Når vi ser et filmisk værk, er elementer som fortælling og plotstrukturering uundværlige for vores vurdering af det, selv om vi ikke lægger mærke til deres relevans med det samme. Den måde, hvorpå en historie fortælles, en idé udforskes og en kunstnerisk sensibilitet kommer til udtryk, bestemmer i høj grad vores personlige præferencer, når det gælder film.
Lyd og billede er uløseligt forbundet med disse elementer og udgør vores første kontakt med filmen. Men de skal suppleres af et syn, der kontrollerer deres greb om vores sanser. Det er her, manuskriptet kommer ind i billedet.
Fascinerende nok fungerer filmproduktionsprocessen omvendt. Manuskriptet er initiativtageren, der giver filmisk form til en idé, der er født i manuskriptforfatterens hoved. Ideen omsættes til ord, beskrivelser af atmosfærer, stemninger, indstillinger og andre instruktive mekanismer, der så giver mulighed for en oversættelse af denne idé på lærredet.
Selvfølgelig er der mange ændringer iboende i denne overgang, især i de tilfælde, hvor instruktøren ikke er manuskriptforfatter. Selve produktionen og postproduktionen giver mulighed for at opdage nye stilistiske tilgange til at nå de mål, der er defineret i manuskriptet.
Men alligevel er grundlaget for en god film oftest forankret i et manuskript. Vejen kan ændres under optagelserne og i redigeringen, men rejsen begynder med manuskriptet. Bemærkelsesværdige manuskriptforfattere har konstant redefineret, hvordan film er struktureret, og hvordan filmsproget kan udnyttes bedre og mere effektivt ved konstant at eksperimentere.
Så her er 20 af de største manuskriptforfattere gennem tiderne.
20. Hayao Miyazaki
Cagliostros slot, Nausicaä of the Valley of the Wind, Min nabo Totoro, Kiki’s Delivery Service, Porco Rosso, Prinsesse Mononoke, Spirited Away, Howl’s Moving Castle, Ponyo, The Wind Rises
Ingen i filmhistorien har fanget oprigtigheden af et barns følelse af forundring, frygt, eventyr, mod, retfærdighed og intelligens med et niveau af tårnhøj fantasi, som Miyazaki har. Hans beherskelse af de animerede verdener, han skaber, overgår enhver anden filmskaber, der har forsøgt sig med dette medie. Hans karakterer er glædeligt fortryllende, og hans fantastiske historier synes ikke at kende nogen følelsesmæssige, intellektuelle eller kunstneriske grænser.
Miyazaki er kendt for sin uudslettelige opmærksomhed på detaljer og komponerer sine værker som levende, overdådige symfonier. De høje toner er altid uvante og spændende, og de lave toner er tilfredsstillende og melankolske. Hans visuelt prægtige kreationer undlader aldrig at beruse både børn og voksne med deres ukarakteristiske ærlighed.
Mens mange af hans værker som “Min nabo Totoro”, “Prinsesse Mononoke” og “Vinden rejser sig” har påvirket generationer af anime-kunstnere og animationsfilmskabere, er hans største bedrift “Spirited Away”, der endegyldigt beviser hans metal og tydeliggør alt det, der gør ham så elskelig for sit publikum: grænseløs ambition, utrolig detaljering og en stærk kvindelig hovedperson, der forstår at kæmpe sine kampe på egen hånd.
19. Ruth Prawer Jhabvala
Kvartet, The Bostonians, A Room with a View, Mr. and Mrs. Bridge, Howards End, The Remains of the Day
Den eneste person, der har vundet både Man Booker Prize (for sin roman “Heat and Dust”) og en Oscar (for både “A Room with a View” og “Howards End”), er Ruth Prawer Jhabvala uden tvivl bedst kendt af filmpublikummet som forfatter til Merchant Ivory-filmene, der dannede deres egen subgenre af periodefilm med udsøgt strukturerede, lavbudgetterede, men ambitiøst monterede mesterværker, der udstrålede upåklagelig humor.
De skyldte en stor del af deres succes til Jhabvala, hvis forfatterskab er så elegant prosaisk og medrivende, men også lækkert smart og i bedste fald et forfriskende ironisk syn på den britiske overklasse. Tempoet og præstationerne var skøre og genkendeligt økonomiske. Men filmene var også mesterligt tilbageholdende og indeholdt under overfladen medrivende følelser og dybde.
Hendes mest mindeværdige værk er uden tvivl den skingre Merchant Ivory-klassiker “Howards End”, der har de britiske legender Anthony Hopkins, Vanessa Redgrave og Emma Thompson i hovedrollerne og subtilt skræller alle lag af hykleri, som samfundet i begyndelsen af 1900-tallet gemte på. Med umådeligt delikate præstationer er den også fortsat en af de mest socialt relevante film nogensinde.
18. Béla Tarr
Almanac of Fall, Damnation, Satan’s Tango, Werckmeister Harmonies, The Man from London, The Turin Horse
Luderet som en af de mest autoritative filmskabere gennem tiderne har Béla Tarrs storslåede refleksioner af en dybt fejlbehæftet menneskehed gjort ham til et must for enhver seriøs filmelsker. Hans film bevæger sig i et bevidst sløvt tempo og er alle filmet i betagende sort/hvid (med undtagelse af Almanac of Fall), med lange langsomme takes, der tålmodigt giver publikum tid til eftertanke og dybere forståelse.
Men til gavn for denne enestående monumentale filmstil er Tarrs ubestridelige mesterskab i at gøre sine vidunderligt absurde eksistentielle kunstneriske bestræbelser stille og dybt ærlige. Hans fortællinger føles aldrig malplacerede eller endog ude af proportioner med omgivelserne eller perioden, men synes i sig selv at indeholde generationer af indsigt.
De to film, der bedst illustrerer dette, kom efter hinanden i hans filmografi. I 1994 gjorde hans magnum opus, den over syv timer lange “Satan’s Tango”, som var en umulig dyster fremstilling af menneskeheden, ham øjeblikkeligt til en cinephil favorit. Med “Werckmeister Harmonies” fra 2000 var hans kontrol over mediet uomtvistelig og er uden tvivl et af de største og mest fantasifulde kunstværker, der nogensinde er blevet lavet.
17. Robert Bresson
Diary of a Country Priest, A Man Escaped, Pickpocket, The Trial of Joan of Arc, Au Hasard Balthazar, Lancelot du Lac, L’argent
Man tænker straks på den minimalistiske, ømme, uophørligt bevægende “Au Hasard Balthazar” ved blot at nævne Robert Bresson, en filmskaber, der ifølge Jean Luc-Godard var “fransk filmkunst”. I løbet af sin karriere, der strakte sig over fire årtier, udnyttede Bresson filmens stilhed og afdæmpede ufuldkommenhed i et enormt triumferende omfang.
Filmfolk som Michael Haneke (der placerede sin “Lancelot du Lac” på andenpladsen i Sight and Sound’s afstemning om de bedste film nogensinde) fortsætter med at nævne hans geniale arbejde som en enorm indflydelse. Han arbejdede i vid udstrækning med ikke-professionelle skuespillere, og ligesom en anden mesterfilmskaber Ermanno Olmi indfangede han livets essens gennem sin kontemplative brug af mise en scene og en forbløffende enkel dialog.
16. Akira Kurosawa
Drunken Angel, Rashomon, Ikiru, Seven Samurai, Throne of Blood, Yojimbo, High and Low, Kagemusha, Ran, Dreams
Akira Kurosawa, der er den mest kendte og sandsynligvis den mest universelt elskede filmskaber fra Japan, var en spilforandrende global tilstedeværelse i forbindelse med film. Han skabte en hidtil uset opmærksomhed omkring asiatiske film og banede vejen for, at andre filmskabere fra hans land kunne blive anerkendt på verdensplan. Han blev nævnt som “Århundredets asiat” i kategorien “Kunst, litteratur og kultur” af magasinet AsiaWeek.
Hans film trodsede alle konventioner og indvarslede en ny stil af underholdning med øjenåbnende billeder og fængslende actionsekvenser. Men den måske mest overvældende præstation i hans karriere var hans dygtige udformning af karakterer. Hans fortællinger havde alle elementer til at forstyrre, betage og forbløffe dig, men hans tydelige, tordnende uudslettelige karakterer beriger hans værker ubesværet, hvilket gør ham til en af de største historiefortællere nogensinde.
15. Paul Thomas Anderson
Boogie Nights, Magnolia, Punch-Drunk Love, There Will Be Blood, The Master, Inherent Vice
Der er noget ved Paul Thomas Andersons skrive- og filmstil, der er vokset så støt, i de mest uberørte vendinger i løbet af hans karriere og i hans sidste par film er kommet til at afspejle en Kubricksk følelse af tvetydighed og atmosfære. Hans tidlige film, selv om de ikke er så visuelt fantasifulde, indfanger en rasende suverænitet og underspillet generøsitet i følelserne som få andre kunstværker i filmkunsten.
Andersons karakterer som Lancaster Dodd og Freddie Quell fra “The Master”, der nok er hans mest gennemførte spillefilm, er så behændigt adskilt fra den verden, der omgiver dem, og fungerer alligevel som perfekte redskaber for Anderson til at give fyldige, nuancerede lektioner om netop denne verden. Han kan gå fra ondskabsfuld, voldsom ironi til uklassificerbar ømhed på få sekunder, hvilket bedst illustreres af tempoet i “Magnolia”.
Der er umiskendelig variation i hans værk, men en Anderson-film er helt og aldeles karakteristisk, fordi hans forkærlighed for observerende, kontemplativ dialog og rigt udadvendte karakterer kan findes i hver eneste af hans film. “Punch-Drunk Love” og “There Will Be Blood” eksisterer i verdener, der aldrig kolliderer, bortset fra at de er fejlfrie realiseringer af en genial manuskriptforfatter, der fordyber os i dem, som ingen anden kunne.