Key Innovations and Artists of the Italian Renaissance
Sobrepus linhas de perspectiva ilustrando o uso da perspectiva linear de 1 ponto em “View of an Ideal City”, uma pintura de Piero della Francesca. O ponto de convergência é chamado o ponto de fuga.
A Renascença Italiana é considerada pelos historiadores o início da era moderna. O próprio nome significa literalmente “renascimento”, uma descrição precisa deste período de inovação, tanto nas ciências como nas artes. As artes literárias também receberam muita atenção, pois os pensadores da Renascença voltaram-se para os textos perdidos do mundo antigo para uma nova compreensão. Este interesse renovado pela história, pela literatura e pelas artes foi o nascimento de uma nova forma de pensar, centrada tanto no mundo da humanidade como na preocupação com o além (que era a única preocupação do homem medieval). Esta nova forma de pensar é chamada de humanismo, remontando ao conceito grego de “homem como a medida de todas as coisas”. Com a invenção do tipo móvel durante a Renascença, novas idéias e erudição antiga espalharam-se mais rapidamente do que nunca.
As datas gerais dadas para o período da Renascença são 1400-1550, e seu local de nascimento foi inequivocamente Florença, uma próspera cidade mercante na Itália. Era necessário que o cultivo de grandes ideias e arte começasse num centro de grande riqueza… pois requeria tal prosperidade para financiar a construção de grandes catedrais que eram elaboradas e decoradas pelos melhores artistas que a região tinha para oferecer. Os cidadãos ricos doavam frequentemente o seu dinheiro para comissões de arte específicas, tanto para projectos religiosos como para projectos seculares. Os maiores patronos da arte em Florença foram a família Medici, que decorou sua cidade com esculturas trazidas da Grécia e Roma, encomendou artistas e arquitetos para criar, e que também financiou as primeiras universidades.
As mudanças mais óbvias durante a época renascentista são vistas nas pinturas e esculturas. Embora tenham continuado a tradição medieval de usar temas religiosos, ilustrando histórias da Bíblia, combinaram este interesse com ideais clássicos da figura humana e um interesse crescente em retratar a natureza. As obras seculares também eram populares, muitas vezes inspiradas na mitologia grega e romana. Os artistas começaram a experimentar pela primeira vez com tintas à base de óleo, misturando pigmentos em pó com óleo de linhaça (abandonando gradualmente a técnica medieval da têmpera dos ovos). As tintas secavam lentamente, e permaneciam viáveis durante alguns meses. A técnica do afresco foi empregada em paredes de gesso (atingindo a perfeição com artistas como Michelangelo). A escultura começou a ser concebida “na redondeza”, em vez de como decorações em relevo sobre catedrais. Perspectiva e luz também foram introduzidas na arte, aperfeiçoando o sentido da realidade tridimensional. Os artistas da Renascença tiveram um impacto tão dramático no seu conceito de espaço e forma que mudaram a forma como olhamos para o mundo para sempre.
The Early Renaissance: Inovações em Perspectiva Linear e Anatomia Humana
Giotto (1267-1337) é considerado o “Pai da Renascença”. Caracterizado como um pintor Proto-Renascentista, a sua obra é uma transição do final da Idade Média (Gótico). Suas inovações foram o uso de uma perspectiva aproximada, aumento do volume de figuras e uma profundidade de emoção que sugere um sentimento humano ao invés de ícones estáticos e passivos.
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Limpeza do Templo |
Ver mais Giotto frescos da Capela da Arena
Filippo Brunelleschi (1337-1446) foi um arquitecto e engenheiro florentino; o primeiro a realizar uma série de experiências ópticas que levaram a uma teoria matemática da perspectiva. Brunelleschi concebeu o método da perspectiva para fins arquitectónicos, mas uma vez que o método da perspectiva foi publicado em 1435 (por Alberti), teria um impacto dramático sobre a representação do espaço tridimensional nas artes. Veja a ilustração da perspectiva no topo da página.
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Masaccio (1401- 1428) foi um dos primeiros artistas a aplicar o novo método de perspectiva linear em seu afresco da Santíssima Trindade. O teto abobadado do barril imita com precisão a aparência real do espaço arquitetônico, como apareceria do ponto de vista do espectador. Suas figuras são precisas em sua descrição da anatomia humana, influenciada pelo estudo da escultura do artista. Nesta pintura, o ponto de fuga reside abaixo dos pés de Jesus. A ilusão da arquitetura é tão real que se sente como se a parede tivesse sido aberta para revelar a cena. Jesus, o Pai, e o Espírito Santo (simbolizado pela pomba) são unidos por Maria e São João Evangelista. Flanqueados nos lados estão os doadores (cuja tumba foi descoberta sob o mural). Um esqueleto pintado repousa sobre um sarcófago ilusório abaixo da inscrição: “O que tu és, eu já fui; o que eu sou, tu serás”. |
 A Santíssima Trindade, fresco (ver imagem ampliada) |
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Masaccio inclui três momentos diferentes a história na mesma cena (uma técnica conhecida como “narrativa contínua”): No centro, Pedro pergunta a Jesus por que ele deveria ter que pagar os impostos do cobrador já que sua lealdade é somente a Deus e não aos romanos. A resposta de Jesus é “dar aos romanos o que é devido a eles e ao Senhor o que é devido a Ele”. Ele intructa Pedro para encontrar o dinheiro indo pescar (à esquerda, Pedro extrai uma moeda da boca do peixe); e, à direita, Pedro entrega o dinheiro do tributo ao cobrador de impostos em frente à sua casa. |
Piero della Francesca (1416-1492) foi outro artista da Renascença que expressou uma obsessão de perspectiva. Seu trabalho é caracterizado por espaços arquitetônicos cuidadosamente analisados, uma sensibilidade à pureza geométrica das formas e uma compreensão escultórica da figura. Ele era tão obcecado pela perspectiva e pela geometria, que escreveu vários tratados sobre o assunto.
Piero della Francesca, The Discovery and Proving of the True Cross, fresco, 1452-59
(Web Gallery of Art: http://www.kfki.hu/~arthp)Este é apenas um dos vários murais dentro de um “ciclo” retratando a lenda da “verdadeira cruz”. A cruz é descoberta com as duas cruzes (dos ladrões que morreram ao lado de Jesus). A cruz verdadeira é identificada pelo seu poder de ressuscitar um jovem morto.
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Donatello (1386-1466) trouxe um novo sentido de naturalismo à escultura. Suas foram algumas das primeiras peças a saírem das paredes das catedrais, ocupando espaço tridimensional. Suas figuras utilizam a posição clássica do contraposto (relaxado e não rígido). Acredita-se também que o seu David seja a primeira escultura nua em escala real desde os tempos antigos. David é a juventude bíblica que conquista o gigante, Golias. Apesar de difícil de ver nesta fotografia, David está com o pé esquerdo em cima da cabeça de Golias. É interessante comparar esta escultura com a versão posterior de Miguel Ângelo. David, bronze fundido (158 cm).), 1444-46 |
Lamentação do Cristo Morto, tempera sobre tela, 1466 |
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Sandro Botticelli (1445-1510) foi o primeiro artista a pintar uma mulher nua de corpo inteiro no seu Birth of Venus. A figura lembra a pose exata de uma escultura grega (a Vênus de Medici, à qual ele teve acesso sob o patrocínio deles), embora ele tenha adicionado cabelos fluidos e membros alongados. A figura ocupa o centro da tela, tradicionalmente reservada apenas para o sujeito da Virgem. Referindo-se à mitologia clássica, esta é talvez a imagem mais pagã de toda a Renascença. Primavera é outra pintura de tema clássico encomendada à família Medici. O Nascimento de Vénus, tempera sobre tela,1485 |
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Veja a Evolução da Imagem da Virgem
a Renascença do Norte