Vigtige nyskabelser og kunstnere i den italienske renæssance
Jeg har lagt perspektivlinjer ind over hinanden, som illustrerer brugen af 1-punkts lineært perspektiv i “Udsigt over en ideel by”, et maleri af Piero della Francesca. Konvergenspunktet kaldes forsvindingspunktet.
Den italienske renæssance anses af historikere for at være begyndelsen på den moderne tidsalder. Selve navnet betyder bogstaveligt talt “genfødsel”, hvilket er en præcis beskrivelse af denne periode med innovation inden for både videnskab og kunst. Den litterære kunst fik også stor opmærksomhed, da renæssancens tænkere vendte sig mod de tabte tekster fra den antikke verden for at opnå ny forståelse. Denne fornyede interesse for historie, litteratur og kunst var fødslen af en helt ny måde at tænke på, som var centreret om menneskehedens verden i lige så høj grad som om det hinsides (som var middelaldermennesket eneste bekymring). Denne nye måde at tænke på kaldes humanisme og går tilbage til det græske begreb “mennesket som målestok for alting”. Med opfindelsen af bevægelige bogstaver i renæssancen spredtes nye ideer og gammel lærdom hurtigere end nogensinde før.
De generelle datoer for renæssanceperioden er 1400-1550, og dens fødested var utvivlsomt Firenze, en velstående handelsby i Italien . Det var nødvendigt, at dyrkningen af store ideer og kunst begyndte i et center med stor velstand … for det krævede en sådan velstand at finansiere opførelsen af store katedraler, som blev udførligt dekoreret af de bedste kunstnere, som regionen havde at byde på. Velhavende borgere donerede ofte deres penge til specifikke kunstbestillinger, både til religiøse og verdslige projekter. De største kunstmæcener i Firenze var Medici-familien, som udsmykkede deres by med skulpturer hentet fra Grækenland og Rom, som bestilte kunstnere og arkitekter til at skabe, og som også finansierede de første universiteter.
De mest tydelige ændringer i renæssancetiden ses i malerier og skulpturer. Selv om de fortsatte middelalderens tradition for at bruge religiøse emner og illustrerede historier fra Bibelen, kombinerede de denne interesse med klassiske idealer for den menneskelige figur og en øget interesse for at skildre naturen. Sekulære værker var også populære og var ofte inspireret af græsk og romersk mytologi. Kunstnerne begyndte for første gang at eksperimentere med oliebaseret maling, idet de blandede pulverpigmenter med linolie (og efterhånden opgav den middelalderlige teknik med æggetempera). Malingen tørrede langsomt og kunne bearbejdes i et par måneder. Freskoteknikken blev anvendt på gipsvægge (og nåede sin fuldkommenhed med kunstnere som Michelangelo). Skulpturerne begyndte at blive udformet “rundt” i stedet for som reliefudsmykninger på katedraler. Perspektiv og lys blev også indført i kunsten, hvilket gjorde fornemmelsen af tredimensionel virkelighed mere perfekt. Renæssancens kunstnere havde en så dramatisk indvirkning på deres opfattelse af rum og form, at de har ændret den måde, vi ser på verden på, for altid.
Den tidlige renæssance: Innovationer inden for lineært perspektiv og menneskelig anatomi
Giotto (1267-1337) anses for at være “renæssancens fader”. Han karakteriseres som en proto-renæssancemaler, og hans værker er en overgang fra den sene middelalder (gotik). Hans nyskabelser var brugen af tilnærmet perspektiv, øget volumen af figurer og en dybde af følelser, der antyder menneskelige følelser i stedet for statiske og passive ikoner.
|
|
Rensning af templet |
Se flere Giotto-fresker fra Arena-kapellet
Filippo Brunelleschi (1337-1446) var en florentinsk arkitekt og ingeniør; den første til at udføre en række optiske eksperimenter, der førte til en matematisk teori om perspektiv. Brunelleschi udtænkte perspektivmetoden til arkitektoniske formål, men da perspektivmetoden blev offentliggjort i 1435 (af Alberti), ville den få en dramatisk indvirkning på afbildningen af det 3-dimensionale rum i kunsten. Se den perspektiviske illustration øverst på siden.
|
Masaccio (1401- 1428) var en af de første kunstnere, der anvendte den nye metode med lineært perspektiv i sin fresko af Den Hellige Treenighed. Det tøndehvælvede loft efterligner med præcision det arkitektoniske rums faktiske udseende, som det ville se ud fra beskuerens synspunkt. Hans figurer er nøjagtige i deres beskrivelse af den menneskelige anatomi og er påvirket af kunstnerens studier af skulptur. På dette maleri befinder forsvindingspunktet sig under Jesu fødder. Illusionen af arkitekturen er så ægte, at man føler, at det er som om væggen er blevet åbnet for at afsløre scenen. Jesus, Faderen og Helligånden (symboliseret af duen) har fået selskab af Maria og evangelisten Johannes. Johannes Johannes. Flankeret på siderne er donorerne (hvis grav blev fundet under vægmaleriet). Et malet skelet ligger på en illusorisk sarkofag under inskriptionen: “ |
 Den hellige treenighed, fresko (se forstørret billede) |
 |
Masaccio inkluderer tre forskellige øjeblikke en historien i den samme scene (en teknik kendt som “kontinuerlig fortælling”): I midten spørger Peter Jesus, hvorfor han skulle være nødt til at betale skatteopkræverens, eftersom hans troskab kun er til Gud og ikke til romerne. Jesu svar er, at han skal “give romerne det, der tilkommer dem, og Herren det, der tilkommer ham”. Han instruerer Peter om at finde pengene ved at gå ud og fiske (til venstre trækker Peter en mønt ud af fiskens mund), og til højre giver Peter skatteopkræveren pengene foran sit hus. |
Piero della Francesca (1416-1492) var en anden tidlig renæssancekunstner, der gav udtryk for en besættelse af perspektiv. Hans værker er kendetegnet ved omhyggeligt analyserede arkitektoniske rum, en følsomhed over for geometrisk renhed i formerne og en skulpturel forståelse af figuren. Han var så besat af perspektiv og geometri, at han skrev flere afhandlinger om emnet.
Piero della Francesca, The Discovery and Proving of the True Cross, fresko, 1452-59
(Web Gallery of Art: http://www.kfki.hu/~arthp)Dette er blot et af flere vægmalerier inden for en “cyklus”, der skildrer legenden om det “sande kors”. Korset er opdaget sammen med de to kors (af tyve, der døde ved siden af Jesus). Det sande kors identificeres ved dets evne til at bringe en død ung mand tilbage til livet.
 |
Donatello (1386-1466) bragte en ny følelse af naturalisme til skulpturen. Hans værker var nogle af de tidligste, der kom ud af katedralernes vægge og indtog det tredimensionelle rum. Hans figurer bruger den klassiske contrapposto-stilling (afslappet og ikke stiv). Hans David menes også at være den allerførste fuldskala nøgenskulptur siden oldtiden.David er den bibelske unge mand, der besejrer kæmpen Goliat. Selv om det er svært at se på dette fotografi, står David med sin venstre fod på toppen af Goliats hoved. Det er interessant at sammenligne denne skulptur med Michelangelos senere version.David, støbt bronze (158 cm.), 1444-46 |
Lamentation of the Dead Christ, tempera på lærred, 1466 |
 |
 Klik for at se et større billede af Venus |
Sandro Botticelli (1445-1510) var den første kunstner, der malede en kvindelig nøgen i fuld størrelse i sit værk Venus’ fødsel. Figuren minder faktisk om den nøjagtige positur fra en græsk skulptur (Venus de Medici, som han havde adgang til under deres protektionering), selv om han har tilføjet flydende hår og langstrakte lemmer. Figuren indtager midten af lærredet, som traditionelt kun var forbeholdt Jomfru Maria. Med henvisning til den klassiske mytologi er dette måske det mest hedenske billede i hele renæssancen. Primavera (Forår) er et andet maleri med et klassisk emne, der blev bestilt til Medici-familien. Venus’ fødsel, tempera på lærred,1485 |
Se udviklingen af billedet af Jomfruen
til den nordlige renæssance