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„Ich erinnere mich an den großen Morgen, an dem der Begriff ‚Classic Rock‘ erfunden wurde“, sagt Robert Plant einleitend in seinem Haus im Severn Valley. „Es wurde ein Radionetzwerk in Amerika, lange vor eurem Magazin. Was passiert war, war, dass die Welt von ‚raaaak‘ – mit mehreren ‚a’s – wie ein Oldiesender geworden war.

„Aber das hat nicht viel mit euch zu tun, denn ihr habt meine Verrücktheiten über die Jahre hinweg mitgemacht. Und das weiß ich zu schätzen, denn ironischerweise werde ich heutzutage nicht mehr auf Classic Raaaak gespielt, abgesehen von meiner früheren Inkarnation. Jetzt bin ich da draußen bei den Engeln und den Vögelchen, da habe ich nicht die geringste Chance.“

Plant ist in der Tat schon seit einiger Zeit da draußen, seit er 1982 sein Solodebüt gab, zwei Jahre nachdem der Tod seines großen Freundes John Bonham das Ende von Led Zeppelin einläutete. Es war eine faszinierende und weitreichende Karriere, die Elemente aus Folk, Blues, afrikanischer Musik, Psychedelia, Roots-Rock und darüber hinaus enthielt. Und obwohl er einräumt, dass er für manche für immer der goldene Gott der Zep-Legende sein wird, ist sein reichhaltiger Katalog – von seinen ersten zaghaften Schritten als Solokünstler bis zur facettenreichen Brillanz der letzten Alben Lullaby And…The Ceaseless Roar und Carry Fire – das Werk eines unverbesserlichen Suchers.

Ein Gespräch mit Plant ist ebenso abschweifend, seine Gedanken sprudeln nur so aus ihm heraus, eine Erinnerung geht in die nächste über. Heute spricht er über seine frühen Jahre in Birmingham; darüber, dass er auf dem Höhepunkt seines Ruhms von John Bonham durch die Stadt chauffiert wurde; über die Tage mit schlechten Haaren bei Top Of The Pops; darüber, warum er niemals seine Memoiren schreiben wird; über seinen jüngsten Aufenthalt in Texas… Und natürlich über seine aktuelle Band, die Sensational Space Shifters.

Er spricht auch viel darüber, tief zu graben, was uns zu seinem neuesten Projekt führt. Digging Deep With Robert Plant ist sein äußerst beliebter Podcast, in dem er wortgewandt über das Wie und Warum von Songs aus seiner gesamten Karriere spricht. Digging Deep ist auch der Name eines Boxsets, das Singles aus seinen Soloalben bis zu Mighty Rearranger von 2005 versammelt.

Plant ist in bester Gesellschaft. Und in Anbetracht der erwähnten „früheren Inkarnation“ so unaufgeregt, wie es nur möglich ist. Und bescheiden. Er und die Shifters sind gerade aus Amerika zurück, wo sie ihre Tournee mit einem Auftritt bei Hardly Strictly Bluegrass beendeten, einer jährlichen Veranstaltung im Golden Gate Park von San Francisco.

„Ich bin immer noch stoned von dem Gras in der Menge“, lacht er. „Fuckin‘ hell! Ungefähr bei Song Nummer drei hatte ich Lust auf einen Snack. Was hätte ich nicht alles für ein Thunfischsandwich getan.“

Es ist Zeit, loszulegen…

Was hat dich dazu veranlasst, diesen Podcast zu machen?

Viele der Unternehmungen, die seit dem Tod von Led Zep entstanden und wieder verschwunden sind, waren großartige Liebschaften, fast wie Romanzen mit verschiedenen Musikern und ihrem Beitrag. Unterschiedliche Klänge und die Art und Weise, wie sich zeitgenössische Aufnahmen Mitte der achtziger Jahre veränderten, der Abschied von der analogen Aufnahme. All diese Dinge. Ich glaube, ich hatte in den Siebzigern so viel Erfahrung mit der Beschleunigung der Kreativität, die eine Zeit lang im Chaos versank, dass ich eigentlich nur noch ständig andere Dinge machen wollte.

Ich mache Interviews mit Leuten und sie sagen: „Haben Sie daran gedacht, ein Buch zu schreiben?“ Ich sage: „Fuck off. Alles, was ich zwischen meinen Ohren oder zwischen meinen Beinen habe, geht mich etwas an und niemanden sonst. Ich weiß zu viele Dinge, und wenn ich diese sterbliche Hülle endlich verlasse, möchte ich nicht, dass meine Familie denkt, ich sei ein Spinner gewesen.“ Also halte ich es versteckt. Einer der Tracks auf meiner letzten Platte handelt genau davon – Keep It Hid. Und das ist es, was du tun musst.

Zur gleichen Zeit, in der du deine Privatsphäre schützt, zielt der Podcast darauf ab, Licht auf Teile deines Backkatalogs zu werfen.

Über die Entstehung und Entwicklung von Musik zu sprechen, ist ein zweischneidiges Schwert. Ich hatte kürzlich einen Auftritt in Roskilde, Dänemark, und Bob Dylan wollte mit mir über das Touren sprechen. Also traf ich ihn dort, wo alle Busse geparkt sind, auf diesem großen Festival, und wir beäugten uns gegenseitig und lächelten in die Dunkelheit. Es hat in Strömen geregnet, zwei vermummte Gestalten auf einem verdunkelten Parkplatz, und ich sagte zu ihm: „Hey, Mann, du hörst nie auf!“

Er sah mich an, lächelte und sagte: „Wozu soll man denn anhalten?“ Aber ich konnte ihn nicht nach seinen Liedern fragen, denn so sehr mich seine Arbeit auch beeinflusst hat, man kann nicht darüber reden. Meine Arbeit ist nicht annähernd so tiefgründig in dem, was sie zu tun versucht. Gleichzeitig kann man die Motive und Umstände hinter einem bestimmten Song kennenlernen, ohne dass es Masters Of War ist.

Hast du durch die Diskussion über bestimmte Songs im Podcast einen roten Faden in deiner Arbeit entdeckt?

In gewisser Weise. Es gab immer eine gewisse Zurückhaltung, angefangen 1982 mit Pictures At Eleven, wo ich Drumboxen und so benutzt habe, um die Erwartungshaltung zu brechen, dass ich Teil eines großen Molochs bin. Das Wichtigste ist, tief zu graben. Damals habe ich diese musikalischen Fäden immer weiter gesponnen und gedreht.

Wenn ich jetzt zurückblicke, habe ich mit einigen von ihnen nie ganz den Punkt erreicht, an dem ich ankommen wollte, aber mit anderen habe ich es wirklich geschafft. Your Ma Said You Cried In Your Sleep Last Night zu machen, wobei der eigentliche Einstieg in den Track das Geräusch der Nadel auf der Original-Schallplatte in meinem Haus war, war einfach unglaublich idiosynkratisch. Das hat niemanden interessiert. Aber mich schon. Und das war es, was zählte.

Die ganze Idee hinter dieser Sache ist, dass sie diese Songs wieder zum Leben erweckt, was Spaß macht. Sie werden fast auf eine ganz andere Art lebendig. Es ist erstaunlich, wie die ganze Idee von Podcasts als Unterhaltungsform in der Vorstellung vieler Leute das Radio ersetzt hat.

Ich habe auch über vierzig Tracks, die ich nie veröffentlicht habe. Ich habe Sachen, die ich in New Orleans mit der Li’l Band O‘ Gold und Allen Toussaint gemacht habe. Ich habe so viele Sachen gemacht. Ich habe ein ganzes Album, Band Of Joy II, das ich mit Buddy Miller und Patty Griffin gemacht habe. Ich habe überall Sachen. Es könnte also eine gute Möglichkeit sein, ein paar ziemlich starke Sachen zu sammeln und sie dort herauszuholen. Ich habe gerade mein kleines Studio hier aufgeräumt, um später in der Woche zu proben, und dabei habe ich ein paar Sachen mit den Space Shifters gefunden, die wir vor zwei Jahren in Rockfield aufgenommen haben. Es geht also nicht nur um Sachen, die über die normalen Kanäle herausgekommen sind.

Zurück zum Beginn deiner Solokarriere: Liege ich richtig, wenn ich sage, dass es fast nicht dazu gekommen wäre? Du wolltest ja auch mal auf die pädagogische Hochschule gehen.

Im Jahr 1977 haben wir unseren Sohn Karac verloren. Er war erst fünf Jahre alt. Ich hatte so viel Zeit damit verbracht, ein anständiger Vater zu sein, aber gleichzeitig fühlte ich mich sehr zu dem hingezogen, was ich bei Zeppelin tat.

Als er also aufhörte, dachte ich nur: „Was ist das alles wert? Was soll das alles? Wäre es anders gewesen, wenn ich dabei gewesen wäre, wenn ich dabei gewesen wäre?“ Ich habe also über den Wert meines Lebens nachgedacht und darüber, ob ich nicht viel mehr in die Realität der Menschen investieren sollte, die ich liebe und für die ich sorge – meine Tochter und meine Familie im Allgemeinen. Also, ja, ich war bereit, alles zu geben, bis Bonzo auftauchte.

Er hat dich vom Gegenteil überzeugt?

Ja. Er hatte eine sechstürige Mercedes-Limousine und einen Chauffeurhut dabei. Wir wohnten fünf oder sechs Meilen voneinander entfernt, nicht weit von hier, und manchmal gingen wir auf einen Drink aus. Er setzte die Chauffeursmütze auf, ich setzte mich hinten in den Mercedes und wir fuhren auf die Straße. Dann setzte er seine Mütze wieder auf und fuhr mich nach Hause.

Natürlich hatte er drei linke Hände, und wir fuhren an den Bullen vorbei und sie sagten: „Da ist noch ein armer Schlucker, der für die Reichen arbeitet!“ Aber er war damals sehr hilfsbereit, mit seiner Frau und den Kindern. Also ging ich für einen weiteren Versuch zurück.

Auch ein paar Jahre später half dir Phil Collins auf deinem Weg, als du solo unterwegs warst.

Phil war auf dem Höhepunkt seiner Karriere und sehr produktiv. Ich saß mit Atlantic Records und Peter Grant in einem Raum und sprach über die Solosache. I said: „Schau, es gibt keine andere Möglichkeit, das zu tun. Ich muss weitermachen, denn ich bin zweiunddreißig Jahre alt und habe noch nie etwas anderes gespürt als diesen Erfolgsmoloch. Ich muss herausfinden, wie die andere Seite davon ist.“

Danach befasste sich Phil Carson von Atlantic mit Phil Collins‘ Solokram, nach Genesis. Phil war ein so großer Fan von John, dass er mir eine Nachricht schickte: „Ich würde dir wirklich gerne helfen, denn das muss eines der schwierigsten Dinge sein, die du je musikalisch zu tun hattest.“

Er sprach davon, dass ich ohne den Kerl war, mit dem ich gespielt hatte, seit ich sechzehn war, obwohl wir eine feurige Beziehung hatten, ich und Bonzo. Also kam Phil rein und legte einfach los. Wir hatten vier Tage für das erste Album und vier für das nächste. Wir haben also pausenlos Backing Tracks geschnitten. Und wenn ihm etwas nicht gefiel, hörte er auf halber Strecke auf, stand auf und erklärte den Leuten, warum es nicht ganz richtig war. Ich liebte das, weil ich immer noch auf Zehenspitzen herumlief und nicht wusste, wie ich mit anderen Musikern umgehen sollte.

So sehr man auch vor dem Alleingang zurückschreckte, war es vermutlich auch eine befreiende Erfahrung?

Absolut. Das ist es, worum es wirklich geht. Du hast diese Sache in dir, bei der du weißt, dass es etwas um die Ecke gibt, das du noch nie gehört hast, aber wer soll das Schloss knacken, um es herauszuholen? Ich kannte Robbie Blunt sehr gut, da ich in dieser Gegend hier in North Worcestershire lebe. Er ist ein sehr lyrischer Gitarrist, ein wunderbarer Spieler.

So höre ich die erste Soloplatte und Sachen wie Like I’ve Never Been Gone und stelle fest, wie schön sein Spiel war.

Like I’ve Never Been Gone ist im Podcast und in der Box enthalten, ebenso wie Big Log von 1983, dein erster großer Solohit. Wenn ich mir deinen Auftritt bei „Top Of The Pops“ ansehe, kommst du mir etwas unbeholfen vor.

Nun, ich weiß nicht, wer der Friseur war. Ich bin immer noch auf der Suche nach ihm. Er versteckt sich wahrscheinlich irgendwo. Das Lied ist gut, aber ich fühlte mich bei der ganzen Sache fehl am Platz. Ich konnte eher den Robert verstehen, der im Fillmore in San Francisco gespielt hatte, wo alle auf der Tanzfläche waren, während wir einen fünfzehnminütigen Song mit einem Geigenbogen in der Mitte spielten.

Einen Song zu singen, der einen Anfang und ein Ende hat, war zu diesem Zeitpunkt eine ziemliche Herausforderung. Und auch die Mimik. Das war alles so neu. Es war weit davon entfernt, mit Alexis Korner in irgendeinem Folk-Club zu spielen.

Du hast einmal gesagt, dass du dich zur Zeit von Big Log „am falschen Ort“ gefühlt hast. Kannst du das näher erläutern?

Ich wusste nicht so recht, was ich tun sollte, denn die Mühlen des Schicksals – und auch die Mühlen von Warner Bros. – ermutigten mich, hart und unnachgiebig zu spielen und irgendwie die Tradition fortzuführen, die wegen der Zeppelin-Sache bereits in der Psyche von jedem vorhanden war. Und ich glaube, ich habe das mit Dingen wie Slow Dancer angesprochen. Aber der Gedanke, tatsächlich zu diesem anderen Kerl herangezüchtet zu werden, war sehr seltsam.

Ich habe ein paar Videos gedreht und bin auf MTV auf höchster Stufe gelaufen, was irgendwie lustig war. Wir alle wachsen, weißt du? Entweder das oder man zieht sich zurück und sagt: „Ich bin jetzt weit genug gegangen und das ist alles, was ich tun kann.“ Ich glaube, das Wachsen ging von dieser MTV-Rotationssache über in die langsame Hinwendung zu Fate of Nations. Von da an war ich irgendwie weg.

Du hast Fate Of Nations als einen Wendepunkt beschrieben. War das das erste Mal, dass du dich als Solokünstler wirklich wohl gefühlt hast?

Nicht wirklich. Wenn es darum ginge, sich wohl zu fühlen, hätte es keinen Sinn, kreativ zu sein. Ich brauchte einfach gute Gesellschaft, und nach und nach fand ich den Weg dorthin. Ich konnte mit Leuten arbeiten, vor denen ich großen Respekt habe, wie Richard Thompson, und kam dann in einen Bereich, in dem ich schließlich Platten mit T Bone Burnett und Alison Krauss gemacht habe.

So wächst man in die Person hinein, von der man nicht wusste, dass man sie werden würde. Oder man macht ein Rockpaket. Oder sogar ein verdammtes Boot! Ich glaube, ich habe mich nie wirklich wohl gefühlt mit der Idee, bei Top Of The Pops mitzumachen. Ich habe mich stattdessen zu diesem anderen Typen entwickelt – nicht selbstgefällig, aber ich hatte definitiv einen Groove.

„Tall Cool One“ von 1988 enthält Samples von Led Zep und Jimmy Page an der Gitarre. Hattest du da schon angefangen, mit deiner Vergangenheit Frieden zu schließen?

Die Beastie Boys hatten angefangen, Zeppelin zu sampeln. Ich dachte: „Das ist eine tolle Idee. Hört euch das an.“ Denn man kann es aus dem Kontext herausnehmen und in einen anderen Bereich bringen, und genau das haben wir mit Tall Cool One gemacht. Wir haben viele verschiedene Teile von Zeppelin genommen.

Ich fand es auch ein bisschen komisch. Sogar der Titel, Tall Cool One, war ein Instrumentalstück von The Wailers aus Seattle aus dem Jahr 1959. Es war also nichts Neues, es war nur eine Art Besuch. Aber Vergangenheitsbewältigung, nein, nein, nein. Ich meine, in welche Vergangenheit soll ich denn gehen?

Aber im Podcast betonst du, wie sehr du darauf bedacht warst, nicht zu diesem Led Zep-Parodie-Typen zu werden.

Ja, aber egal, was passiert, ich habe keine Wahl. Es gab großartige Varianten eines anderen Ichs, aber wann immer ich eine Zeitung lese, scheint es, dass ich immer noch Led Zep bin. Ich glaube, das Problem ist, dass niemand hören kann, was Künstler, die in der Nähe bleiben, jetzt herausbringen können. Wenn man nicht aus eigenem Antrieb auf die Suche geht, wird es nicht über die normalen Kanäle verbreitet. Und ich glaube, viele Leute, die zu Konzerten gehen, hören nicht einmal Radio. Also gehen sie zu Spotify und sehen es dort: „Robert Plant hat eine neue Platte gemacht, ja? Toll!“

Auf dem 2001er Album „Dreamland“ coverst du Bonnie Dobsons apokalyptischen Folksong „Morning Dew“. Wie sind Sie auf dieses Lied gekommen?

Ich habe es gehört, als Tim Rose damit in den siebenundsechziger oder achtundsechziger Jahren eine Art Hit hatte. Später, während der Morning Dew-Ära, war John Bonham der Schlagzeuger in Tims Band. Ich musste ihn für Jimmy aus dem Hampstead Country Club herausfischen, als er mit Tim spielte. Ich habe nicht mal gemerkt, dass es nicht der Song von Tim Rose war.

Er hat einen Deal mit Bonnie Dobson gemacht, die seither eine regelmäßige Bekannte von mir geworden ist, wann immer wir in die Bert Jansch Welt gehen. Ich fand das Lied einfach sehr schön. Es wäre genauso gut, wenn es jetzt von einem wirklich modernen Künstler gespielt werden würde. Man muss nur die Taktart ändern. Die Kinder sollen es hören und merken, dass wir in Schwierigkeiten sind.

Rückblickend auf Ihre eigenen Folk-Club-Tage in Birmingham in den Sechzigern, war das eine gesunde Szene?

Es kommt darauf an, wo Folk und Blues zu zwei verschiedenen Dingen werden. Ich würde sagen, dass Alexis Korner, der „Rock Me Baby“ singt, vielleicht kein traditioneller englischer Folk ist, aber er kann trotzdem im gleichen Klima laufen. Das mit dem Folk hat sich bei mir erst ganz am Anfang ergeben.

Es gab eine sehr produktive Szene in der Gegend, in der ich zur Schule ging, und es gab dort einen Folk-Club, in dem Alex Campbell, Ian Campbell und verschiedene andere Leute auftauchten, die Lieder über Schiffe sangen, die die Küste von Northumbria hinunterfuhren, oder wo auch immer das war. Aber die Blues-Szene hat mich mehr angesprochen, weil sie diese Art von Moll-Tonarten und blauen Noten hatte, die ich liebe.

Hast du den üblichen Weg zur Musik genommen, indem du eine Reihe von alltäglichen Jobs gemacht hast?

Ich habe bei Lewis in Birmingham gearbeitet und die Innenbeine von Herren gemessen. Der große Satz, der zu dieser Aufgabe gehörte, war: „Welche Seite ziehen Sie an, Sir?“ Mit anderen Worten: Wo sind Ihre Eier? Und wenn die Kerle ein bisschen federnd waren, sagten sie dir die falsche Seite, nur damit du sie kurz zurechtrückst!

Ich glaube, dein Vater hat Geige gespielt, aber hatten deine Eltern immer noch diese Einstellung: „Geh und such dir einen richtigen Job“?

Nun, ich wollte einen richtigen Job, und ich habe einen. Ja, ich hatte mein berufliches Potenzial, und weil ich es nicht angenommen habe, musste ich mit siebzehn von zu Hause weg. Ich habe mich also ziemlich schnell abgehärtet. Ich habe mich ein paar Jahre später mit meinen Eltern versöhnt. Aber es war gut, es war so, wie es sein sollte.

Ich kenne so viele Jungs aus meiner Schulzeit, die ich immer noch sehe und die sehr lustig sind und das Leben lieben, aber sie haben das Falsche getan. Sie haben sich an eine Familie gehalten oder an das, was man eigentlich tun sollte, und sie bereuen es, dass es nie richtig geklappt hat. Sie haben nicht ihr Leben gelebt, sie haben das Leben gelebt, das verlangt wurde.

Sie wussten also schon früh, dass Sie das nicht tun wollten?

Ich wusste nicht, was ich werden wollte, aber ich hatte nicht vor, für zwei Pfund die Woche einen Kugelschreiber zu schieben und eine Ausbildung zum Buchhalter zu machen.

Vor Zeppelin spielten Sie und John Bonham in der Band Of Joy in den Midlands. Aber kann man sagen, dass Ihre geistige Heimat damals die Westküste Amerikas war?

Ja, ich denke schon. Es war eher so, dass dort etwas gesagt wurde. Wir hatten nicht das Vietnam-Phänomen und wir hatten nicht die gleichen rassistischen Spannungen – obwohl es rassistische Spannungen gab, aber wir hatten nicht die Märsche. Die ganze Sache, hier drüben zu sein, war das alte Empire.

Amerika war schon immer taumelnd und gähnend und knurrend und mit inneren Konflikten behaftet, also hatte die Jugendkultur mit ihren eigenen Problemen zu tun. An der Westküste waren die Leute dort Vorreiter für ihre eigene Generation von Musikern, die sie durchgebracht haben. Wenn man an Buffalo Springfields For What It’s Worth denkt, dann geht es darum, was sie selbst auf der Straße mit den Behörden zu tun hatten. Hier drüben war die Revolution ein bisschen wie eine Heimindustrie; es gab eine Menge Glocken und Perlen und Zeug, das verkauft wurde.

Sie sprechen im Podcast über Ihr 2005 erschienenes Album „Mighty Rearranger“ und einen der Songs, „Tin Pan Valley“, und wie wichtig diese Zeit auf persönlicher Ebene war. Du deutest an, dass es der Beginn war, an dem du die Herausforderung, sowohl Sänger als auch Songwriter zu sein, ernsthaft angenommen hast.

Vielleicht, aber ich habe immer versucht, die ganze Sache als eine Art abgerundetes Stück zu gestalten. Ich denke, die große Stärke von Mighty Rearranger ist seine Flexibilität, von Tacamba bis hin zu allen möglichen Dingen.

Neun Jahre später scheint Lullaby And… The Ceaseless Roar der Höhepunkt all dieses Suchens und Experimentierens zu sein.

Wir haben uns von der Schroffheit und Aggression einer Aufnahme wie Tin Pan Valley befreit und sie durch das panoramische Drama von Embrace Another Fall ersetzt, das eine Kombination aus Musikalität, Intention und Poesie ist, die ich mir damals nicht hätte vorstellen können.

Lullaby besteht nur aus Rhythmen und Texturen, mit deiner Stimme als Teil dieses „panoramischen Dramas“. War das eine Art Durchbruch für Sie?

Das hat zum Teil mit den Umständen zu tun. Manchmal steuert man sein Leben nicht selbst, es steuert sich selbst. Ich sah, wie sich mein Leben auf eine andere Weise öffnete. Ich nehme an, wenn ich zu Mighty Rearranger zurückkehre und mich von da an weiterbewege, gab es eine ganze Reihe fantastischer Möglichkeiten und Veränderungen, die ich versuchen konnte, zu nutzen und zu durchschreiten, was ich auch tat.

So von Raising Sand bis Band Of Joy, das waren wirklich ganz wesentliche Momente für mich, denn ich war wirklich nur ein Sänger aus dem Black Country, der eine gute Version von Rock Me Baby gemacht hat, und ich bin plötzlich in all diesen verschiedenen Umgebungen, musikalisch und emotional. Und ich war überzeugt, je mehr ich durch Amerika reiste und je mehr Leute aus verschiedenen Teilen des musikalischen Globus ich dort traf, dass ich dort sein sollte.

Während der Band Of Joy-Ära verbrachte ich viel Zeit mit Patty, während sie in Austin, Texas, lebte. Natürlich war ich vierzig Jahre lang durch Amerika gereist, und ich hatte immer diese kleinen Postkartenbilder von verschiedenen Orten gesehen. Aber ich hatte nie wirklich dort gelebt, um zu sehen, wie es wirklich war. Also zog ich nach Austin. Und ich war von einigen unglaublichen Musikern umgeben. Jimmie Vaughan, der Bruder von Stevie Ray von den Fabulous Thunderbirds, war ein großartiger Musiker. Charlie Sexton, Junior Brown, Wanda Jackson… so viele Leute. Und ich war Teil dieser Bruderschaft von großartigen Spielern, die kamen und gingen, ein- und auszogen.

Das Entscheidende ist, dass ich die Idee, in dieser Szene zu sein, wirklich verinnerlicht habe, und ich lebte neben Patty. Und sie ist so produktiv und so gefühlvoll, dass ich dachte: Das ist es. Das ist es, worum es geht – musikalische Integrität, großartige Gesellschaft und Ansporn. Und ein wirklich herzliches Willkommen von Menschen aus allen Bereichen der Kunst. Also habe ich mich darauf eingelassen und dort eine Wohnung gekauft. Aber dann habe ich immer wieder nach Hause geschaut und mich gefragt, wie es mit meinen Kindern und meinen Kumpels ist.

Manchmal genieße ich die Einfachheit des Lebens. Ich hatte mich wirklich daran gewöhnt, dass ich in Texas eingeschaltet war, aber es gab kein Entrinnen aus meiner Geschichte. Also konnte ich es nicht mehr ertragen und kam zurück. Und genau darum geht es in Lullaby And…The Ceaseless Roar. Es geht um das Zurückkommen, um das Scheitern, wirklich. Oder eigentlich nur darum, zu erkennen, dass es so viele verschiedene Elemente braucht, um ein Leben zu gestalten.

Die ganze Platte handelt von Erkenntnis, von Reife, von dem Versuch, mit sich selbst ins Reine zu kommen und herauszufinden, dass man sich selbst ein bisschen verkauft hat. Und das ist auf seine Weise der Blues.

Dein jüngstes Studioalbum, Carry Fire von 2017, fühlt sich wie ein Gegenstück zu Lullaby an.

Ja. Die Space Shifters sind auf jeden Fall bemerkenswert. Sie sind auch aus den verschiedenen Blickwinkeln bemerkenswert, aus denen sie sich entwickelt haben. Justin Adams und Johnny Baggott und ich sind seit 2001 zusammen, mit Unterbrechungen. Und dazwischen ist genug los, dass es eine tolle Heimkehr ist, wenn wir zurückkommen.

Als Billy Fuller ankam, brachte er wieder etwas anderes von seiner Seite mit. Und er hat seine Abenteuer mit Beak erlebt. John Blease hat sich uns am Schlagzeug angeschlossen. Er ist ein erstaunlicher Spieler. Und ‚Skin‘ Tyson war ein Gründungsmitglied von Cast. Es ist also wie eine Art Bruderschaft. Wir können uns jederzeit treffen und alles ist gut. Es gibt eine große kreative Ermutigung zwischen uns allen.

Habt ihr irgendetwas Neues am Horizont, was die Aufnahmen angeht?

Ja, es liegen einige Dinge in der Luft, möglicherweise in Nashville. Ich soll in zwei Wochen dorthin fahren. Im Moment ist noch gar nichts los, aber das wird sich ändern. Mit Justin und Skin und allen anderen haben wir schon etwa vierzig verschiedene Ideen für Instrumente. Wir arbeiten mit einem Typen namens Tim Oliver zusammen, der Studiomanager bei Real World, Peter Gabriels Haus, ist, und wir können dort herumspielen.

Ich kann einen Nachmittag mit Tim verbringen und Musikstile und -stämme verändern, um sie zu Songs zu formen. Wir haben die letzten beiden Platten mit Tim aufgenommen und es ist eine tolle Art, Dinge zu tun. Es ist eine gute Kombination. Wir wissen alle, wo wir hinwollen.

Wird es irgendwann einen Nachfolger zu Raising Sand geben?

Oh, ich bin sicher, ja. Ich sehe Alison oft und spreche viel mit ihr. Und auch mit T Bone. Es ist so, dass ich schon einmal zurückgekommen bin, und Patty hatte ihre American Kid-Platte gemacht und war damit auf Tour. Und ich denke, wenn man anfängt, sich abzusplittern und verschiedene Wege zu gehen, und man ein Fremder an einem Ort ist, an dem die Leute immer noch denken, dass sich eine Spiegelkugel um deinen Kopf dreht, ist es wirklich gut, sich mit der Realität der Space Shifters zu beschäftigen. Es gibt nichts Schöneres, als auf der Bühne zu stehen, wenn diese Jungs in voller Fahrt sind.

Pete Townshend sagte kürzlich, dass er der Meinung ist, dass der gitarrenbasierte Rock’n’Roll seine Möglichkeiten ausgeschöpft hat, und dass die neue Technologie die Tür geöffnet hat, um andere Formen von Musik mit anderen Einstellungen und Arbeitsweisen zu schaffen. Was ist deine Meinung dazu?

Ich denke einfach, dass das Spiel für alle und alles da ist. Was die Leute auf der Straße angeht, ist es einfach eine Frage des Geschmacks. Es gibt überall Leute, die großartige Musik machen, die ganze Zeit. Pete hat recht, was die Aufnahmetechniken und die Veränderung der ganzen Idee, Songs zu kreieren, angeht, muss man sich keine Sorgen um ein Gitarrensolo machen.

Man kann viele kleine Süßigkeiten in moderne Sachen einbauen. Und Humor und soziale Kommentare. Es muss nicht alles aus Nashville kommen. Ich glaube, das ist einfach die Art, wie Pete denkt. Außerdem ist er viel gereist, also hat er sich wahrscheinlich auf alle möglichen Musikformate eingestellt.

Eines der Dinge, die du im Podcast zurückweist, ist die Vorstellung, dass du rastlos bist. Du sagst stattdessen, dass du eher inspiriert bist und dich ständig anregen lässt.

Das ist eine andere Art, den gleichen Zustand zu betrachten, nicht wahr? Es ist dasselbe Biest. Ich weiß nicht, wann sich der Vorhang für mich schließt, weder als jemand, der inspiriert ist, noch als jemand, der tatsächlich atmet, aber fünf Spiele am Mittwochabend sind nicht genug.

So mache ich das. Und ich habe Glück, denn ich habe zwei oder drei verschiedene Wege, die ich mit Leuten genießen kann, und verschiedene Belohnungen. Ich weiß, dass echte Bands Platten herausbringen und dann oft enttäuscht sind. Denn das ganze Zeitfenster, in dem sie sich präsentieren konnten, ist vorbei, egal ob es sich um Neil Young, Elton John oder wen auch immer handelt, auf den die Leute umschalten wollen.

Aber wen interessiert das schon? Ob es nun verdammter Hip-Hop ist oder eine Coverversion eines Melanie-Songs, ist doch egal. Tu einfach, was du tust und fühle es und meine es.

Robert Plant’s Digging Deep Box Set ist jetzt erhältlich.