Innovazioni chiave e artisti del Rinascimento italiano
Ho sovrapposto linee prospettiche che illustrano l’uso della prospettiva lineare a 1 punto in “Vista di una città ideale”, un dipinto di Piero della Francesca. Il punto di convergenza è chiamato punto di fuga.
Il Rinascimento italiano è considerato dagli storici l’inizio dell’età moderna. Il nome stesso significa letteralmente “rinascita”, una descrizione accurata di questo periodo di innovazione sia nelle scienze che nelle arti. Anche le arti letterarie ricevettero molta attenzione, poiché i pensatori rinascimentali si rivolsero ai testi perduti del mondo antico per una nuova comprensione. Questo rinnovato interesse per la storia, la letteratura e le arti fu la nascita di un nuovo modo di pensare, un modo che si concentrava sul mondo dell’umanità tanto quanto una preoccupazione per l’aldilà (che era l’unica preoccupazione dell’uomo medievale). Questo nuovo modo di pensare è chiamato umanesimo, che risale al concetto greco di “uomo come misura di tutte le cose”. Con l’invenzione dei caratteri mobili durante il Rinascimento, le nuove idee e l’erudizione antica si diffusero più velocemente che mai.
Le date generali date per il periodo rinascimentale sono 1400-1550, e il suo luogo di nascita fu inequivocabilmente Firenze, una prospera città mercantile in Italia. Era necessario che la coltivazione delle grandi idee e dell’arte iniziasse in un centro di grande ricchezza… perché era necessaria tale prosperità per finanziare la costruzione di grandi cattedrali che erano elaboratamente decorate dai migliori artisti che la regione aveva da offrire. I cittadini ricchi spesso donavano il loro denaro per specifiche commissioni d’arte, sia per progetti religiosi che secolari. I più grandi mecenati dell’arte a Firenze furono i Medici, che decorarono la loro città con sculture portate dalla Grecia e da Roma, commissionarono artisti e architetti e finanziarono anche le prime università.
I cambiamenti più evidenti durante il Rinascimento si vedono nei dipinti e nelle sculture. Sebbene continuassero la tradizione medievale di usare soggetti religiosi, illustrando storie della Bibbia, combinarono questo interesse con ideali classici della figura umana e un maggiore interesse nel rappresentare la natura. Anche le opere profane erano popolari, spesso ispirate alla mitologia greca e romana. Gli artisti cominciarono a sperimentare per la prima volta i colori ad olio, mescolando pigmenti in polvere con olio di lino (abbandonando gradualmente la tecnica medievale della tempera all’uovo). Le pitture si asciugavano lentamente e rimanevano lavorabili per alcuni mesi. La tecnica dell’affresco fu impiegata su pareti di gesso (raggiungendo la perfezione con artisti come Michelangelo). La scultura cominciò ad essere concepita “a tutto tondo”, invece che come decorazioni in rilievo sulle cattedrali. Anche la prospettiva e la luce furono introdotte nell’arte, perfezionando il senso della realtà tridimensionale. Gli artisti del Rinascimento hanno avuto un impatto così drammatico nel loro concetto di spazio e forma che hanno cambiato il modo in cui guardiamo il mondo per tutti i tempi.
Il primo Rinascimento: Innovazioni nella prospettiva lineare e nell’anatomia umana
Giotto (1267-1337) è considerato il “Padre del Rinascimento”. Caratterizzato come un pittore proto-rinascimentale, la sua opera è una transizione dal tardo medioevo (gotico). Le sue innovazioni furono l’uso della prospettiva approssimativa, l’aumento del volume delle figure e una profondità di emozioni che suggerisce il sentimento umano invece di icone statiche e passive.
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Pulizia del Tempio |
Vedi altri affreschi di Giotto dalla Cappella dell’Arena
Filippo Brunelleschi (1337-1446) è stato un architetto e ingegnere fiorentino; il primo ad effettuare una serie di esperimenti ottici che portarono ad una teoria matematica della prospettiva. Brunelleschi ideò il metodo della prospettiva per scopi architettonici, ma una volta che il metodo della prospettiva fu pubblicato nel 1435 (da Alberti), avrebbe avuto un impatto drammatico sulla rappresentazione dello spazio tridimensionale nelle arti. Vedi l’illustrazione della prospettiva all’inizio della pagina.
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Masaccio (1401- 1428) fu uno dei primi artisti ad applicare il nuovo metodo della prospettiva lineare nel suo affresco della Santa Trinità. La volta a botte imita con precisione l’aspetto reale dello spazio architettonico come apparirebbe dal punto di vista dello spettatore. Le sue figure sono accurate nella loro descrizione dell’anatomia umana, influenzata dallo studio dell’artista della scultura. In questo dipinto, il punto di fuga risiede sotto i piedi di Gesù. L’illusione dell’architettura è così reale che ci si sente come se il muro fosse stato aperto per rivelare la scena. Gesù, il Padre e lo Spirito Santo (simboleggiato dalla colomba) sono uniti da Maria e San Giovanni Evangelista. Ai lati ci sono i donatori (la cui tomba è stata scoperta sotto il murale). Uno scheletro dipinto giace su un sarcofago illusorio sotto l’iscrizione: “ |
 La Santa Trinità, affresco (vedi immagine ingrandita) |
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Masaccio include tre diversi momenti della storia nella stessa scena (una tecnica conosciuta come “narrazione continua”): Al centro, Pietro chiede a Gesù perché dovrebbe pagare l’esattore delle tasse visto che la sua fedeltà è solo a Dio e non ai Romani. La risposta di Gesù è di “dare ai Romani ciò che è loro dovuto e al Signore ciò che gli è dovuto”. Egli istruisce Pietro a trovare il denaro andando a pescare (a sinistra, Pietro estrae una moneta dalla bocca del pesce); e, a destra, Pietro consegna il denaro del tributo all’esattore delle tasse davanti alla sua casa. |
Piero della Francesca (1416-1492) fu un altro artista del primo Rinascimento che espresse l’ossessione della prospettiva. Il suo lavoro è caratterizzato da spazi architettonici attentamente analizzati, una sensibilità alla purezza geometrica delle forme, e una comprensione scultorea della figura. Era così ossessionato dalla prospettiva e dalla geometria che scrisse diversi trattati sull’argomento.
Piero della Francesca, La scoperta e la prova della vera croce, affresco, 1452-59
(Web Gallery of Art: http://www.kfki.hu/~arthp)Questo è solo uno dei diversi dipinti murali all’interno di un “ciclo” che rappresenta la leggenda della “vera croce”. La croce è scoperta con le due croci (dei ladri che sono morti accanto a Gesù). La vera croce è identificata dal suo potere di riportare in vita un giovane morto.
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Donatello (1386-1466) ha portato un nuovo senso di naturalismo alla scultura. I suoi furono alcuni dei primi pezzi ad uscire dai muri delle cattedrali, occupando uno spazio tridimensionale. Le sue figure usano la classica posizione contrapposta (rilassata e non rigida). Il suo David è anche ritenuto la prima scultura nuda in scala reale dai tempi antichi. David è il giovane biblico che vince il gigante Golia. Anche se è difficile da vedere in questa fotografia, Davide sta con il suo piede sinistro sopra la testa di Golia. È interessante confrontare questa scultura con la versione successiva di Michelangelo.David, bronzo fuso (158 cm.), 1444-46 |
Lamentazione del Cristo morto, tempera su tela, 1466 |
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 Clicca per ingrandire l’immagine di Venere |
Sandro Botticelli (1445-1510) fu il primo artista a dipingere un nudo femminile integrale nella sua Nascita di Venere. La figura richiama in realtà l’esatta posa di una scultura greca (la Venere dei Medici, a cui aveva accesso sotto il loro patronato), anche se ha aggiunto capelli fluenti e membra allungate. La figura occupa il centro della tela, tradizionalmente riservato solo al soggetto della Vergine. Facendo riferimento alla mitologia classica, questa è forse l’immagine più pagana di tutto il Rinascimento. Primavera è un altro dipinto di soggetto classico commissionato per la famiglia Medici. La nascita di Venere, tempera su tela,1485 |
Vedi Evoluzione dell’immagine della Vergine
al Rinascimento Nord