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Innovations clés et artistes de la Renaissance italienne

J’ai superposé des lignes de perspective illustrant l’utilisation de la perspective linéaire à 1 point dans « Vue d’une ville idéale », une peinture de Piero della Francesca. Le point de convergence est appelé le point de fuite.

La Renaissance italienne est considérée par les historiens comme le début de l’ère moderne. Le nom lui-même signifie littéralement « renaissance », une description précise de cette période d’innovation tant dans les sciences que dans les arts. Les arts littéraires ont également fait l’objet d’une grande attention, car les penseurs de la Renaissance se sont tournés vers les textes perdus de l’ancien monde pour en tirer une nouvelle compréhension. Ce regain d’intérêt pour l’histoire, la littérature et les arts a donné naissance à un tout nouveau mode de pensée, centré sur le monde des hommes autant que sur l’au-delà (qui était la seule préoccupation de l’homme médiéval). Ce nouveau mode de pensée s’appelle l’humanisme, qui remonte au concept grec de « l’homme comme mesure de toutes choses ». Avec l’invention des caractères mobiles pendant la Renaissance, les nouvelles idées et l’érudition ancienne se sont répandues plus rapidement que jamais auparavant.
Les dates générales données pour la période de la Renaissance sont 1400-1550, et son lieu de naissance était indubitablement Florence, une ville marchande prospère en Italie . Il était nécessaire que la culture des grandes idées et de l’art commence dans un centre de grande richesse… car il fallait une telle prospérité pour financer la construction de grandes cathédrales qui étaient minutieusement décorées par les meilleurs artistes que la région avait à offrir. Les citoyens fortunés faisaient souvent don de leur argent pour des commandes d’art spécifiques, pour des projets tant religieux que profanes. Les plus grands mécènes de Florence étaient la famille Médicis, qui décorait sa ville avec des sculptures apportées de Grèce et de Rome, commandait des créations à des artistes et des architectes, et qui finançait également les premières universités.
Les changements les plus évidents à l’époque de la Renaissance sont visibles dans les peintures et les sculptures. Bien qu’ils aient continué la tradition médiévale d’utiliser des sujets religieux, illustrant des histoires de la Bible, ils ont combiné cet intérêt avec les idéaux classiques de la figure humaine et un intérêt accru pour la représentation de la nature. Les œuvres profanes sont également populaires, souvent inspirées de la mythologie grecque et romaine. Les artistes commencent à expérimenter pour la première fois les peintures à l’huile, en mélangeant des pigments en poudre avec de l’huile de lin (abandonnant progressivement la technique médiévale de la tempera à l’œuf). Les peintures sèchent lentement et restent exploitables pendant quelques mois. La technique de la fresque est employée sur des murs en plâtre (elle atteint sa perfection avec des artistes tels que Michel-Ange). La sculpture commence à être conçue « en rond », et non plus comme une décoration en relief sur les cathédrales. La perspective et la lumière sont également introduites dans l’art, perfectionnant le sens de la réalité tridimensionnelle. Les artistes de la Renaissance ont eu un tel impact dans leur conception de l’espace et de la forme qu’ils ont changé notre façon de voir le monde pour toujours.

Le début de la Renaissance : Innovations en perspective linéaire et en anatomie humaine

Giotto (1267-1337) est considéré comme le « Père de la Renaissance ». Caractérisé comme un peintre de la Proto-Renaissance, son œuvre est une transition de la fin du Moyen Âge (gothique). Ses innovations sont l’utilisation de la perspective approximative, l’augmentation du volume des figures, et une profondeur d’émotion qui suggère le sentiment humain au lieu d’icônes statiques et passives.

Lamentation sur la mort du Christ

. Propreté du Temple

Voir d’autres fresques de Giotto de la chapelle de l’Arène

Filippo Brunelleschi (1337-1446) était un architecte et ingénieur florentin ; le premier à réaliser une série d’expériences optiques qui ont conduit à une théorie mathématique de la perspective. Brunelleschi a conçu la méthode de la perspective à des fins architecturales, mais une fois que la méthode de la perspective a été publiée en 1435 (par Alberti), elle a eu un impact considérable sur la représentation de l’espace tridimensionnel dans les arts. Voir l’illustration de la perspective en haut de la page.

Masaccio (1401- 1428) est l’un des premiers artistes à appliquer la nouvelle méthode de la perspective linéaire dans sa fresque de la Sainte Trinité. La voûte en berceau imite avec précision l’aspect réel de l’espace architectural tel qu’il apparaîtrait du point de vue de l’observateur. Ses figures sont précises dans leur description de l’anatomie humaine, influencées par l’étude de la sculpture par l’artiste. Dans cette peinture, le point de fuite réside sous les pieds de Jésus. L’illusion de l’architecture est si réelle qu’on a l’impression que le mur s’est ouvert pour révéler la scène. Jésus, le Père et le Saint-Esprit (symbolisé par la colombe) sont rejoints par Marie et Saint Jean l’Évangéliste. Les donateurs (dont la tombe a été découverte sous la peinture murale) sont flanqués sur les côtés. Un squelette peint repose sur un sarcophage illusoire sous l’inscription : « Ce que vous êtes, je l’ai été ; ce que je suis, vous le deviendrez ».

La Sainte Trinité, fresque (voir image agrandie)

Masaccio inclut trois moments différents de l’histoire dans la même scène (technique dite de « narration continue ») : Au centre, Pierre demande à Jésus pourquoi il devrait payer le collecteur d’impôts puisque son allégeance est seulement à Dieu et non aux Romains. La réponse de Jésus est de « donner aux Romains ce qui leur est dû et au Seigneur ce qui lui est dû ». Il donne instruction à Pierre de trouver l’argent en allant pêcher (à gauche, Pierre extrait une pièce de monnaie de la bouche du poisson) ; et, à droite, Pierre remet l’argent du tribut au collecteur d’impôts devant sa maison.

Piero della Francesca (1416-1492) est un autre artiste du début de la Renaissance qui exprime une obsession pour la perspective. Son œuvre se caractérise par des espaces architecturaux soigneusement analysés, une sensibilité à la pureté géométrique des formes et une compréhension sculpturale de la figure. Il était tellement obsédé par la perspective et la géométrie, qu’il a écrit plusieurs traités sur le sujet.

Piero della Francesca, La découverte et la preuve de la vraie croix, fresque, 1452-59
(Web Gallery of Art : http://www.kfki.hu/~arthp)

Ce n’est qu’une des nombreuses peintures murales d’un « cycle » représentant la légende de la « vraie croix ». La croix est découverte avec les deux croix (des voleurs qui sont morts à côté de Jésus). La vraie croix est identifiée par son pouvoir de ramener à la vie un jeune mort.

Donatello (1386-1466) a apporté un nouveau sens du naturalisme à la sculpture. Ses œuvres sont parmi les premières à se détacher des murs des cathédrales et à occuper un espace tridimensionnel. Ses personnages adoptent la posture classique du contrapposto (détendue et non rigide). Son David est également considéré comme la toute première sculpture de nu à grande échelle depuis l’Antiquité. David est le jeune homme biblique qui vainc le géant Goliath. Bien qu’il soit difficile de le voir sur cette photographie, David se tient debout avec son pied gauche sur la tête de Goliath. Il est intéressant de comparer cette sculpture avec la version ultérieure de Michel-Ange.David, bronze coulé (158 cm.), 1444-46

Andrea Mantegna (1430-1506) créait des points de vue inhabituels dans ses tableaux, regardant souvent les personnages par en dessous ou, dans Lamentation du Christ mort, depuis les pieds du sujet, ce qui nécessitait un profond raccourcissement. Cette position était très efficace pour placer le spectateur sur la scène, ajoutant à son sentiment d’empathie. Lamentation du Christ mort, tempera sur toile, 1466

Cliquez pour agrandir l’image de Vénus

Sandro Botticelli (1445-1510) a été le premier artiste à peindre un nu féminin en pied dans sa Naissance de Vénus. La figure rappelle en fait la pose exacte d’une sculpture grecque (la Vénus de Médicis, à laquelle il avait accès sous leur patronage), bien qu’il ait ajouté des cheveux flottants et des membres allongés. La figure occupe le centre de la toile, traditionnellement réservé au seul sujet de la Vierge. Faisant référence à la mythologie classique, c’est peut-être l’image la plus païenne de toute la Renaissance. Primavera (Printemps) est un autre tableau de sujet classique commandé pour la famille Médicis. La Naissance de Vénus, détrempe sur toile,1485

Voir Evolution de l’image de la Vierge

à la Renaissance du Nord

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