブソングなど、教会のために書かれたのではない音楽もたくさんあった。 ルネサンス期に流行した楽器は、ヴィオール（弓で弾く弦楽器）、リュート（ギターに少し似た撥弦楽器）、ヴァージナル（小さくて静かな鍵盤楽器）などがある。 彫刻、絵画、文学、舞踊、音楽などにおいて、ドラマチックで壮大なものに代表される。 音楽では、異なる声や楽器が互いに異なる音程で響き合い、時には響きを反転させたり、主題を反転させたりする模倣的対位法の支配の最終時期を「バロック」と呼ぶ。

バロック様式の人気と成功は、トレント公会議の時点で、芸術は宗教的テーマを直接的かつ感情移入して伝えなければならないと決めたローマカトリック教会によって奨励されていた。 また、上流階級は、バロック建築や芸術の劇的な様式を、訪問者を感動させ、勝利の権力と支配を表現する手段と見なしました。 バロックの宮殿は、中庭、大階段、応接室などの入り口を中心に、順次豪華さを増していくように建てられている。 バロックの文化運動は、美術、音楽、建築、文学が互いに刺激しあい、繰り返される多様なパターンから何が生み出されるかを探った。 バロック絵画の特徴として、細部の描写の豊かさ、鮮やかな多色性、被写体の顔の写実性の低さ、全体的な畏怖の念などが挙げられるが、これらはバロック芸術の目標の一つでもあった。 1745>

古典期編

西洋音楽では、古典期とは1750年頃から1825年頃までの音楽のことを指す。 ヨーゼフ・ハイドン、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンといった作曲家たちの時代である。 オーケストラの規模が大きくなり、作曲家たちはいくつかのセクション（楽章と呼ばれる）を持つ交響曲と呼ばれる長い楽曲をよく書きました。 交響曲のある楽章は派手で速く、ある楽章は静かで悲しげである。 この時代、音楽の形はとても重要であった。 音楽はきれいな「形」を持っていなければならないのです。 1745>

もう一つの重要な音楽は弦楽四重奏で、これは2つのヴァイオリン、ヴィオラ、チェロのために書かれた音楽作品である。 弦楽四重奏曲は、交響曲と同様、いくつかのセクションに分かれている。 ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンは、それぞれ有名な弦楽四重奏曲を数多く作曲した。 ピアノはダイナミクス（大きくなったり、小さくなったりすること）を表現できるため、作曲家たちはピアノを好んだ。 1745>

ロマン派時代編集部

19世紀はロマン派時代と呼ばれる。 作曲家たちは、音楽を通じて感情を伝えることに特に関心を持った。 ロマン派時代の重要な楽器はピアノである。 フレデリック・ショパンのように、控えめで、表情豊かな、静かな感動を呼ぶピアノ曲を書く作曲家もいた。 多くの場合、音楽は音を使って感情を描写したり、物語を語ったりします。 また、フランツ・シューベルトのように、歌手とピアノ奏者のためにリート（ドイツ語で「歌」の意味）と呼ばれる曲を書いた作曲家もいる。 このLieder（Liedの複数形）は、歌の歌詞（言葉）と想像力豊かなピアノ伴奏によって、物語を表現するものでした。 また、リヒャルト・シュトラウスやフランツ・リストなどの作曲家は、音楽だけで物語を作り、それを音詩と呼んでいる。 リストやブラームスは、ピアノを使って、派手でドラマチックな、強い感情を表す音楽を奏でた＜1745＞ ＜9561＞多くの作曲家が、100もの楽器を持つ大規模なオーケストラのために音楽を書き始めた。 ナショナリズム（自国を誇りに思う気持ち）の時代で、多くの作曲家が自国の民謡や旋律を使った音楽を作った。 フランツ・シューベルト、フェリックス・メンデルスゾーン、フレデリック・ショパン、ヨハネス・ブラームス、ピョートル・チャイコフスキー、リヒャルト・ワーグナーなど、多くの有名な作曲家がこの時代に生きていた。 20世紀の作曲家の多くは、古典派やロマン派の音楽とは異なる響きを持つ音楽を作曲したいと考えた。 新しい楽器の使用、異なる形式、異なる音、異なるハーモニーなど、新しいアイデアを探しました。

作曲家のアーノルド・シェーンベルク（1874～1951）は、無調（どの調でもないように聞こえること）の曲を書きました。 その後、シェーンベルクは十二音制という新しい作曲法を考案した。 十二音制で書かれた音楽は、不思議に聞こえるかもしれないが、数学的な性質を持っており、しばしば注意深く研究して初めて意味をなすのである。 純粋な十二音制の音楽は、50年代から60年代にかけて学者の間で流行しましたが、ベンジャミン・ブリテンなど一部の作曲家は、今日でもある種の感触を得る必要がある場合にこれを使用しています＜1745＞ ＜9561＞20世紀を代表する作曲家の一人、イーゴリ・ストラヴィンスキー（1882-1971）は、非常に複雑（困難）なコード（一緒に演奏する音のグループ）とリズムの音楽を書きました。 音楽が複雑になりすぎていると考えた作曲家たちは、非常にシンプルな発想でミニマリズムの作品を書きました。 1950年代と1960年代には、カールハインツ・シュトックハウゼンのような作曲家が、電子回路、アンプ、スピーカーを使った電子音楽の実験を行っています。 1970年代に入ると、作曲家たちは電子シンセサイザーやエレキギターなどのロックンロール音楽の楽器を使うようになりました。

1990年代と2000年代に作曲した作曲家、例えばジョン・アダムス（1947年生まれ）とジェームズ・マクミラン（1959年生まれ）は、しばしばこれらすべてのアイデアを混合して使用するが、彼らは簡単な曲で調性音楽を書くのも好きである。 これは、最も一般的にコンピュータ、キーボード、エレキギター、ディスクテーブルによって行われます。 彼らは伝統的な楽器を模倣することができ、また非常に異なった音を作り出すことができます。 21世紀の電子音楽は、一般的にコンピュータプログラムとハードウェアミキサーで作られている。

JazzEdit

ジャズは、1900年頃にアメリカ南部のニューオリンズで発明された音楽の一種である。 そこには、ブルース・ミュージックと呼ばれるスタイルの音楽を演奏する多くの黒人ミュージシャンが住んでいた。 ブルースはアフリカの音楽の影響を受けている（アメリカの黒人は奴隷としてアメリカにやってきたからだ。 彼らはアフリカから力づくで連れてこられたのです）。 ブルース・ミュージックは、歌ったり、ハーモニカやアコースティック・ギターを使って演奏される音楽だった。 多くのブルース曲は、仕事を失ったり、家族が亡くなったり、刑務所へ行かなければならないなど、悲しい感情（気持ち）や悲しい体験を歌った悲しい歌詞が多かった。 スコット・ジョプリンなどの黒人作曲家の中には、ラグタイムと呼ばれる、標準的なヨーロッパ音楽とは全く異なるリズムを持ちながら、いくつかのヨーロッパ音楽に似た音符を使った音楽を書いている人もいました。 ラグタイムは、ディキシーランドジャズと呼ばれる初期のジャズに大きな影響を与えました。 ジャズミュージシャンは、トランペット、サックス、クラリネットなどの楽器が曲（メロディー）のために使用され、パーカッションと撥ダブルベース、ピアノ、バンジョーとギターは、バックグラウンドリズム（リズムセクション）用であった。 ジャズは通常、即興演奏である。演奏者が演奏しながら音楽を作り上げる（発明する）のである。 ジャズミュージシャンが音楽を作り上げるといっても、ジャズ音楽にはルールがあります。ミュージシャンは一連のコード（音の集まり）を順番に演奏するのです。 スウィング」という言葉を説明するのは難しい。 リズムが「スウィングするリズム」であるためには、自然でリラックスした感じでなければならないのです。 スイングのリズムは行進曲のようでもない。 同じような感じではなく、ロング・ショートの感じがあります。 また、「スウィングリズム」は、聴いている人もその音が好きなので、テンションが上がります。 スウィンギングリズム」とは、ジャズミュージシャン全員が曲から同じパルスとエネルギーを感じ始めることだとも言われます。 ジャズバンドがとてもいい演奏をすれば、「あれはスイングするジャズバンドだ」「あのバンドは本当によくスイングする」と言われるでしょう。 ジョージ・ガーシュインのような芸術音楽の作曲家は、ジャズの影響を受けた音楽を書いています。 ジャズはポップミュージックにも影響を与えた。 1930年代から1940年代にかけて、多くのポップミュージックにジャズのコードやメロディが使われるようになった。

ポップミュージック編集部

「ポップ」ミュージックは、多くの人々が好んで聴くポピュラー音楽の一種です。 ポップミュージック」という言葉は、ポピュラーになるように書かれたあらゆる種類の音楽に対して使われることがあります。 1745>

現代のポップミュージックは、1950年代のロックンロール（例えばチャック・ベリー、ボ・ディドリー、リトル・リチャード）やロカビリー（例えばエルビス・プレスリー、バディ・ホリー）から発展したものである。 1960年代には、ビートルズが有名なポップミュージックグループとなった。 1970年代には、ファンクやソウルミュージックなど、他の音楽スタイルがポップミュージックとミックスされた。 ポップミュージックは一般的に、ダンスに適したヘビーな（強い）ビートを持つ。 ポップスの歌手は通常、アンプとラウドスピーカーに接続されたマイクロフォンを使って歌います。