Free Press

Belangrijke vernieuwingen en kunstenaars van de Italiaanse Renaissance

Ik heb perspectieflijnen over elkaar gelegd die het gebruik van 1-punts lineair perspectief illustreren in “Gezicht op een Ideale Stad”, een schilderij van Piero della Francesca. Het punt van convergentie wordt het verdwijnpunt genoemd.

De Italiaanse Renaissance wordt door historici beschouwd als het begin van de moderne tijd. De naam zelf betekent letterlijk “wedergeboorte”, een nauwkeurige beschrijving van deze periode van vernieuwing in zowel de wetenschappen als de kunsten. Ook de literaire kunsten kregen veel aandacht, aangezien de denkers van de Renaissance zich tot de verloren teksten van de antieke wereld wendden voor een nieuw begrip. Deze hernieuwde belangstelling voor de geschiedenis, de literatuur en de kunsten was de geboorte van een geheel nieuwe manier van denken, die zich evenzeer op de wereld van de mensheid richtte als op het hiernamaals (dat de enige zorg van de middeleeuwse mens was). Deze nieuwe manier van denken wordt het humanisme genoemd en gaat terug op het Griekse concept van “de mens als maat van alle dingen”. Met de uitvinding van de boekdrukkunst tijdens de Renaissance verspreidden nieuwe ideeën en oude geleerden zich sneller dan ooit tevoren.
De algemene data die voor de Renaissance-periode worden gegeven zijn 1400-1550, en de geboorteplaats was onmiskenbaar Florence, een welvarende koopmansstad in Italië . Het was noodzakelijk dat de cultivering van grote ideeën en kunst zou beginnen in een centrum van grote rijkdom… want die rijkdom was nodig om de bouw van grote kathedralen te financieren, die rijkelijk versierd werden door de beste kunstenaars die de regio te bieden had. Rijke burgers doneerden vaak hun geld voor specifieke kunstopdrachten, voor zowel religieuze als wereldlijke projecten. De grootste kunstmecenassen in Florence waren de Medici, die hun stad versierden met uit Griekenland en Rome meegebrachte beeldhouwwerken, kunstenaars en architecten opdrachten gaven om te ontwerpen, en die ook de eerste universiteiten financierden.
De meest in het oog springende veranderingen tijdens de Renaissance zijn te zien in de schilder- en beeldhouwkunst. Hoewel zij de middeleeuwse traditie voortzetten van het gebruik van religieuze onderwerpen, het illustreren van verhalen uit de Bijbel, combineerden zij deze interesse met klassieke idealen van de menselijke figuur en een grotere belangstelling voor het afbeelden van de natuur. Ook wereldlijke werken waren populair, vaak geïnspireerd op de Griekse en Romeinse mythologie. Kunstenaars begonnen voor het eerst te experimenteren met verf op oliebasis, waarbij ze pigmenten in poedervorm mengden met lijnolie (waarbij ze geleidelijk de middeleeuwse techniek van de eitempera afstapten). De verven droogden langzaam en bleven een paar maanden verwerkbaar. De fresco-techniek werd toegepast op gipsen muren (en bereikte haar hoogtepunt bij kunstenaars als Michelangelo). Beeldhouwkunst begon “in het rond” te worden ontworpen, in plaats van als reliëfversiering op kathedralen. Perspectief en licht werden ook in de kunst geïntroduceerd, waardoor het gevoel van driedimensionale werkelijkheid werd geperfectioneerd. De kunstenaars van de Renaissance hadden zo’n dramatische invloed op hun concept van ruimte en vorm dat zij de manier waarop wij naar de wereld kijken voor altijd hebben veranderd.

De Vroege Renaissance: Innovaties in Lineair Perspectief en Menselijke Anatomie

Giotto (1267-1337) wordt beschouwd als de “Vader van de Renaissance”. Zijn werk, dat wordt gekarakteriseerd als een proto-renaissanceschilder, vormt een overgang vanuit de late middeleeuwen (gotiek). Zijn vernieuwingen waren het gebruik van benaderend perspectief, een groter volume van de figuren, en een diepte van emotie die menselijk gevoel suggereert in plaats van statische en passieve iconen.

Klaagzang over de dood van Christus

Reiniging van de Tempel

Zie meer Giotto fresco’s uit de Arenakapel

Filippo Brunelleschi (1337-1446) was een Florentijnse architect en ingenieur; De eerste die een reeks optische experimenten uitvoerde die leidden tot een wiskundige theorie van het perspectief. Brunelleschi bedacht de methode van het perspectief voor architectonische doeleinden, maar zodra de methode van het perspectief werd gepubliceerd in 1435 (door Alberti), zou het een dramatische invloed hebben op de weergave van 3-dimensionale ruimte in de kunst. Zie de perspectiefillustratie bovenaan de pagina.

Masaccio (1401- 1428) was een van de eerste kunstenaars die de nieuwe methode van lineair perspectief toepaste in zijn fresco van de Heilige Drie-eenheid. Het tongewelf imiteert met precisie de werkelijke verschijning van de architectonische ruimte zoals die vanuit het gezichtspunt van de toeschouwer zou verschijnen. Zijn figuren zijn nauwkeurig in hun beschrijving van de menselijke anatomie, beïnvloed door de studie van de beeldhouwer. In dit schilderij bevindt het verdwijnpunt zich onder de voeten van Jezus. De illusie van de architectuur is zo reëel dat het lijkt alsof de muur is opengebroken om het tafereel te onthullen. Jezus, de Vader en de Heilige Geest (gesymboliseerd door de duif) worden vergezeld door Maria en Johannes de Evangelist. Aan de zijkanten worden de schenkers (wiens graf onder de muurschildering werd ontdekt) geflankeerd. Een beschilderd skelet ligt op een illusionaire sarcofaag onder de inscriptie: “

De Heilige Drievuldigheid, fresco (zie vergrote afbeelding)

Masaccio verwerkt drie verschillende momenten van het verhaal in dezelfde scène (een techniek die bekend staat als “continuous narrative”): In het midden vraagt Petrus aan Jezus waarom hij de tollenaars moet betalen, aangezien hij alleen trouw is aan God en niet aan de Romeinen. Jezus antwoordt: “Geef aan de Romeinen wat hun toekomt en aan de Heer wat Hem toekomt. Hij draagt Petrus op het geld te vinden door te gaan vissen (links haalt Petrus een munt uit de bek van de vis); en rechts overhandigt Petrus het belastinggeld aan de tollenaar voor zijn huis.

Piero della Francesca (1416-1492) was een andere kunstenaar uit de vroege Renaissance die een obsessie voor perspectief tentoonspreidde. Zijn werk wordt gekenmerkt door zorgvuldig geanalyseerde architectonische ruimten, een gevoeligheid voor geometrische zuiverheid van vormen, en een sculpturaal begrip van de figuur. Hij was zo geobsedeerd door perspectief en geometrie, dat hij verschillende verhandelingen over dit onderwerp schreef.

Piero della Francesca, De ontdekking en het bewijs van het ware kruis, fresco, 1452-59
(Web Gallery of Art: http://www.kfki.hu/~arthp)

Dit is slechts een van de verschillende muurschilderingen binnen een “cyclus” die de legende van het “ware kruis” uitbeeldt. Het kruis wordt ontdekt met de twee kruisen (van dieven die naast Jezus stierven). Het ware kruis wordt geïdentificeerd door zijn kracht om een dode jongeling weer tot leven te wekken.

Donatello (1386-1466) bracht een nieuw gevoel van naturalisme in de beeldhouwkunst. Hij was een van de eerste beeldhouwwerken die van de muren van kathedralen afkwamen en een driedimensionale ruimte in beslag namen. Zijn figuren gebruiken de klassieke contrapposto-houding (ontspannen en niet stijf). Van zijn David wordt ook aangenomen dat het de allereerste naaktsculptuur op ware grootte is sinds de oudheid. David is de bijbelse jongeling die de reus Goliath overwint. Hoewel moeilijk te zien op deze foto, staat David met zijn linkervoet bovenop het hoofd van Goliath. Het is interessant om dit beeld te vergelijken met Michelangelo’s latere versie.David, gegoten brons (158 cm.), 1444-46

Andrea Mantegna (1430-1506) creëerde ongebruikelijke gezichtspunten in zijn schilderijen, waarbij hij vaak van onderaf naar figuren keek of, in Klaagliederen over de dode Christus, vanaf de voeten van de geportretteerde, waardoor diepe verkortingen nodig waren. De positie was zeer effectief in het plaatsen van de kijker op de scène, wat bijdroeg aan iemands gevoel van empathie. Lamentatie van de Dode Christus, tempera op doek, 1466

Klik om een grotere afbeelding van Venus te zien

Sandro Botticelli (1445-1510) was de eerste kunstenaar die een vrouwelijk naakt ten voeten uit schilderde in zijn Geboorte van Venus. De figuur herinnert in feite aan de exacte pose van een Grieks beeld (de Venus van de Medici, waartoe hij toegang had onder hun beschermheerschap), hoewel hij er vloeiend haar en langgerekte ledematen aan heeft toegevoegd. De figuur neemt het midden van het doek in, dat traditioneel alleen was voorbehouden aan de Maagd. Verwijzend naar de klassieke mythologie is dit misschien wel het meest heidense beeld van de hele Renaissance. Primavera (Lente) is een ander schilderij met een klassiek onderwerp, gemaakt in opdracht van de familie Medici. De Geboorte van Venus, tempera op doek,1485

Zie Evolutie van het beeld van de Maagd

tot Noordelijke Renaissance