Às vezes parece que estamos a viver em algo de uma idade de ouro cinematográfica, mas que é totalmente diferente dos primeiros tempos de halcyon. Onde alguns celebram o antigo gênio do sistema para explicar a proliferação de filmes finos de um dia anterior, agora o sistema é algo como um erro que muitas vezes se transforma em loucura ou mesmo esmaga a inspiração sob seu peso, mas às vezes se deixa levar, por razões boas ou ruins, e passa a ter um controle surpreendente de vastos recursos para os artistas que fazem um uso espantosamente audacioso e pessoal deles. Os melhores cineastas que trabalham em Hollywood têm um apaixonado domínio do passado cinematográfico, mas não desmaiam por seu brilho ou imitam seus estilos, eles o escavam por suas matérias primas.
Há também aqui um fermento de cinema independente que liberta os jovens que, em tempos anteriores, poderiam ter tido de lutar ou suplicar durante anos enquanto pescavam por uma oportunidade prática que agora, com vídeo, e com o esforço adequado, podem aproveitar para si próprios. Alguns destes independentes desenvolveram métodos distintos, bem como estética – considerando o assunto, a imagem e o desempenho – que são aptos para os meios de produção. Eles fazem de suas vidas, seus lares, suas famílias, seus problemas e até mesmo sua arte o foco de seus filmes, e porque, em sua individualidade, eles compartilham muito com os outros em sua geração, suas histórias, em seu melhor reflexo dos antigos confrontos e lutas de jovens talentosos e ambiciosos na vida, amor e arte-reverberam profunda e amplamente. Entretanto, a proliferação dos cinemas de arte e a súbita disponibilidade de clássicos em DVD e via Netflix andam de mãos dadas com a ascensão de sua arte: seu foco feroz no imediato e no íntimo inclui a experiência intensamente pessoal do cinema – sejam tesouros da história do cinema ou clássicos instantâneos recém-chegados de todo o mundo. E, graças à rapidez dos efeitos de ondulação da Internet que levam a palavra dos blogueiros e entusiastas ao mundo em geral, a estética independente e seus artistas rapidamente tiveram impacto no mainstream de Hollywood, de forma salutar.
Na cena internacional, se a Europa já não é (com algumas exceções) o terreno infinitamente fértil para a arte cinematográfica que outrora foi, há cineastas maravilhosos surgindo em lugares onde antes havia poucos. Também aqui, a estética e os métodos se desenvolveram em conjunto, e a abertura do cinema a novas gamas de experiência é acompanhada pela crescente diversidade de estilos e práticas. (Os caprichos da distribuição mantêm desta lista um monte de filmes que já foram exibidos em festivais ou séries especiais, mas ainda não foram lançados teatralmente aqui.)
É um grande momento para se assistir filmes, e este ano uma lista de dez melhores seria um constrangimento absurdo. Os primeiros cinco filmes nomeados abaixo são de cabeça e ombros acima dos outros lançamentos do ano, mas os próximos vinte são todos sucessores dignos, e, dependendo do meu humor em um determinado dia, poderiam mudar de lugar livremente. Tentei alinhá-los de forma a sugerir ressonâncias entre eles. O que pode ser dito é o seguinte: num momento em que o estudo académico e os meios digitais tornam o passado cinematográfico ainda opressivamente omnipresente, quando as mudanças tecnológicas põem em dúvida a própria natureza da prática cinematográfica, e quando a economia da indústria parece presa entre o Scylla dos custos de produção e o Charybdis da distribuição incerta, Novas gerações em todo o mundo para as quais o cinema é uma parte primordial da identidade e um modo crucial de auto-reconhecimento estão, no entanto, a atraí-lo, com notável diligência, para um contacto cada vez mais estreito com as suas próprias vidas e experiências e, como resultado, estão a dar origem a um cinema em ascensão, entusiasmantemente eruptivo e perturbador do presente, que já olha para o cinema do futuro.
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- “**Shutter Island” (Martin Scorsese)
- “A Rede Social” (David Fincher)
- “Algures” (Sofia Coppola)
- “Greenberg” (Noah Baumbach)
- “Cisne Negro” (Darren Aronofsky)
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“Around a Small Mountain” (Jacques Rivette)
- “Daddy Longlegs” (Josh Safdie e Benny Safdie)
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“The Strange Case of Angelica” (Manoel de Oliveira)
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“**Mobiliário Pequeno” (Lena Dunham)
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“**Nosso Amado Mês de Agosto” (Miguel Gomes)
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“Ne Change Rien” (Pedro Costa)
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“O Pai dos Meus Filhos” (Mia Hansen-Løve)
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“**Vais Conhecer um Estrangeiro Alto e Negro” (Woody Allen)
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“A seguir” (Clint Eastwood)
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“A Freira Portuguesa” (Eugène Verde)
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“O Exército do Crime” (Robert Guédiguian)
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“Fora da Lei” (Rachid Bouchareb)
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“**Audrey the Trainwreck” (Frank V. Ross)
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“Boxing Gym” (Frederick Wiseman)
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“Catfish” (Henry Joost e Ariel Schulman)
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“Cyrus” (Jay Duplass e Mark Duplass)
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“**Open Five” (Kentucker Audley)
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“Get Him to the Greek” (Nicholas Stoller)
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“Spring Fever” (Lou Ye)
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“Scott Pilgrim vs. the World” (Edgar Wright)
Imagens que parecem arrancadas do lado mais visceral da mente do diretor-uma espécie de auto-psicanálise cinematográfica que se torna uma confissão coletiva dos medos e horrores substanciais de um momento histórico que não só não está perdido, mas constantemente sendo redescoberto como estilo.
Dois filmes pelo preço de um – a versão de Sorkin, com a sua psicologia ruinosa, e a versão de Fincher, com a sua maravilha de princípios. Um retrato de génio que faz lembrar “Amadeus” mas que está mais próximo em qualidade artística de, entretanto, suportar a força geracional def-“Rebelde sem Causa”
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Um dos filmes mais radicais alguma vez feitos em Hollywood, se a raiz do cinema é a conjectura da vida interior através de pormenores exteriores. A distância entre a vida vivida e a vida percebida – uma tragédia tranquila, ao estilo de Sartre – é atravessada com o deslizar terno e quase sem peso de uma Ferrari numa auto-estrada.
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L.A. novamente, gerações novamente: Ben Stiller, preso num cérebro com o motor sempre a funcionar, canalizando o seu Herzog interior (não Werner; Moisés); Greta Gerwig, transbordando com uma vida que parece fluir firmemente dentro das suas margens. Um conto de dois futuros – aquele que está à frente, construído sobre as ruínas de um que não foi cumprido – com um imediatismo de fios ao vivo e uma inteligência lúgubre.
Um simbolismo impressionantemente agressivo, condicionado por uma extraordinária coerência visual, e um desempenho de chumbo, por Natalie Portman, de uma opacidade sedutora. Além de toda técnica (e a dele é formidável), Aronofsky entende os atores, como pessoas, melhor do que quase qualquer diretor ao redor.
Leia mais do The New Yorker’s 2010: O Ano em Revista.