Free Press

Viktiga innovationer och konstnärer i den italienska renässansen

Jag har lagt in perspektivlinjer som illustrerar användningen av linjärt 1-punktsperspektiv i ”Vy av en idealisk stad”, en målning av Piero della Francesca. Konvergenspunkten kallas för försvinnande punkt.

Den italienska renässansen anses av historiker vara början på den moderna tiden. Själva namnet betyder bokstavligen ”pånyttfödelse”, vilket är en korrekt beskrivning av denna period av innovationer inom både vetenskap och konst. Den litterära konsten fick också stor uppmärksamhet, eftersom renässansens tänkare vände sig till antikens förlorade texter för att få ny förståelse. Detta förnyade intresse för historia, litteratur och konst var födelsen av ett helt nytt sätt att tänka, ett sätt som var centrerat på mänsklighetens värld lika mycket som en oro för det hinsides (vilket var den medeltida människans enda oro). Detta nya sätt att tänka kallas humanism och går tillbaka till det grekiska begreppet ”människan som måttstock för allting”. I och med uppfinningen av rörliga trycktyper under renässansen spreds nya idéer och gamla lärdomar snabbare än någonsin tidigare.
De allmänna datum som anges för renässansperioden är 1400-1550, och dess födelseort var otvivelaktigt Florens, en välmående handelsstad i Italien . Det var nödvändigt att odlingen av stora idéer och konst skulle börja i ett centrum med stort välstånd … för det krävdes sådant välstånd för att finansiera byggandet av stora katedraler som var utförligt dekorerade av de bästa konstnärerna som regionen hade att erbjuda. Förmögna medborgare donerade ofta sina pengar för specifika konstuppdrag, för både religiösa och världsliga projekt. De största konstmecenaterna i Florens var familjen Medici, som dekorerade sin stad med skulpturer hämtade från Grekland och Rom, gav konstnärer och arkitekter i uppdrag att skapa och som också finansierade de första universiteten.
De tydligaste förändringarna under renässansen syns i målningarna och skulpturerna. Även om de fortsatte den medeltida traditionen att använda religiösa ämnen och illustrerade berättelser från Bibeln, kombinerade de detta intresse med klassiska ideal för den mänskliga figuren och ett ökat intresse för att skildra naturen. Sekulära verk var också populära, ofta inspirerade av grekisk och romersk mytologi. Konstnärerna började för första gången experimentera med oljebaserade färger genom att blanda pulveriserade pigment med linolja (och gradvis överge den medeltida tekniken med äggtempera). Färgerna torkade långsamt och förblev bearbetningsbara i några månader. Freskotekniken användes på gipsväggar (den nådde sin fulländning med konstnärer som Michelangelo). Skulptur började utformas ”i runda slängar”, i stället för som reliefdekorationer på katedraler. Perspektiv och ljus introducerades också i konsten, vilket gjorde känslan av tredimensionell verklighet perfekt. Renässansens konstnärer gjorde ett så dramatiskt avtryck i sin uppfattning om rum och form att de har förändrat vårt sätt att se på världen för all framtid.

Den tidiga renässansen: Innovationer inom linjärt perspektiv och mänsklig anatomi

Giotto (1267-1337) anses vara ”renässansens fader”. Han karakteriseras som en protorenaissance-målare och hans verk är en övergång från den sena medeltiden (gotiken). Hans innovationer var användningen av ungefärligt perspektiv, ökad volym på figurerna och ett känslodjup som antyder mänskliga känslor i stället för statiska och passiva ikoner.

Klagan över Kristi död

. Templets rening

Se fler Giottofresker från Arenakapellet

Filippo Brunelleschi (1337-1446) var en florentinsk arkitekt och ingenjör; Den förste som utförde en rad optiska experiment som ledde till en matematisk teori om perspektiv. Brunelleschi utformade perspektivmetoden för arkitektoniska ändamål, men när perspektivmetoden publicerades 1435 (av Alberti) skulle den få en dramatisk inverkan på skildringen av tredimensionella rum i konsten. Se perspektivillustrationen högst upp på sidan.

Masaccio (1401- 1428) var en av de första konstnärerna som tillämpade den nya metoden med linjärt perspektiv i sin fresco av den heliga treenigheten. Det tunnvalvade taket imiterar med precision det arkitektoniska rummets faktiska utseende så som det skulle se ut från betraktarens synvinkel. Hans figurer är exakta i sin beskrivning av den mänskliga anatomin, påverkade av konstnärens studier av skulptur. I den här målningen ligger försvinnandepunkten under Jesu fötter. Illusionen av arkitekturen är så verklig att det känns som om väggen har öppnats upp för att avslöja scenen. Jesus, Fadern och den heliga anden (symboliserad av duvan) får sällskap av Maria och evangelisten Johannes. På sidorna finns donatorerna (vars grav upptäcktes under väggmålningen). Ett målat skelett ligger på en illusionistisk sarkofag under inskriptionen: ”

Den heliga treenigheten, fresco (se förstorad bild)

Masaccio inkluderar tre olika ögonblick av berättelsen i samma scen (en teknik som kallas ”kontinuerligt berättande”): I mitten frågar Petrus Jesus varför han skulle behöva betala skatteindrivaren eftersom hans lojalitet endast gäller Gud och inte romarna. Jesu svar är att ”ge romarna vad de har rätt till och Herren vad han har rätt till”. Han instruerar Petrus att hitta pengarna genom att gå ut och fiska (till vänster drar Petrus ut ett mynt ur fiskens mun), och till höger överlämnar Petrus tributpengarna till skatteindrivaren framför hans hus.

Piero della Francesca (1416-1492) var en annan tidig renässanskonstnär som uttryckte en besatthet av perspektiv. Hans verk kännetecknas av noggrant analyserade arkitektoniska rum, en känslighet för geometrisk renhet i formerna och en skulptural förståelse för figuren. Han var så besatt av perspektiv och geometri att han skrev flera avhandlingar i ämnet.

Piero della Francesca, The Discovery and Proving of the True Cross, fresco, 1452-59
(Web Gallery of Art: http://www.kfki.hu/~arthp)

Detta är bara en av flera väggmålningar inom en ”cykel” som skildrar legenden om det ”sanna korset”. Korset upptäcks tillsammans med de två korsen (av tjuvar som dog bredvid Jesus). Det sanna korset identifieras genom sin kraft att föra en död yngling tillbaka till livet.

Donatello (1386-1466) förde in en ny känsla av naturalism i skulpturen. Hans verk var några av de tidigaste som kom från katedralernas väggar och upptog tredimensionella rum. Hans figurer använder den klassiska contrapposto-ställningen (avslappnad och inte stel). Hans David tros också vara den allra första fullskaliga nakenskulpturen sedan antiken.David är den bibliska ynglingen som besegrar jätten Goliat. Även om det är svårt att se på det här fotografiet står David med sin vänstra fot ovanpå Goliats huvud. Det är intressant att jämföra denna skulptur med Michelangelos senare version.David, gjuten brons (158 cm.), 1444-46

Andrea Mantegna (1430-1506) skapade ovanliga utsiktspunkter i sina målningar, där han ofta betraktade figurer underifrån eller, i Klagomål över den döde Kristus, från motivets fötter, vilket krävde djup förkortning. Positionen var mycket effektiv när det gällde att placera betraktaren vid scenen och öka känslan av empati. Lamentation of the Dead Christ, tempera på duk, 1466

Klicka för att se en större bild av Venus

Sandro Botticelli (1445-1510) var den förste konstnären som målade en kvinnlig naken i full längd i sin Födelse av Venus. Figuren påminner faktiskt om den exakta ställningen hos en grekisk skulptur (Venus de Medici, som han hade tillgång till under deras beskydd), även om han har lagt till flödande hår och långsträckta lemmar. Figuren intar mitten av duken, vilket traditionellt sett endast var reserverat för Jungfrun. Med hänvisning till den klassiska mytologin är detta kanske den mest hedniska bilden under hela renässansen. Primavera (våren) är en annan målning med klassiskt motiv som beställdes för familjen Medici. Venus födelse, tempera på duk,1485

Se utvecklingen av bilden av jungfruen

till nordlig renässans

.