Free Press

Disney har byggt upp en enorm samling klassiska filmer under årtiondena, och allt började med den första animerade långfilmen någonsin, Snövit och de sju dvärgarna. Alla dessa år senare producerar musens hus fortfarande fantastiska filmer som människor i alla åldrar kan njuta av. Oavsett om du växte upp med en diet av Disney eller om du upptäcker dessa underverk som vuxen, kommer du garanterat att hitta något att älska i Musse och Co:s enorma bibliotek.
Vi har sammanställt de 30 bästa Disneyfilmerna genom tiderna, från de tidiga filmerna som Dumbo till de moderna väsentligheterna som Frozen och Moana. Du kan dansa genom grönskan med Djungelboken, flyga över nattliga London med Peter Pan eller åka på en intergalaktisk resa med Skattkammarplaneten. Förutom Disneys utbud av sagor som är lika gamla som tiden finns det även moderna berättelser som Big Hero 6 eller Zootropolis att prova. Gå vidare för att se våra val – i den här listan har vi dock inte tagit med Pixar-, Marvel-, LucasFilm-, National Geographic- eller Fox-filmer, eftersom vi har andra listor för dessa. Det här är helt enkelt de bästa Disney-filmerna.

Läs mer: Bästa programmen på Disney Plus | Bästa filmerna på Disney Plus

Pocahontas

Disney hade länge lekt med idén om att göra en animerad Romeo och Julia, så när den legendariske regissören Mike Gabriel presenterade Pocahontas fick filmen grönt ljus nästan omedelbart. Berättelsen är löst baserad på en riktig indiankvinnas liv och hennes möte med en engelsk kolonialist vid namn John Smith. Anpassningen fick dock ett blandat mottagande för sin behandling av Powhatan-kulturen. Vissa indianer hävdar att Pocahontas förvränger historien, medan andra berömmer den för att den är ett av de första exemplen där populärkulturen erkänner de engelska bosättarnas brutala avsikter med att utrota ursprungsbefolkningar.

Oavsett vad man tror kan man inte förneka att Pocahontas är fantastisk, med skarpa animationer och underbara sekvenser – vem kan glömma den flödande kritan i ”Colours of the Wind”? Med ikoniska sånger som vann två Oscars och en berättelse som startade en konversation är Pocahontas en av de mest underhållande och tankeväckande Disneyfilmerna.

The Hunchback of Notre Dame

The Hunchback of Notre Dame förlägger Victor Hugos gotiska roman till filmduken och snålar inte med behandlingen av barnamord, sexuellt våld, religiös fördömelse och folkmord. Men på något sätt är The Hunchback of Notre Dame, trots att den är en av de mörkaste Disneyfilmerna som någonsin gjorts, också en av de mest gripande vackra.

När Esmerelda stirrar upp mot Jungfru Marias ansikte i kyrkans grottor och sjunger: ”Ja, jag vet att jag bara är en utstött, jag borde inte tala med dig, men ändå ser jag ditt ansikte och undrar om du också en gång var en utstött?” belyser filmen hur hycklande samhället kan vara. Med noggrann regi av Gary Trousdale och Kirk Wise tar filmen många risker i ton och berättande, pekar ett finger tillbaka mot publiken och lär oss att de som sitter på sina höga hästar inte alltid är moraliska.

Cinderella

Tot många underskattar Cinderella. Visst, hon är inte lika stridbar och självständig som världens Belles och Mulans, men hon är också godhjärtad och engagerad i sin övertygelse – det är lärdomar som är lika värdefulla i dagens värld.

Cinderella är en film målad i mjuka pastellfärger och med en vemodig anda. Det är en film som alltid känns så betryggande att återvända till. Tänk på de små mössen i sina små klänningar som springer runt med nål och tråd, eller hur såpbubblor kan driva upp i luften och skapa kalejdoskop av färger. Och så har vi det bästa ögonblicket av alla: när den goda fen trollar fram en klänning som Askungen kan ha på sig på balen och den materialiseras av stjärnstoft och önskningar. Askungen är något för drömmare.

Treasure Planet

Disney har en lång historia av att sätta innovativa spinn på klassisk litteratur. The Great Mouse Detective krympte Sherlock Holmes ner i storlek, medan The Lion King tog Hamlet till den afrikanska savannen. Treasure Planet skickar Robert Louis Stevensons Skattkammarön ut i rymden och bjuder på en äventyrlig, gammaldags historia med Emma Thompson i rollen som en slinky kattdam och sjökapten.

De välkända elementen från originalet finns alla här. Det finns den unga huvudpersonen Jim Hawkins, med röst av Joseph Gordon-Levitt, som hittar en skattkarta som lovar att leda till berömmelse och rikedom. Där finns den skygglappsförsedda John Silver, även om hans ben här har cybernetiska förstärkningar. Fartygen de använder ser fortfarande ut som 1700-talets galjoner, som plockats upp ur havet och skickats iväg över stjärnorna.

101 Dalmatiner

Med tanke på hur en enda hundnysning kan generera 10 000 retweets är det kanske förvånande att den största stjärnan i 101 Dalmatiner inte är en bedårande valp – utan en cigarettpuffande skurk med dålig ögonskugga. Cruella De Vil är en av de mest ikoniska brottslingarna genom tiderna och syns på Halloweenfester över hela världen. Hennes temalåt är fortfarande en öronorm, även om filmens egentliga historia är en smula intetsägande.

101 Dalmatiner är en triumf över motgångar i en Disney-studio som plågades av ekonomiska bekymmer. Animationsteamet tog tag i plånboken genom att experimentera med en ny process som kallas xeroxgrafi, där linjerna i princip fotokopierades från en bild till nästa, vilket resulterade i en skrapig men ändå elegant effekt.

Big Hero Six

Alla skulle kunna behöva en kram från en gigantisk, uppblåsbar robot. Om vi bara alla hade vår egen Baymax – den sex fot stora, obevekligt uppmärksamma stjärnan i Big Hero 6. Så fort han hör ett ”aj” eller något annat tecken på nöd kommer han att vada fram och fråga med en lugnande, platt röst: ”På en skala från ett till tio, hur skulle du värdera din smärta?”.

Han blir en slags förmyndare för Hiro, en tonårig tekniknörd. Han bor i San Fransokyo, en pulserande, Blade Runner-esque blandning av San Francisco och Tokyo där Golden Gate-bron pryds av traditionella shinto portar. Som i så många Disneyfilmer är Hiro en föräldralös barnunge som måste hantera en plötslig förlust. Men Big Hero 6 lyckas balansera känslor både intima och stora, från att lära sig att sörja till att rädda världen. Det är en Disney-adaption av en Marvel-serie som på något sätt inte innebär att Nick Fury dyker upp i slutet med ett förslag.

Aristocats

I kölvattnet av 101 Dalmatiner, Aristocats – det sista projekt som Walt Disney arbetade med innan han dog halvvägs in i produktionen – formar filmens visuella stil till något sött. Starka röstprestationer av Phil Harris som Thomas O’Malley – som också är Baloo i Djungelboken – och Eva Gaboor som Duchess väcker manuskriptet till liv.

Då finns det låtar som ”Everybody Wants To Be A Cat” som förblir klassiker än i dag. Dessa var de sista musikalnummer som skrevs av de legendariska bröderna Sherman innan de lämnade studion, eftersom de menade att atmosfären hade blivit för giftig efter Disneys död. Denna känsla av obehag lyckas dock hålla sig borta från The Aristocats, som förblir en charmig Disney-saga.

Mulan

Mulan är berättelsen om en ung flicka som – för att skydda sin sjuke far – klipper av sig håret, tar bort sin kvinnliga identitet och rider ut i krig mot den invaderande Hun-armén. Mulan är baserad på en gammal kinesisk folksaga och kombinerar det bästa av österländsk och västerländsk kultur i en film som på något sätt aldrig känns skral. Det är ett bevis på Mulans otroliga manus att när det roliga musiknumret ”A Girl Worth Fighting For” avbryts mitt i noterna av den brutala förödelsen i en brinnande stad, ger det plötsliga skiftet från skratt till skräck inte publiken en pisksnärtskada.

Disneys heliga treenighet av berättelse, sång och miljö kröns av fantastisk konst: allt från ett rykande slagfält till Mulans hemtrevliga trädgård väcks till liv med kalligrafiska kurvor som inte liknar något som tidigare skådats i en Disneyfilm. Mulan är en berättelse som aldrig blir gammal.

Peter Pan

En berättelse om en pojke som inte vill bli vuxen och som istället lever i ett fantasiland – det låter som ett lysande material för Disney. Walts bror Roy säkrade rättigheterna att förvandla J.M. Barries ursprungliga pjäs till en animerad film efter framgången med Snövit, och Peter Pan är fortfarande ett av studions mest ikoniska projekt.

Den förde in magi och bokstavligt talat sagostoft till filmen, tillsammans med idén om att en helt ny värld kan ligga gömd runt hörnet. Neverlands befolkning är fylld av fascinerande karaktärer – från rädda vilsna pojkar till skräckinjagande krokiga pirater som själva är rädda för krokodiler och tickande klockor. En så stor rollbesättning skulle vara lätt att tappa bort, men Disneys författarteam hanterar berättandet med lätthet.

Robin Hood

Det finns en viss robust charm i Robin Hoods animation. I efterdyningarna av Walt Disneys död var det många av de kreativa ledarna som försökte ta reda på vad deras tidigare chef skulle ha velat göra, i stället för att reflektera över vilka nya unika historier de kunde berätta. Filmen från 1973 hade därför bråttom och återanvänder därför sekvenser från Snövit, Djungelboken och Aristocats. Resultatet är en blandning av idéer som.

Men trots allt detta är Robin Hood en lyckad ”kompisfilm” som erbjuder oss en av filmens bästa skildringar av de ikoniska, oändligt reproducerade sagorna. Den eponymiska räven är särskilt underhållande, och det är kanske därför vi gladeligen hyllar hans filmer som en Disney-kultklassiker.

Zootropolis

Zootropolis må ha hamnat på villovägar någonstans i all Frozen-mania, men den förtjänar ändå att bli ihågkommen som ett av de starkare bidragen i Disneys senaste katalog. Animation har ofta levererat hoppfulla visioner av en värld där alla raser och trosbekännelser kan leva i harmoni, men Zootropolis sticker ut från mängden. Genom att skildra sjudande spänningar mellan däggdjurens rovdjur och bytesdjur, tidigare fiender som nu lever sida vid sida, kan filmen dyka rakt in i de komplicerade sakerna.

Det finns en utforskning av hur de styrande använder rädsla för att hålla sig kvar vid makten, med konkreta illustrationer av hur historiska uppdelningar fortfarande ger näring åt dagens bedömningar och stereotyper. Och allt detta är förankrat i en smart och uppfinningsrik värld som innehåller ett litet gnagardistrikt, en kaxig gasell med Shakiras röst och en D.M.V. med de längsta väntetiderna man kan tänka sig – eftersom den är bemannad helt och hållet av sengångare.

Dumbo

Med sina 64 minuter är Dumbo kortare än vissa tv-avsnitt – men den är mer känslomässig än ett enda avsnitt av Game of Thrones. Minns du när Dumbos mamma sträcker ut sin koffert genom gallret? Eller den enda tåren som rullar nerför sonens ansikte?

Medans många av studions äldre animatörer arbetade med Bambi, rev den yngre personalen upp regelboken och experimenterade med scener som den mardrömslika sekvensen ”Pink Elephants on Parade”. Men kärnhistorien är fortfarande rörande i sin enkelhet: en blyg cirkuselefant som mobbas på grund av storleken på sina öron gör dem till en talang. Precis som Rudolph och hans röda näsa lär Dumbo publiken att våra olikheter gör oss starkare.

Fantasia

Fantasia har inte den mest lojala fanbase. Ingen begär desperat The Sorcerer’s Apprentice på Disney Sing-Alongs eller hamstrar Primark-t-shirts med bilder på långsamt döende dinosaurier – ja, det finns en hel del dinosauriedöd i det här. Men Fantasia förtjänar sin plats som en av Disney-kanonens stora klassiker. Den är djärv och avantgardistisk och erbjuder en musikalisk utbildning för unga tittare genom att kombinera klassiska stycken med korta animerade berättelser.

Men även om Mickeys panikartade framträdande, där han får ta hand om en armé av kännande kvastar, alltid kommer att vara den mest framträdande, kommer alla som växte upp med Fantasia nästan säkert att minnas den mardrömslika sekvensen Night on Bald Mountain – finns det någon Disney-skurk som är läskigare än Chernabog?

Lilo & Sitch

Det tidiga 2000-talet var definitivt en blandad kompott för Disneys animationsenhet – är det någon som är förvånad att Dinosaurier och Chicken Little inte kom med på listan? Så det känns inte riktigt rätt att Lilo & Stitch ska klumpas ihop med det som vissa har kallat ”The Second Dark Age”. Det är en njutning och en av de mest jordnära Disneyfilmerna som finns. Om man bortser från rymdskeppen, blasterna och den slaskande blå utomjordiska hunden finns det i centrum en uppriktig undersökning av syskonrelationer och föräldrars förlust.

Lilo & Stich påminner oss om att alla familjer är giltiga och kan blomstra, oavsett hur de ser ut. Människor definieras inte av blod, utan av dem som älskar och stöder dem. Eller, som Stitch så gulligt beskriver sin egen adoptivfamilj: ”Den är liten och trasig, men ändå bra. Ja, fortfarande bra.”

The Nightmare Before Christmas

Det är filmen som har kommit att definiera tonåringars goth-estetik. Men The Nightmare Before Christmas erbjuder mycket mer än en oändlig mängd varor från Hot Topic. Tim Burton har drömt om den och Henry Selick har gjort den till film, och den blandar med lätthet barnslig förundran och grymma känslor. Användningen av stop-motion-animation gör filmen ännu mer charmig, som en gammal saga som sakta vaknar till liv. Låtarna, som är skrivna av Danny Elfman, är catchiga men oväntade.

Det är märkligt att se tillbaka på den ursprungliga utgåvan, då Disney ansåg att den var för mörk för barn och begravde den under sin Touchstone Pictures-etikett. Nu är den en ständig favorit för två helgdagar, då Jack Skellington, kungen av Halloweentown, snubblar genom en märklig portal och kraschlandar i Christmastown.

Hercules

Trots att Hercules släpptes mitt i 90-talets Disneyrenässans, förbigås ofta till förmån för decenniets andra filmer. Det är en stor skam eftersom berättelsen om Zeus’ sons sökande efter sin sanna familj är full av komik, känslor och en del subtila upplösningar av föråldrade troper – som Megs vägran att vara en jungfru i nöd.

Innan Disney köpte Marvel hade dess författare redan skrivit en historia om superhjältarnas ursprung som också innehåller mer än några bitska kommentarer om den besatta kändiskulturen. Hercules är smart och kreativ – och låt oss inte glömma den otroliga musiken som blandar R&B-beats med gospel. Välsigna min själ, Herc var verkligen på gång.

Tangled

Det säger en hel del om Tangled’s utvecklingshelvete att en av de briljanta hjärnorna bakom karaktärer som Aladdin, Ariel, Odjuret och Tarzan – Glen Keane – fick en hjärtinfarkt mitt under produktionen. Stressen i projektet blev för stor och sträckte sig över flera år, och budgeten skruvade sig uppåt tills den blev den dyraste animerade filmen genom tiderna och kostade 260 miljoner dollar. Men trots allt detta drama är slutprodukten utmärkt.

Tangled för in den traditionella berättelsen om Rapunzel i den moderna eran samtidigt som den respekterar de klassiska kännetecknen för en prinsessfilm. Sidekick-karaktärer som den bedårande Pascal och den lustiga Maximus skapar några framstående ögonblick (att se en svärdbeväpnad häst dubblera en man med en stekpanna blir aldrig tråkigt) och den klimatiska kärlekssången under tusentals färgglada lyktor är hisnande. Och på tal om att ta andetag: Glen Keane är bra. Om du undrar.

Frozen

Även om du aldrig har sett Frozen har du förmodligen hört dess varumärkesskyddande sång ”Let it Go”. Elsas ansikte har snabbt blivit en fast punkt på barnens lunchlådor överallt. Walt Disney själv lekte med en adaption av Hans Christian Andersons ”Snödrottningen” men lyckades aldrig samla sina idéer i ett enda manus. Sjuttio år senare har Frozen för omstörtat den klassiska Disney-prinsessanberättelsen genom att försiktigt håna Ana och Hans blixtsnabba förlovning.

Frozen är dock inte riktigt den bastion av modernitet som man vill få dig att tro; Ana slutar med att gifta sig med Kristoff i slutet av filmen – en man som hon bokstavligen har känt i två dagar. Ändå är fokus på systerskap och en Disney-klassiker tillräckligt för att tina de flesta frusna hjärtan.

Snövit och de sju dvärgarna

Snövit, som släpptes 1937, var Disneys första animerade långfilm någonsin, och en stor chansning vid den tiden. Produktionskostnaderna var astronomiska och krävde år av planering – mycket svett flögs från Disneys ögonbryn när filmen släpptes till en vild kritisk och kommersiell framgång. Kvaliteten på Snows animation, färger, musik och design hade aldrig tidigare skådats på film, och berättelsen var känslomässigt stark. Tecknade filmer på den tiden var korta och förenklade, men Snövit visade att de kunde vara komplexa och befäste Walt Disney som en sann visionär.

Säkerligen, när vi ser Snövit i dag är berättelsens tempo långsamt och Snös karaktär hör hemma på 30-talet. Men man måste komma ihåg att Snövit och de sju dvärgarna var den film som banade väg för alla Disneyfilmer som kom efter den, och därför står den fast som en av de viktigaste.

Moana

Moana är berättelsen om en flicka från en polynesisk by som ger sig ut på det öppna havet för att återlämna en mystisk relik till en gudinna. Genom att samarbeta med en annan gud uppmanar berättelsen publiken att omfamna sina rötter, familjer och samhällen – och produktionsteamet ansträngde sig mycket för att se till att deras skildring av den polynesiska kulturen var korrekt.

Resultatet är ett fantastiskt äventyr som följer en osjälvisk och heroisk hjältinna (och en kacklande kyckling med Alan Tudyk som röst) som inte är fastlåst av romantiska klichéer. Om det inte räcker för dig, se Moana bara för vattnet. Allvarligt talat, dessa effekter kommer att få dina ögonbryn att snabbt stiga upp i hårfästet.

Törnrosa

Det finns en anledning till att Törnrosa slottet är centrum för den ursprungliga nöjesparken Disneyland. Den rena ambitionen i den här animerade filmen överträffade alla andra projekt på den tiden, och animatörerna målade på pappersbitar som var lika stora som lakan för att matcha filmens anamorfa bredbildsformat på 70 mm.

Resultatet är en iögonfallande, fantastisk prinsessfilm full av levande färger som kombineras på ovanliga sätt. Huvudkonstnären Eyvind Earle – som hade arbetat med Peter Pan – lekte med violett, grönt, ockra, indigo och fuchsia för att skapa en palett som aldrig tidigare setts på film. Med en medryckande musik baserad på Tjajkovskijs balett och en ikonisk skurk i form av Maleficent är Törnrosa fortfarande en av hörnstenarna i Disney-katalogen och hamnar lätt på vår lista över de bästa Disney-filmerna.

Djungelboken

Det är rättvist att säga att ”Hakuna Matata” är skyldig en hel del till ”Bare Necessities”. Djungelbokens sånger lade grunden för rytmer, melodier och teman som skulle dyka upp i senare Disneyfilmer under de kommande åren. Det som är intressant med 1967 års adaption av Rudyard Kiplings berättelse är hur optimistisk musiken är jämfört med berättelsens underliggande mörka teman.

En berättelse om en förlorad föräldralös pojke som uppfostras av vargar och jagas av en människoätande tiger kunde ha varit dyster i tonerna, men om man lägger in en sjungande orangutang i den kan man få ett känslomässigt nyckelbyte. Riskfyllda rollbesättningar som den kloka komikern Phil Harris som Baloo (som improviserade de flesta av sina repliker) bidrog till att väcka sagan till liv och gav Djungelboken status som klassiker.

Pinocchio

Känner du till öppningsfilmen för varje Disneyfilm? När stjärnfallet flyger över Törnrosas slott? Det finns en anledning till att Pinocchios ”When You Wish Upon a Star” valdes att spelas i det ögonblicket. Pinocchio är den andra animerade långfilmen som Disney någonsin gjorde och betraktas allmänt som toppen av Disneys talang. Det är svårt att tro att de animatörer som arbetade med denna berättelse om en liten docka som vill bli en riktig pojke fortfarande lärde sig sitt hantverk.

Från det hemtrevliga kaoset i verkstaden till den mardrömslika skräcken i åsnescenen skapade Pinocchio en värld som fortfarande är aktuell. Filmen kom till biograferna 1940 och fick kritikernas applåder, men gick dåligt i kassan på grund av utbrottet av andra världskriget. Tack och lov släpptes den på nytt några år senare och sköt sig upp till populärkulturell stjärnstatus, vilket fick barn över hela världen att försiktigt kontrollera sina näsor när de ljög.

Alice in Wonderland

Disneys version av Alice, som är den definitiva anpassningen av Lewis Carrolls trippiga saga, är förvånansvärt trogen källmaterialet, med sin läskiga Cheshire-katt och det autentiska tepartyt – som är behagligt bisarrt, liksom paraden av spelkort. Lägg därtill Disneys karaktäristiska grafik och det här är verkligen en magisk resa som du vill göra.

Alive and Wonderland var dock en besvikelse i kassan. En del av problemet var att Alduous Huxley, författaren bakom Brave New World, anlitades för att utveckla manuset men sedan snabbt lämnade projektet efter att ha känt att hans röst ignorerades. Men med några psykedeliska färger och underbara sånger har Alice i Underlandet blivit en kultfavorit.

The Muppet Christmas Carol

The Muppet Christmas Carol är den bästa tolkningen av Charles Dickens julklassiker. Stryk det – det kan helt enkelt vara den bästa anpassningen av författarens verk som finns. Filmen är en förvånansvärt trogen återberättelse av novellen från 1843, med undantag för att majoriteten av rollbesättningen är av filt och att Sir Michael Caine hoppar fram i hög hatt och harmonierar.

Den är en del fånig, en del uppriktig. Statler och Waldorf klirrar med sina kedjor som de spöklika Jacob och Robert Marley, medan Tiny Tim spelas av en olidligt söt Robin (Kermits lilla grodnebror). Den fångar inte bara den ursprungliga berättelsens rörande, altruistiska känsla, utan visar också upp Mupparna när de är som bäst – konstiga och respektlösa, men alltid beredda att ha roligt.

Aladdin

Aladdin har gett upphov till två raka uppföljare, ett videospel från SEGA, en hel TV-serie, en musikal från West End och en nyinspelning – ett bevis på att det är en av de mest populära Disneyfilmerna. Ändå var Aladdin nära att inte bli gjord eftersom Disneys vd Michael Eisner var tveksam till att göra en animerad film som utspelar sig i Mellanöstern. Naturligtvis fortsatte den att bli den mest inkomstbringande filmen 1992 och överträffade Batman Returns och The Bodyguard. Det är egentligen inte så konstigt.

Aladdin har en berättelse om hur man blir rik på pengar, fylld av romantik, glamour och skrattretande one-liners, plus ett av Disneys bästa soundtracks hittills. En oklanderlig rollbesättning inkluderar Robbie Williams sångtalang, som förvandlade anden till en ikon och skänkte en hel del galna komedier till ett redan fantastiskt manuskript. En av de bästa.

Mary Poppins

Vem älskar inte Mary Poppins? Tja, bortsett från P.L. Travers, som skrev källböckerna och blev otroligt förbannad när hon upptäckte att Walt Disney hade släppt in vackra sånger och dansande pingviner i mixen. Historien har visat att det var till det bättre: berättelsen om den magiska barnflickan som flyger in med sin mattväska och sitt talande paraply för att hjälpa familjer i nöd känns helt och hållet engelsk, trots att den har skapats i en studio i det soliga Kalifornien.

Den är skarp, kvick och finurlig där det behövs, när vi ser Mary och Bert hoppa in i kritmålningar och anordna tebjudningar i taket. Mary Poppins har alltid fångat hur gränslös världen kändes som barn. Sedan har vi den oklanderliga Julie Andrews – en kvinna som vi alla önskar att hon skulle knäppa med fingrarna och omedelbart lösa våra vuxenliv.

Den lilla sjöjungfrun

Sjuttio- och åttiotalen var tuffa årtionden för Disney. Fyrtio år efter att ha uppfunnit animerade långfilmer var mediet senare inte riktigt på väg att landa. Glömda filmer som The Black Cauldron fick många att tro att solen höll på att gå ner på studions dynasti – och så kom Den lilla sjöjungfrun.

Ariel är en helt intressant hjältinna: en havsprinsessa som vill vara människa och som blir kär i en prins på land. Alan Menken och Howard Ashman har skrivit musiken, som är fullspäckad med klassiker som ”A Part of Your World”, ”Under the Sea” och ”Kiss the Girl”. Musiken var så framgångsrik att den vann två Oscars och kallades filmen som den som förde Broadway till tecknade filmer. Den lilla sjöjungfrun satte studion på kartan igen och inledde en ny era som kallades Disneys renässans.

Skönheten och odjuret

Med dagens Moanas och Elsas är det lätt att glömma – eller till och med ta det för givet – hur Belle skrev om rollen som Disneyprinsessa. Hon banade väg för smarta, skarpa hjältinnor som hade mer att motivera än bara en prins’ tillgivenhet. Hennes historia är en historia om acceptans, som bländar med några av de vackraste designerna som Disney någonsin har skapat, otroligt röstskådespeleri och ikoniska sånger. Faktum är att Mrs Potts ”Beauty and the Beast” kan vara den bästa romantiska sången i Disneys historia. Det är inte en extravagant ode eller kärleksförklaring, det är en sång om kärlek.

Mrs Potts sjunger inte för Belle eller Odjuret, utan för sin son och förklarar själva kärnan i vad sann kärlek är: en berättelse som har funnits sedan tidernas begynnelse och som alla ska lära sig. Det finns en anledning till att Skönheten och odjuret var den första animerade filmen som någonsin nominerades till bästa film vid Oscarsgalan.

The Lion King

”Naaaaaaaaaaaaaants ingonyamaaaaaaaaaaa bagithi baba, sithi uhm ingonyama.” Den där öppningslåten – ”The Circle of Life”, framförd av Lebo M – sätter scenen perfekt; en episk, storslagen låt som omedelbart förflyttar dig till den afrikanska savannen. Lejonkungen är en Shakespeare-tragedi som i slutändan handlar om att växa upp, föräldraskap och hur vår uppfattning om världen (och vår roll i den) förändras som svar på trauma och kärlek.

Trots att Simbas historia är en berättelse om privilegier är dess bultande hjärta av skakad identitet djupt bekant för många. De musikaliska talangerna hos den legendariske Elton John och virtuosen Hans Zimmer (som sedan gjorde filmmusik till Gladiator och Inception) är körsbären på toppen av detta mästerverk. Lejonkungen är vårt val av den bästa Disneyfilmen genom tiderna.

Läs mer: Nya Netflix-filmer | Bästa Netflix-serier| Bästa Netflix-dokumentärer | Bästa Netflix-filmer