Innovaciones y artistas clave del Renacimiento italiano
He superpuesto líneas de perspectiva que ilustran el uso de la perspectiva lineal de 1 punto en «Vista de una ciudad ideal», un cuadro de Piero della Francesca. El punto de convergencia se llama punto de fuga.
El Renacimiento italiano es considerado por los historiadores como el inicio de la era moderna. El propio nombre significa literalmente «renacimiento», una descripción precisa de este periodo de innovación tanto en las ciencias como en las artes. También se prestó mucha atención a las artes literarias, ya que los pensadores del Renacimiento recurrieron a los textos perdidos del mundo antiguo para obtener una nueva comprensión. Este renovado interés por la historia, la literatura y las artes supuso el nacimiento de toda una nueva forma de pensar, centrada en el mundo de la humanidad tanto como en la preocupación por el más allá (que era la única preocupación del hombre medieval). Esta nueva forma de pensar se denomina humanismo y se remonta al concepto griego de «el hombre como medida de todas las cosas». Con la invención de los tipos móviles durante el Renacimiento, las nuevas ideas y la erudición antigua se difundieron más rápidamente que nunca.
Las fechas generales dadas para el período del Renacimiento son 1400-1550, y su lugar de nacimiento fue inequívocamente Florencia, una próspera ciudad mercantil de Italia . Era necesario que el cultivo de las grandes ideas y del arte comenzara en un centro de gran riqueza… ya que se requería dicha prosperidad para financiar la construcción de grandes catedrales que eran decoradas de forma elaborada por los mejores artistas que la región podía ofrecer. Los ciudadanos ricos solían donar su dinero para encargos de arte específicos, tanto para proyectos religiosos como seculares. Los mayores mecenas del arte en Florencia fueron la familia Médicis, que decoró su ciudad con esculturas traídas de Grecia y Roma, encargó la creación a artistas y arquitectos, y también financió las primeras universidades.
Los cambios más evidentes durante la época del Renacimiento se ven en las pinturas y esculturas. Aunque continuaron con la tradición medieval de utilizar temas religiosos, ilustrando historias de la Biblia, combinaron este interés con los ideales clásicos de la figura humana y un mayor interés por representar la naturaleza. También eran populares las obras profanas, a menudo inspiradas en la mitología griega y romana. Los artistas comenzaron a experimentar por primera vez con pinturas al óleo, mezclando pigmentos en polvo con aceite de linaza (abandonando gradualmente la técnica medieval del temple al huevo). Las pinturas se secaban lentamente y se podían trabajar durante unos meses. La técnica del fresco se empleó en paredes de yeso (alcanzando la perfección con artistas como Miguel Ángel). La escultura comenzó a concebirse «en redondo», en lugar de como decoraciones en relieve en las catedrales. También se introdujeron en el arte la perspectiva y la luz, perfeccionando el sentido de la realidad tridimensional. Los artistas del Renacimiento causaron un impacto tan dramático en su concepto del espacio y la forma que han cambiado la forma de ver el mundo para siempre.
El primer Renacimiento: Innovaciones en la perspectiva lineal y la anatomía humana
Giotto (1267-1337) es considerado el «Padre del Renacimiento». Caracterizado como un pintor proto-renacentista, su obra es una transición desde el medioevo tardío (gótico). Sus innovaciones fueron el uso de la perspectiva aproximada, el aumento del volumen de las figuras y una profundidad de la emoción que sugiere sentimientos humanos en lugar de iconos estáticos y pasivos.
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Limpieza del Templo |
Ver más frescos de Giotto de la Capilla de la Arena
Filippo Brunelleschi (1337-1446) fue un arquitecto e ingeniero florentino; Fue el primero en realizar una serie de experimentos ópticos que condujeron a una teoría matemática de la perspectiva. Brunelleschi ideó el método de la perspectiva con fines arquitectónicos, pero una vez publicado el método de la perspectiva en 1435 (por Alberti), tendría un impacto dramático en la representación del espacio tridimensional en las artes. Véase la ilustración de la perspectiva en la parte superior de la página.
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Masaccio (1401- 1428) fue uno de los primeros artistas en aplicar el nuevo método de la perspectiva lineal en su fresco de la Santísima Trinidad. El techo de bóveda de cañón imita con precisión el aspecto real del espacio arquitectónico tal y como aparecería desde el punto de vista del espectador. Sus figuras son precisas en su descripción de la anatomía humana, influenciadas por el estudio de la escultura por parte del artista. En esta pintura, el punto de fuga reside debajo de los pies de Jesús. La ilusión de la arquitectura es tan real que uno siente como si la pared se hubiera abierto para revelar la escena. Jesús, el Padre y el Espíritu Santo (simbolizado por la paloma) están acompañados por María y San Juan Evangelista. A los lados están los donantes (cuya tumba fue descubierta bajo el mural). Un esqueleto pintado yace en un sarcófago ilusorio bajo la inscripción: «Lo que tú eres, yo lo fui; lo que yo soy, tú lo serás». |
 La Santísima Trinidad, fresco (ver imagen ampliada) |
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Masaccio incluye tres momentos diferentes de la historia en la misma escena (técnica conocida como «narración continua»): En el centro, Pedro pregunta a Jesús por qué tiene que pagar al recaudador de impuestos ya que su lealtad es sólo a Dios y no a los romanos. La respuesta de Jesús es «da a los romanos lo que les corresponde y al Señor lo que le corresponde». Le ordena a Pedro que busque el dinero yendo a pescar (a la izquierda, Pedro extrae una moneda de la boca del pez); y, a la derecha, Pedro entrega el dinero del tributo al recaudador de impuestos frente a su casa. |
Piero della Francesca (1416-1492) fue otro de los primeros artistas del Renacimiento que manifestó su obsesión por la perspectiva. Su obra se caracteriza por el análisis minucioso de los espacios arquitectónicos, la sensibilidad por la pureza geométrica de las formas y la comprensión escultórica de la figura. Estaba tan obsesionado con la perspectiva y la geometría, que escribió varios tratados sobre el tema.
Piero della Francesca, El descubrimiento y la prueba de la verdadera cruz, fresco, 1452-59
(Web Gallery of Art: http://www.kfki.hu/~arthp)Este es sólo uno de varios murales dentro de un «ciclo» que representa la leyenda de la «verdadera cruz». La cruz se descubre con las dos cruces (de ladrones que murieron junto a Jesús). La verdadera cruz se identifica por su poder de devolver la vida a un joven muerto.
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Donatello (1386-1466) aportó un nuevo sentido del naturalismo a la escultura. Las suyas fueron algunas de las primeras piezas que salieron de los muros de las catedrales, ocupando un espacio tridimensional. Sus figuras utilizan la clásica postura de contrapposto (relajada y no rígida). También se cree que su David es la primera escultura de desnudo completo desde la antigüedad.David es el joven bíblico que vence al gigante Goliat. Aunque es difícil de ver en esta fotografía, David está de pie con su pie izquierdo sobre la cabeza de Goliat. Es interesante comparar esta escultura con la versión posterior de Miguel Ángel.David, bronce fundido (158 cm.), 1444-46 |
Lamentación de Cristo muerto, temple sobre lienzo, 1466 |
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Sandro Botticelli (1445-1510) fue el primer artista que pintó un desnudo femenino de cuerpo entero en su Nacimiento de Venus. La figura recuerda en realidad la pose exacta de una escultura griega (la Venus de Médicis, a la que tuvo acceso bajo su patrocinio), aunque ha añadido una cabellera suelta y unos miembros alargados. La figura ocupa el centro del lienzo, tradicionalmente reservado sólo al tema de la Virgen. Remitiendo a la mitología clásica, es quizás la imagen más pagana de todo el Renacimiento. La Primavera es otro cuadro de tema clásico encargado para la familia Médicis. El nacimiento de Venus, temple sobre lienzo,1485 |
Ver Evolución de la imagen de la Virgen
al Renacimiento del Norte
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