Schlüsselinnovationen und Künstler der italienischen Renaissance
Ich habe perspektivische Linien übereinander gelegt, die die Verwendung der linearen 1-Punkt-Perspektive in „Ansicht einer idealen Stadt“, einem Gemälde von Piero della Francesca, veranschaulichen. Der Punkt der Konvergenz wird als Fluchtpunkt bezeichnet.
Die italienische Renaissance wird von Historikern als Beginn der Neuzeit angesehen. Der Name selbst bedeutet wörtlich „Wiedergeburt“, eine treffende Beschreibung dieser Periode der Innovation sowohl in den Wissenschaften als auch in den Künsten. Auch der Literatur wurde große Aufmerksamkeit geschenkt, da sich die Denker der Renaissance den verlorenen Texten der antiken Welt zuwandten, um sie neu zu verstehen. Dieses erneuerte Interesse an Geschichte, Literatur und Kunst war die Geburtsstunde einer völlig neuen Denkweise, die sich auf die Welt der Menschen ebenso konzentrierte wie auf das Jenseits (das die einzige Sorge des mittelalterlichen Menschen war). Diese neue Denkweise wird als Humanismus bezeichnet und geht auf das griechische Konzept vom „Menschen als Maß aller Dinge“ zurück. Mit der Erfindung der beweglichen Lettern während der Renaissance verbreiteten sich die neuen Ideen und die antike Gelehrsamkeit schneller als je zuvor.
Die Renaissance wird allgemein auf die Jahre 1400-1550 datiert, und ihr Geburtsort ist eindeutig Florenz, eine wohlhabende Handelsstadt in Italien. Es war notwendig, dass die Kultivierung großer Ideen und Kunst in einem Zentrum großen Reichtums begann… denn dieser Wohlstand war notwendig, um den Bau großer Kathedralen zu finanzieren, die von den besten Künstlern, die die Region zu bieten hatte, kunstvoll verziert wurden. Wohlhabende Bürger spendeten oft ihr Geld für bestimmte Kunstaufträge, sowohl für religiöse als auch für weltliche Projekte. Die größten Kunstmäzene in Florenz waren die Medici, die ihre Stadt mit aus Griechenland und Rom mitgebrachten Skulpturen schmückten, Künstler und Architekten mit der Gestaltung beauftragten und auch die ersten Universitäten finanzierten.
Die deutlichsten Veränderungen während der Renaissance sind in der Malerei und Bildhauerei zu erkennen. Sie setzten zwar die mittelalterliche Tradition fort, religiöse Themen zu verwenden und Geschichten aus der Bibel zu illustrieren, verbanden dieses Interesse aber mit klassischen Idealen der menschlichen Figur und einem verstärkten Interesse an der Darstellung der Natur. Auch weltliche Werke waren beliebt, die oft von der griechischen und römischen Mythologie inspiriert waren. Die Künstler begannen erstmals mit Ölfarben zu experimentieren, indem sie pulverförmige Pigmente mit Leinöl mischten (und die mittelalterliche Technik der Eitempera allmählich aufgaben). Die Farben trockneten langsam und blieben einige Monate lang verarbeitbar. Die Freskotechnik wird auf Gipswänden angewendet (und von Künstlern wie Michelangelo perfektioniert). Die Bildhauerei begann, „rund“ zu werden, statt als Reliefdekoration an Kathedralen. Auch die Perspektive und das Licht wurden in die Kunst eingeführt und vervollkommneten den Sinn für die dreidimensionale Realität. Die Künstler der Renaissance hatten einen so großen Einfluss auf ihr Konzept von Raum und Form, dass sie die Art und Weise, wie wir die Welt betrachten, für alle Zeiten verändert haben.
Die frühe Renaissance: Innovationen in der linearen Perspektive und der menschlichen Anatomie
Giotto (1267-1337) gilt als der „Vater der Renaissance“. Er wird als Proto-Renaissance-Maler charakterisiert, sein Werk stellt einen Übergang vom Spätmittelalter (Gotik) dar. Seine Neuerungen waren die Verwendung der Annäherungsperspektive, ein größeres Volumen der Figuren und eine Gefühlstiefe, die anstelle von statischen und passiven Ikonen menschliche Gefühle suggeriert.
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Reinigung des Tempels |
Weitere Giotto-Fresken aus der Arena-Kapelle
Filippo Brunelleschi (1337-1446) war ein florentinischer Architekt und Ingenieur; Er war der erste, der eine Reihe optischer Experimente durchführte, die zu einer mathematischen Theorie der Perspektive führten. Brunelleschi entwickelte die perspektivische Methode für architektonische Zwecke, aber nachdem die perspektivische Methode 1435 (von Alberti) veröffentlicht worden war, sollte sie einen dramatischen Einfluss auf die Darstellung des dreidimensionalen Raums in der Kunst haben. Siehe die perspektivische Illustration oben auf der Seite.
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Masaccio (1401- 1428) war einer der ersten Künstler, der die neue Methode der linearen Perspektive in seinem Fresko der Heiligen Dreifaltigkeit anwendete. Das Tonnengewölbe ahmt mit Präzision das tatsächliche Aussehen des architektonischen Raumes nach, so wie er aus der Sicht des Betrachters erscheinen würde. Seine Figuren sind in ihrer Beschreibung der menschlichen Anatomie genau, beeinflusst durch das Studium der Bildhauerei des Künstlers. In diesem Gemälde befindet sich der Fluchtpunkt unter den Füßen von Jesus. Die Illusion der Architektur ist so real, dass man das Gefühl hat, die Wand sei geöffnet worden, um die Szene zu enthüllen. Jesus, der Vater und der Heilige Geist (symbolisiert durch die Taube) werden von Maria und dem Evangelisten Johannes begleitet. An den Seiten sind die Stifter zu sehen (deren Grab unter dem Wandbild entdeckt wurde). Ein gemaltes Skelett liegt auf einem illusionären Sarkophag unter der Inschrift: „Was ihr seid, war ich einst; was ich bin, werdet ihr werden“. |
 Die Heilige Dreifaltigkeit, Fresko (siehe vergrößerte Abbildung) |
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Masaccio fügt drei verschiedene Momente der Geschichte in dieselbe Szene ein (eine Technik, die als „kontinuierliche Erzählung“ bekannt ist): In der Mitte fragt Petrus Jesus, warum er den Zöllner bezahlen müsse, da er nur Gott und nicht den Römern treu sei. Jesus antwortet: „Gebt den Römern, was ihnen zusteht, und dem Herrn, was ihm zusteht. Er weist Petrus an, das Geld aufzutreiben, indem er fischen geht (links zieht Petrus eine Münze aus dem Maul des Fisches); und rechts übergibt Petrus das Tributgeld dem Steuereintreiber vor seinem Haus. |
Piero della Francesca (1416-1492) war ein weiterer Künstler der Frührenaissance, der eine Besessenheit von der Perspektive zeigte. Sein Werk zeichnet sich durch sorgfältig analysierte architektonische Räume, eine Sensibilität für geometrische Reinheit der Formen und ein skulpturales Verständnis der Figur aus. Er war so besessen von Perspektive und Geometrie, dass er mehrere Abhandlungen zu diesem Thema schrieb.
Piero della Francesca, Die Entdeckung und Bewährung des wahren Kreuzes, Fresko, 1452-59
(Web Gallery of Art: http://www.kfki.hu/~arthp)Dies ist nur eines von mehreren Wandgemälden innerhalb eines „Zyklus“, der die Legende vom „wahren Kreuz“ darstellt. Das Kreuz wird mit den beiden Kreuzen (der Diebe, die neben Jesus starben) entdeckt. Das wahre Kreuz ist daran zu erkennen, dass es die Macht hat, einen toten Jüngling wieder zum Leben zu erwecken.
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Donatello (1386-1466) brachte einen neuen Sinn für Naturalismus in die Bildhauerei. Seine Werke gehören zu den ersten, die sich von den Wänden der Kathedralen lösen und den dreidimensionalen Raum einnehmen. Seine Figuren nehmen die klassische Kontraposthaltung ein (entspannt und nicht starr). Sein David, der biblische Jüngling, der den Riesen Goliath besiegt, gilt als die erste Aktskulptur in Originalgröße seit der Antike. Auch wenn es auf diesem Foto schwer zu erkennen ist, steht David mit dem linken Fuß auf dem Kopf von Goliath. Es ist interessant, diese Skulptur mit der späteren Version von Michelangelo zu vergleichen.David, Bronzeguss (158 cm.), 1444-46 |
Klage des toten Christus, Tempera auf Leinwand, 1466 |
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 Klicken Sie, um ein größeres Bild der Venus zu sehen |
Sandro Botticelli (1445-1510) war der erste Künstler, der in seiner Geburt der Venus einen weiblichen Akt in voller Länge malte. Die Figur erinnert an die exakte Pose einer griechischen Skulptur (der Venus de Medici, zu der er unter deren Schirmherrschaft Zugang hatte), allerdings hat er fließendes Haar und verlängerte Gliedmaßen hinzugefügt. Die Figur nimmt die Mitte der Leinwand ein, die traditionell nur für das Motiv der Jungfrau reserviert ist. Dieses Bild, das sich auf die klassische Mythologie bezieht, ist vielleicht das heidnischste Bild der gesamten Renaissance. Primavera (Frühling) ist ein weiteres Gemälde mit klassischem Thema, das für die Familie Medici in Auftrag gegeben wurde. Die Geburt der Venus, Tempera auf Leinwand,1485 |
Siehe Entwicklung des Bildes der Jungfrau
zur nördlichen Renaissance