Vierhundert Jahre nach seinem Tod ist William Shakespeare immer noch der zeitlose internationale Mann des Geheimnisses. Fast alles über ihn ist umstritten. Die Stücke, die uns heute überliefert sind, sind durch die Hände zahlreicher Redakteure gegangen und wurden manchmal verstümmelt.
Einige dieser Redakteure beschlossen, dass seine Zusammenfassung des menschlichen Daseins nicht den Vorstellungen des Publikums entsprach, und schrieben die Stücke einfach um, wie es ihnen passte. Und dann waren da noch die Kollaborationen. Shakespeare hat viele seiner Stücke gemeinsam mit anderen geschrieben. Das Problem ist, dass wir nicht genau wissen, welche Werke mit wem geteilt wurden.
Die einzige Tatsache, an der wir uns festhalten können, ist, dass William Shakespeare – wer auch immer er wirklich war und wer auch immer seine Mitarbeiter gewesen sein mögen – einige der großartigsten Stücke verfasst hat, die je geschrieben wurden, und uns Figuren gegeben hat, die im Laufe der Jahrhunderte oft kopiert, aber nie verbessert wurden.
Lady Macbeth, Macbeth
Macbeth und seine Frau haben eine der verdrehtesten Beziehungen, die je inszeniert wurden. Es ist ein Machtkampf zwischen den beiden, der später in den allerbesten Film Noirs wie Double Indemnity und The Postman Always Rings Twice nachgeahmt, aber nie übertroffen werden sollte. Wenn Macbeth „voll von Schrecken säuft“, sehen wir, wie seine Machtgier durch die sexuelle Erregung seiner Frau provoziert wurde.
Geplagt von Albträumen versucht sie, das eingebildete Blut von ihren Händen zu waschen. Im Laufe des Stücks wird ihr unglaublicher Ehrgeiz gleichermaßen von Schuldgefühlen abgelöst. Wir werden zu der Überzeugung geführt, dass ihre Schuldgefühle letztendlich zu ihrem Selbstmord führen.
Männlichkeit wird im Stück durch Ehrgeiz und Macht definiert – zwei Eigenschaften, die Lady Macbeth im Überfluss besitzt. Indem Shakespeare die Figur auf diese Weise konstruiert, stellt er unsere vorgefassten Meinungen über Männlichkeit und Weiblichkeit in Frage.
Iago, Othello
Iago ist Othellos vertrauter Handlanger, dem man nicht trauen kann. Er plant den Untergang seines Herrn, indem er Othello einredet, dass seine Frau eine Affäre hat. Jago ist ein Erzmanipulator, der direkt oder indirekt für alle Todesfälle in diesem Stück verantwortlich ist. Jago ist auch einer der wenigen furchtbaren Bösewichte, die am Ende des Stücks nicht ihre Strafe bekommen.
Der Inbegriff des Bösen, Jago, ist eine beliebte Rolle für den Shakespeare-Spieler und derjenige, der die meisten Zeilen in diesem Stück hat.
Jago ist auch eine tragische Figur, die sich schließlich durch einen lähmenden Groll gemischt mit übermäßiger Hingabe verrät. Er ist einer der größten Bösewichte aller Zeiten, weil er seinen Boss, den Mohren, mit eiskalter Gerissenheit und abartiger Manipulation manipuliert. Jago’s letzte Rede – „Verlange nichts von mir. Was ich weiß, weiß ich“ – ist eine der großartigsten Abgangszeilen von Shakespeare.
Prospero, Der Sturm
Der Sturm war das letzte Stück, das Shakespeare ganz allein schrieb. Das Stück ist auch eines der jenseitigsten des Barden, und man ist versucht, es als seinen Abschied von dieser Welt zu betrachten, als ob er sich auf das nächste Leben vorbereiten würde.
Prospero war Herzog von Mailand, bis sein Bruder Antonio, der sich mit Alonso, dem König von Neapel, verschworen hatte, seine Position an sich riss. Prospero und seine Tochter Miranda überleben, weil Gonzalo ihnen Vorräte und Prosperos Bücher hinterlässt, die die Quelle seiner Magie und Macht sind.
Die Rolle des Prospero ist nicht nur eine beherrschende, sondern auch eine mit einigen der schönsten Zeilen des Dichters. Die Reden in den Akten IV und V, in denen der verbannte Herzog von Mailand den Vorhang für das Drama fallen lässt („Unsere Festlichkeiten sind nun zu Ende“) und dann seine Kunst ablehnt („Dieser rauen Magie schwöre ich hier ab“), sind mitreißend und majestätisch. Prospero ist einer der großen alten Männer Shakespeares.
Hamlet, Hamlet
Hamlet ist der melancholische Prinz von Dänemark und trauernde Sohn des kürzlich verstorbenen Königs. Diese seelisch suchende Figur wurde als der erste wirklich moderne Mensch bezeichnet, der je in der Literatur dargestellt wurde. Die Tiefe von Hamlets emotionalem Aufruhr lässt sich an der guten Laune messen, die der Rest des Hofes an den Tag legt.
Hamlet ist verzweifelt über die Tatsache, dass es allen gelungen ist, seinen Vater so schnell zu vergessen – besonders seiner Mutter Gertrude. Kaum ist ihr Mann kalt im Grab, hat Gertrude ihren Schwager Claudius geheiratet. Als ein Geist verrät, dass Claudius den König getötet hat, schwört Hamlet, den Mord an seinem Vater zu rächen.
Doch Hamlet ist emotional völlig aufgewühlt und fühlt sich wie gelähmt. Er kann seinen Hass auf Claudius und seine verzehrende Trauer nicht mit dem Bösen in Einklang bringen, das nötig ist, um seine Rache zu vollziehen. Hamlets Dilemma führt ihn in das moralische Paradoxon, dass er einen Mord begehen muss, um einen Mord zu rächen.
Die drei Hexen, Macbeth
Die drei Hexen, auch bekannt unter dem Namen The Weird Sisters, sind als klassische Verkörperung der Hexerei in das allgemeine Bewusstsein eingegangen. Shakespeare war ein Steven Spielberg seiner Zeit. Er schrieb für das Massenpublikum, aber nachdem Jakob der Erste (Jakob der Fünfte von Schottland) 1603 den englischen Thron bestiegen hatte, ernannte er den Mann aus Stratford-Upon-Avon zum Dramatiker am königlichen Hof.
James interessierte sich sehr für Hexen und glaubte, dass sie wirklich existierten. Shakespeares geschworene Pflicht bestand nun darin, seiner Majestät zu gefallen, und so entstanden die Weird Sisters. Die Ursprünge dieser unheimlichen Schwestern werden erstmals in Hollinsheds Werk Chronicles Of England, Scotland And Ireland von 1577 erwähnt. Historiker glauben, dass die Drei Hexen schon viel früher entstanden sind und auf eine Reihe nordischer Valkyen zurückgehen, die entschieden, welche Männer in der Schlacht von Clontarf erschlagen werden sollten.
Julia, Romeo und Julia
Julias Amme in den berühmtesten romantischen Tragödien des Barden ist ein echter Blickfang. Sie verleiht einem Stück, das sonst, wie Romeo selbst sagt, „zu schmeichelhaft-süß ist, um substantiell zu sein“, eine echte menschliche Note. Und doch ist es die unglückliche Julia, die das Herz erobert. Kurz vor ihrem vierzehnten Geburtstag ist Julia in einem Alter, das an der Schwelle zwischen Kindheit und Reife liegt. Zu Beginn des Stücks scheint sie jedoch nur ein gehorsames, behütetes, naives Kind zu sein.
Obwohl es für Mädchen in ihrem Alter – ihre Mutter eingeschlossen – üblich ist, zu heiraten, hat sich Julia noch keine Gedanken darüber gemacht. Weil sie ein einfaches Mädchen ist, das in die feine Gesellschaft hineingeboren wurde, hat sie keine der Freiheiten, die Romeo hat, um Orte zu besuchen, Leute zu treffen und sich zu prügeln. Die Entwicklung Julias von einem Mädchen mit leuchtenden Augen zu einer vollwertigen Frau ist einer der frühen Triumphe der Charakterisierung Shakespeares. Es ist eine seiner rundesten Darstellungen einer weiblichen Figur.
Viola, Zwölfte Nacht
Viola ist eine von Shakespeares reizvollsten komischen Figuren. Als schiffbrüchige Waise, die niemanden hat, der sie beschützt, muss sie schlau und verlässlich sein. Sie weiß, dass eine alleinstehende Frau, die in einem fremden Land umherirrt, einem gewissen Risiko ausgesetzt ist. Sie verkleidet sich als Junge, damit sie unbehelligt umherstreifen kann. Viola ist Shakespeares sexuell zweideutigste Figur.
Im Verlauf der Handlung und der Demütigung Malvolios zeigt sie eine ansteckende Energie, während sie sich auf prickelnde Weise mit allen um sie herum beschäftigt. Aber es ist nicht nur ein schwindelerregender Flirt.
Ihre Szene im dritten Akt mit Olivia, in der die frostige Gräfin kurz davor steht, ihre Liebe zu Cesario zu erklären, gehört zum Erregendsten, was Shakespeare je geschrieben hat. Das Erstaunlichste an Viola ist, dass eine so kluge und begabte junge Frau sich in einen so ungehobelten Herzog Orsino verliebt.
Beatrice, Viel Lärm um nichts
Leonato, ein beliebter Adliger, lebt in der italienischen Stadt Messina. Leonato teilt sein Haus mit seiner hübschen jungen Tochter Hero, seiner herrlich geistreichen Nichte Beatrice und seinem älteren Bruder Antonio, der Beatrices Vater ist. Eine Gruppe von Freunden trifft ein, darunter der Spaßvogel Benedick. Benedick und Beatrice, die gut zueinander passen, verlieben sich ineinander. Die Liebesaffäre zwischen den beiden ist streng genommen eine Nebenhandlung. Aber sie dominiert das Stück, wobei Beatrice die herausragende Figur ist.
Das Stück wurde schon oft als Liebeskomödie inszeniert, aber es geht viel tiefer als eine Episode von Friends. Die verletzte und widerspenstige Beatrice ist dem flockigen Benedick mehr als gewachsen. Ihre Aufforderung an ihn, Claudio, den Geliebten ihrer Schwester, zu töten“, während der zerstörten Hochzeit im vierten Akt, definiert die Tiefe ihres Charakters. Macht sie Witze oder meint sie es todernst? Wahrscheinlich ein bisschen von beidem. Am Ende bekommt Benedick trotz seiner Schwächen sein Mädchen.
Falstaff, Heinrich IV Teil I und II, Die lustigen Weiber von Windsor
Sir John Falstaff ist eine der großen Vaterfiguren in Shakespeares Werk. Der korpulente und oft betrunkene alte Schurke begleitet den ausschweifenden Prinzen Hal von einer vergeudeten Jugend bis zur nüchternen Reife. Der Thronfolger verbringt die meiste Zeit in den Tavernen der zwielichtigen Viertel Londons, wo er sich mit Landstreichern und anderen zwielichtigen Gestalten herumtreibt.
Harrys engster Freund in der Bande von Schurken ist Falstaff. Falstaff ist der zwielichtigste von allen, aber als Bühnenpräsenz ist er in jeder Hinsicht ein Riese. Mit seinem gewaltigen Körperumfang und seinem gigantischen Appetit ist er die Oliver Reed-Figur, die das Publikum so gerne missbilligt. Der Satz in Heinrich IV. Teil II, als sich der frisch gekrönte König Heinrich gegen seinen ältesten und besten Freund wendet – „Ich kenne dich nicht, alter Mann“ – ist einer der erschütterndsten Momente in der Geschichte der Bühne.
Lerne, König Lear
Hamlet ist die ultimative Prüfung für den jungen Schauspieler, aber Lear ist die Rolle, nach der jeder reife Hauptdarsteller strebt. Lear ist eine Rolle, die den Wahnsinn, das Blutvergießen und die (reale und eingebildete) Nacktheit des menschlichen Zustands zeigt und die körperlich sehr anspruchsvoll ist. Sie verlangt von jedem Schauspieler, der sich an ihr versucht, Blut und Schweiß (Schweiß sowieso, das Blut ist gemalt).
In Akt III, Szene I, führt der Sturm – „Blow winds, and crack your cheeks“ – zu einem der außergewöhnlichsten Momente des Welttheaters, vielleicht der Höhepunkt in einem an fesselnden Szenen reichen Stück. In König Lear liefert Shakespeare eine Vision der Menschheit, die so düster ist, dass sich das Publikum beim Verlassen des Theaters fragen kann: „Was soll das?“, aber es ist die unausweichliche Tiefe seiner winterlichen Geschichte, die es so großartig und zeitlos macht.
Irish Independent