När vi tittar på ett filmverk är element som berättelse och strukturering av handlingen oumbärliga för vår bedömning av det, även om vi inte märker deras relevans direkt. Det sätt på vilket en historia berättas, en idé utforskas och en konstnärlig känslighet uttrycks avgör i stor utsträckning våra personliga preferenser när det gäller filmer.
Ljudet och bilden är oupplösligt kopplade till dessa element och utgör vår första kontakt med filmen. Men de måste kompletteras av en vision som kontrollerar deras grepp om våra sinnen. Det är där manuskriptet kommer in.
Fascinerande nog fungerar filmskapandeprocessen tvärtom. Manuset är initiativtagaren som ger filmisk form åt en idé som föds i manusförfattarens huvud. Idén översätts till ord, beskrivningar av atmosfärer, stämningar, miljöer och andra instruktiva mekanismer som sedan möjliggör en översättning av denna idé på filmduken.
Naturligtvis är många ändringar inneboende i denna övergång, särskilt i de fall där regissören inte är manusförfattaren. Själva produktionen och efterproduktionen ger utrymme för att upptäcka nya stilistiska tillvägagångssätt för att uppnå de mål som definierats i manuset.
Men ändå är grunden för en bra film oftast förankrad i ett manuskript. Vägen kan ändras under inspelning och redigering, men resan börjar med manuset. Anmärkningsvärda manusförfattare har ständigt omdefinierat hur filmer är uppbyggda och hur filmspråket kan användas på ett bättre och effektivare sätt genom konstant experimenterande.
Så här är 20 av de största manusförfattarna genom tiderna.
20. Hayao Miyazaki
Cagliostros slott, Nausicaä of the Valley of the Wind, Min granne Totoro, Kiki’s Delivery Service, Porco Rosso, Prinsessan Mononoke, Spirited Away, Howl’s Moving Castle, Ponyo, The Wind Rises
Ingen i filmhistorien har fångat uppriktigheten i ett barns känsla av förundran, rädsla, äventyr, mod, rättfärdighet och intelligens med en sådan nivå av överväldigande fantasi som Miyazaki har gjort. Hans behärskning av de animerade världar han skapar överträffar alla andra filmskapare som har sysslat med detta medium. Hans karaktärer är glädjande fängslande och hans fantastiska berättelser tycks inte känna några känslomässiga, intellektuella eller konstnärliga gränser.
Miyazaki, som är känd för sin outplånliga uppmärksamhet på detaljer, komponerar sina verk som livfulla och fylliga symfonier. De höga tonerna är alltid obekanta och spännande och de låga tonerna är glädjande och melankoliska. Hans visuellt praktfulla skapelser misslyckas aldrig med att berusa både barn och vuxna med sin okarakteristiska ärlighet.
Men även om många av hans verk som ”Min granne Totoro”, ”Prinsessan Mononoke” och ”Vinden reser sig” har påverkat generationer av animekonstnärer och animationsfilmare, är hans största prestation ”Spirited Away” som slutgiltigt bevisar hans metall och tydliggör allt det som gör honom så omtyckt av publiken: gränslösa ambitioner, otrolig detaljrikedom och en stark kvinnlig huvudperson som vet hur man utkämpar sina strider på egen hand.
19. Ruth Prawer Jhabvala
Quartet, The Bostonians, A Room with a View, Mr. and Mrs. Bridge, Howards End, The Remains of the Day
Ruth Prawer Jhabvala är den enda person som har vunnit både Man Booker Prize (för sin roman ”Heat and Dust”) och en Oscar (för både ”A Room with a View” och ”Howards End”), men är lätt mest känd för filmpubliken som författare till Merchant Ivory-filmerna, som bildade en egen subgenre av periodfilmer med utsökt strukturerade, lågbudgeterade, men ändå ambitiöst monterade mästerverk som utstrålade oklanderlig humor.
De hade en stor del av sin framgång att tacka Jhabvala, vars författarskap är så elegant prosaiskt och medryckande, men också läckert smart och i bästa fall en uppfriskande ironisk syn på den brittiska överklassen. Tempot och prestationerna var galna och igenkännbart ekonomiska. Men filmerna var också mästerligt återhållsamma och under ytan fanns svepande känslor och djup.
Hennes mest minnesvärda verk är utan tvekan den svidande Merchant Ivory-klassikern ”Howards End” med de brittiska legenderna Anthony Hopkins, Vanessa Redgrave och Emma Thompson i huvudrollerna, och som på ett subtilt sätt skalar av varje lager av hyckleri som det tidiga 1900-talets samhälle hycklade. Med sina oerhört känsliga prestationer är den också fortfarande en av de mest socialt relevanta filmerna genom tiderna.
18. Béla Tarr
Almanac of Fall, Damnation, Satan’s Tango, Werckmeister Harmonies, The Man from London, The Turin Horse
Béla Tarrs storslagna reflektioner över en mänsklighet med djupa brister har gjort honom till ett måste för varje seriös filmälskare. Hans filmer rör sig i ett medvetet långsamt tempo och är alla filmade i hisnande svartvitt (med undantag för Almanac of Fall), med långa långsamma tagningar som tålmodigt ger publiken tid för eftertanke och djupare förståelse.
Men till förmån för denna unikt monumentala filmstil är Tarrs obestridliga mästaregenskaper när det gäller att göra sina underbart absurda existentiella konstnärliga strävanden tysta, djupt ärliga. Hans berättelser känns aldrig malplacerade eller ens oproportionerliga i förhållande till miljön eller perioden, utan tycks i sig själva innehålla generationer av insikter.
De två filmer som bäst exemplifierar detta kom efter varandra i hans filmografi. År 1994 kom hans magnum opus, den över sju timmar långa ”Satan’s Tango”, som var en omöjligt dyster skildring av mänskligheten och som omedelbart gjorde honom till en cinefil favorit. Med 2000 års ”Werckmeister Harmonies” var hans kontroll över mediet obestridlig och är utan tvekan ett av de största och mest fantasifulla konstverken som någonsin gjorts.
17. Robert Bresson
Diary of a Country Priest, A Man Escaped, Pickpocket, The Trial of Joan of Arc, Au Hasard Balthazar, Lancelot du Lac, L’argent
Man tänker genast på den minimalistiska, ömsinta, oavbrutet rörliga ”Au Hasard Balthazar” när man nämner Robert Bresson, en filmskapare som enligt Jean Luc-Godard var ”fransk film”. Under sin karriär som sträckte sig över fyra decennier utnyttjade Bresson filmens tystnad och dämpade ofullkomlighet på ett mycket triumferande sätt.
Filmare som Michael Haneke (som placerade sin ”Lancelot du Lac” på andra plats i Sight and Sound-omröstningen om de bästa filmerna någonsin) fortsätter att nämna hans geniala arbete som ett enormt inflytande. Han arbetade till stor del med icke-professionella skådespelare och liksom en annan mästerlig filmskapare, Ermanno Olmi, fångade han livets essens genom sin kontemplativa användning av mise en scene och en förvånansvärt enkel dialog.
16. Akira Kurosawa
Drunken Angel, Rashomon, Ikiru, Seven Samurai, Throne of Blood, Yojimbo, High and Low, Kagemusha, Ran, Dreams
Akira Kurosawa, som är den mest välkända och troligen den mest universellt älskade filmskaparen från Japan, var en omvälvande global aktör i filmkontext. Han gav asiatisk film en aldrig tidigare skådad uppmärksamhet och banade väg för andra filmskapare från hans land att bli erkända över hela världen. Han nämndes som ”århundradets asiat” i kategorin ”konst, litteratur och kultur” av tidskriften AsiaWeek.
Hans filmer trotsade alla konventioner och introducerade en ny stil av underhållning med ögonbedövande bilder och fängslande actionsekvenser. Men den kanske mest häpnadsväckande prestationen i hans karriär var hans skickliga gestaltning av karaktärer. Hans berättelser hade alla element för att störa, fängsla och förvåna dig, men hans distinkta, åskådligt outplånliga karaktärer berikar hans verk utan ansträngning, vilket gör honom till en av de största historieberättarna genom tiderna.
15. Paul Thomas Anderson
Boogie Nights, Magnolia, Punch-Drunk Love, There Will Be Blood, The Master, Inherent Vice
Det finns något i Paul Thomas Andersons skriv- och filmstil som har vuxit så stadigt, i de mest orörda termer under loppet av hans karriär, och som i de senaste filmerna har kommit att spegla en kubrickiansk känsla av tvetydighet och atmosfär. Hans tidiga filmer, även om de inte är lika visuellt fantasifulla, fångar en rasande suveränitet och en underskattad generositet i känslorna som få andra konstverk inom filmkonsten.
Andersons karaktärer som Lancaster Dodd och Freddie Quell från ”The Master”, som utan tvekan är hans mest fulländade film, är så skickligt åtskilda från den värld som omger dem, men fungerar ändå som perfekta redskap för att Anderson ska kunna förmedla fylliga, nyanserade lärdomar om just den världen. Han kan gå från ond, våldsam ironi till oklassificerbar ömhet på några sekunder, vilket bäst exemplifieras av tempot i ”Magnolia”.
Det finns en omisskännlig variation i hans arbete, men en Anderson-film är helt och hållet urskiljbar på grund av att hans förkärlek för observerande, kontemplativ dialog och rikt avvikande karaktärer återfinns i varenda en av hans filmer. ”Punch-Drunk Love” och ”There Will Be Blood” existerar i världar som aldrig kolliderar, förutom att de är felfria förverkliganden av en briljant manusförfattare som fördjupar oss i dem som ingen annan skulle kunna göra.