Jak oglądamy dzieło filmowe, elementy takie jak narracja i struktura fabuły są niezbędne do naszej oceny, nawet jeśli nie zauważamy ich znaczenia od razu. Sposób opowiadania historii, zgłębiania idei i wyrażania wrażliwości artystycznej w dużym stopniu determinuje nasze osobiste preferencje dotyczące filmów.
Dźwięk i obraz są nierozerwalnie związane z tymi elementami i stanowią nasz pierwszy kontakt z filmem. Ale muszą one być uzupełnione wizją, która kontroluje ich władzę nad naszymi zmysłami. W tym miejscu pojawia się scenariusz.
Fascynujące jest to, że proces tworzenia filmu działa w odwrotnej kolejności. Scenariusz jest inicjatorem, nadaje filmową formę idei, która rodzi się w głowie scenarzysty. Pomysł zostaje przełożony na słowa, opisy atmosfery, nastrojów, ustawień i innych pouczających mechanizmów, które następnie pozwalają na przełożenie tego pomysłu na ekran.
Oczywiście, wiele zmian jest nieodłącznym elementem tego przejścia, zwłaszcza w przypadkach, gdy reżyser nie jest scenarzystą. Rzeczywista produkcja i postprodukcja daje swobodę w odkrywaniu nowych podejść stylistycznych do osiągnięcia celów określonych w scenariuszu.
A jednak, fundamentem wielkiego filmu jest częściej niż nie, zakorzeniony w scenariuszu. Ścieżka może być zmieniona podczas kręcenia filmu i w edycji, ale podróż zaczyna się od scenariusza. Wybitni scenarzyści nieustannie na nowo definiują strukturę filmów i sposób, w jaki język filmowy może być lepiej i efektywniej wykorzystywany poprzez ciągłe eksperymenty.
Oto 20 największych scenarzystów wszech czasów.
20. Hayao Miyazaki
Zamek Cagliostro, Nausicaä z Doliny Wiatru, Mój sąsiad Totoro, Doręczyciel Kiki, Porco Rosso, Księżniczka Mononoke, Spirited Away, Ruchomy zamek Howla, Ponyo, The Wind Rises
Nikt w historii filmu nie uchwycił szczerości dziecięcego poczucia cudowności, strachu, przygody, odwagi, prawości i inteligencji z takim poziomem niebotycznej wyobraźni, jak Miyazaki. Jego panowanie nad animowanymi światami, które tworzy, przewyższa każdego innego filmowca, który próbował swoich sił w tym medium. Jego postacie są radośnie urzekające, a jego fantastyczne historie wydają się nie znać emocjonalnych, intelektualnych czy artystycznych granic.
Znany z niezatartej dbałości o szczegóły, Miyazaki komponuje swoje dzieła jak żywe, soczyste symfonie. Wysokie dźwięki są zawsze nieznane i ekscytujące, a niskie satysfakcjonujące i melancholijne. Jego wizualnie wspaniałe kreacje nigdy nie przestają odurzać zarówno dzieci, jak i dorosłych swoją niezwykłą szczerością.
Pomimo, że wiele z jego prac, takich jak „Mój sąsiad Totoro”, „Księżniczka Mononoke” i „The Wind Rises” wpłynęło na pokolenia artystów anime i twórców filmów animowanych, jego największym osiągnięciem jest „Spirited Away”, które ostatecznie udowadnia jego metal i uwidacznia wszystko to, co sprawia, że jest tak ujmujący dla swoich widzów: nieograniczone ambicje, niesamowite detale i silna bohaterka, która wie, jak walczyć w swoich bitwach na własną rękę.
19. Ruth Prawer Jhabvala
Quartet, The Bostonians, A Room with a View, Mr. and Mrs. Bridge, Howards End, The Remains of the Day
Jedyna osoba, która zdobyła zarówno Man Booker Prize (za powieść „Heat and Dust”), jak i Oscara (zarówno za „Pokój z widokiem”, jak i „Howards End”), Ruth Prawer Jhabvala jest z łatwością najlepiej znana publiczności filmowej jako scenarzystka filmów Merchant Ivory, które utworzyły swój własny podgatunek filmów z epoki z doskonale skonstruowanymi, niskobudżetowymi, ale ambitnie zmontowanymi arcydziełami, które promieniowały nieskazitelnym dowcipem.
Wierzyli wiele z ich sukcesu do Jhabvala, którego pisanie jest tak elegancko prozaiczne i transportu, ale także delectably inteligentne i w najlepszym wydaniu, orzeźwiająco ironiczne podejście do brytyjskiej klasy wyższej. Tempo i występy były energiczne i rozpoznawalnie ekonomiczne. Ale filmy były również mistrzowsko powściągliwe i pod powierzchnią, zawierał zamiatanie emocji i głębi.
Jej najbardziej pamiętne dzieło jest bez wątpienia pogardliwe Merchant Ivory klasyczny „Howards End”, który gwiazdy brytyjskie legendy Anthony Hopkins, Vanessa Redgrave i Emma Thompson i subtelnie obiera każdą warstwę hipokryzji, że społeczeństwo z początku 1900s harbored. Dzięki niezmiernie delikatnym kreacjom aktorskim pozostaje jednym z najistotniejszych społecznie filmów wszech czasów.
18. Béla Tarr
Almanach upadku, Potępienie, Tango szatana, Harmonie Werckmeistera, Człowiek z Londynu, Koń turyński
Uznawany za jednego z najbardziej autorytatywnych twórców filmowych wszech czasów, Béla Tarr dzięki swoim wielkim refleksjom na temat głęboko ułomnej ludzkości stał się obowiązkową pozycją dla każdego poważnego miłośnika kina. Jego filmy poruszają się w celowo leniwym tempie i wszystkie są nakręcone w zapierającej dech w piersiach czerni i bieli (z wyjątkiem Almanachu jesieni), z długimi, powolnymi ujęciami, które cierpliwie dają widzom czas na refleksję i głębsze zrozumienie.
Ale na korzyść tego osobliwie monumentalnego stylu filmowego przemawia niezaprzeczalne mistrzostwo Tarra w nadawaniu swoim cudownie absurdalnym, egzystencjalnym przedsięwzięciom artystycznym cichej, głębokiej szczerości. Jego narracje nigdy nie wydają się nie na miejscu, ani nawet nieproporcjonalne do scenerii czy epoki, lecz zdają się zawierać w sobie wgląd na całe pokolenia.
Dwa filmy, które najlepiej to ilustrują, pojawiły się jeden po drugim w jego filmografii. W 1994 roku jego opus magnum, ponad siedmiogodzinne „Tango Szatana”, które było niemożliwie ponurym obrazem ludzkości, natychmiast uczyniło z niego ulubieńca kinomanów. W „Werckmeister Harmonies” z 2000 roku jego kontrola nad medium była bezsprzeczna i jest to z pewnością jedno z największych, najbardziej pomysłowych dzieł sztuki, jakie kiedykolwiek powstały.
17. Robert Bresson
Diary of a Country Priest, A Man Escaped, Pickpocket, The Trial of Joan of Arc, Au Hasard Balthazar, Lancelot du Lac, L’argent
Na samo wspomnienie o Robercie Bressonie, twórcy, który według Jeana Luc-Godarda był „francuskim kinem”, od razu przychodzi na myśl minimalistyczny, delikatny, nieustannie poruszający „Au Hasard Balthazar”. W swojej karierze, trwającej cztery dekady, Bresson wykorzystywał ciszę i wyciszoną niedoskonałość kina w sposób triumfalny.
Filmowcy tacy jak Michael Haneke (który umieścił swojego „Lancelota du Lac” na drugim miejscu w plebiscycie Sight and Sound na najlepsze filmy w historii kina) wciąż powołują się na jego genialną twórczość jako ogromny wpływ. Pracował głównie z aktorami nieprofesjonalnymi i podobnie jak inny mistrz filmowy Ermanno Olmi uchwycił istotę życia poprzez kontemplacyjne wykorzystanie mise en scene i zadziwiająco proste dialogi.
16. Akira Kurosawa
Drunken Angel, Rashomon, Ikiru, Siedmiu samurajów, Tron krwi, Yojimbo, High and Low, Kagemusha, Ran, Dreams
Bez wątpienia najbardziej znany i prawdopodobnie najbardziej powszechnie uwielbiany twórca filmowy z Japonii, Akira Kurosawa był przełomową postacią w kontekście kina. Przyniósł bezprecedensową uwagę filmom azjatyckim i utorował drogę innym filmowcom z jego kraju do uznania na całym świecie. Został uznany za „Azjatę stulecia” w kategorii „Sztuka, literatura i kultura” przez magazyn AsiaWeek.
Jego filmy przeczyły wszelkim konwencjom, wprowadzając nowy styl rozrywki z oszałamiającymi wizualizacjami i porywającymi sekwencjami akcji. Ale być może najbardziej oszałamiającym osiągnięciem w jego karierze było umiejętne kreowanie postaci. Jego narracje miały wszystkie elementy, aby cię zaniepokoić, zachwycić i zadziwić, ale jego wyraźne, gromko nieusuwalne postacie wzbogacają jego dzieła bez wysiłku, czyniąc go jednym z największych opowiadaczy historii wszech czasów.
15. Paul Thomas Anderson
Boogie Nights, Magnolia, Punch-Drunk Love, There Will Be Blood, The Master, Inherent Vice
Jest coś w pisarskim i filmowym stylu Paula Thomasa Andersona, który w ciągu całej jego kariery rozwijał się tak stabilnie, w najbardziej nieskazitelnych warunkach, a w ostatnich kilku filmach zaczął odzwierciedlać Kubrickowskie poczucie dwuznaczności i atmosfery. Jego wczesne filmy, choć nie tak wymyślne wizualnie, uchwyciły szaleńczą suwerenność i niedopowiedzianą szczodrość emocji, jak niewiele innych dzieł sztuki w kinie.
Postacie Andersona, takie jak Lancaster Dodd i Freddie Quell z „Mistrza”, prawdopodobnie jego najbardziej udanej fabuły, są tak zręcznie oderwane od otaczającego je świata, a jednak działają jako doskonałe urządzenia dla Andersona, aby przekazać pełnowartościowe, zniuansowane lekcje na temat tego właśnie świata. Potrafi przejść od złośliwej, ostrej ironii do nie dającej się sklasyfikować czułości w ciągu kilku sekund, czego najlepszym przykładem jest tempo „Magnolii”.
Jest niewątpliwa różnorodność w jego pracy, ale film Andersona jest całkowicie wyróżniający się ze względu na jego zamiłowanie do obserwacyjnych, kontemplacyjnych dialogów i bogato niecentralnych postaci można znaleźć w każdym jego filmie. „Punch-Drunk Love” i „Aż poleje się krew” istnieją w światach, które nigdy się nie zderzą, poza tym, że są bezbłędnymi realizacjami jednego genialnego scenarzysty, który zanurza nas w nich tak, jak nikt inny nie potrafił.