Wenn wir ein filmisches Werk betrachten, sind Elemente wie die Erzählweise und die Strukturierung der Handlung für unser Urteil unabdingbar, auch wenn wir ihre Bedeutung nicht sofort erkennen. Die Art und Weise, wie eine Geschichte erzählt, eine Idee erforscht und ein künstlerisches Empfinden ausgedrückt wird, bestimmt zu einem großen Teil unsere persönlichen Vorlieben, wenn es um Filme geht.

Der Ton und das Bild sind untrennbar mit diesen Elementen verbunden und bilden unseren ersten Kontakt mit dem Film. Aber sie müssen durch eine Vision ergänzt werden, die ihre Macht über unsere Sinne kontrolliert. An dieser Stelle kommt das Drehbuch ins Spiel.

Faszinierenderweise funktioniert der Prozess des Filmemachens in umgekehrter Weise. Das Drehbuch ist der Initiator, der einer Idee, die im Kopf des Drehbuchautors geboren wird, eine filmische Form gibt. Die Idee wird in Worte übersetzt, in Beschreibungen von Atmosphären, Stimmungen, Schauplätzen und anderen instruktiven Mechanismen, die dann eine Übersetzung dieser Idee auf die Leinwand ermöglichen.

Natürlich sind diesem Übergang viele Veränderungen inhärent, insbesondere in Fällen, in denen der Regisseur nicht der Drehbuchautor ist. Die eigentliche Produktion und die Nachbearbeitung lassen Spielraum, um neue stilistische Ansätze zu entdecken, um die im Drehbuch definierten Ziele zu erreichen.

Und doch ist das Fundament eines großen Films meistens im Drehbuch verwurzelt. Der Weg kann während der Dreharbeiten und beim Schnitt geändert werden, aber die Reise beginnt mit dem Drehbuch. Bedeutende Drehbuchautoren haben immer wieder neu definiert, wie Filme aufgebaut sind und wie die Filmsprache durch ständiges Experimentieren besser und effizienter genutzt werden kann.

Hier sind also 20 der größten Drehbuchautoren aller Zeiten.

20. Hayao Miyazaki

Das Schloss von Cagliostro, Nausicaä im Tal des Windes, Mein Nachbar Totoro, Kikis Lieferservice, Porco Rosso, Prinzessin Mononoke, Spirited Away, Howl’s Moving Castle, Ponyo, The Wind Rises

Niemand in der Filmgeschichte hat die Aufrichtigkeit des kindlichen Gefühls von Staunen, Angst, Abenteuer, Mut, Rechtschaffenheit und Intelligenz mit einem solchen Maß an überragender Fantasie eingefangen wie Miyazaki. Seine Beherrschung der animierten Welten, die er erschafft, übertrifft jeden anderen Filmemacher, der sich in diesem Medium versucht hat. Seine Figuren sind mitreißend und seine phantastischen Geschichten scheinen keine emotionalen, intellektuellen oder künstlerischen Grenzen zu kennen.

Miyazaki ist bekannt für seine unauslöschliche Liebe zum Detail und komponiert seine Werke wie lebendige, üppige Symphonien. Die hohen Töne sind immer ungewohnt und aufregend, die tiefen Töne sind erfreulich und melancholisch. Seine visuell prächtigen Kreationen berauschen Kinder und Erwachsene gleichermaßen mit ihrer untypischen Ehrlichkeit.

Während viele seiner Werke wie „Mein Nachbar Totoro“, „Prinzessin Mononoke“ und „The Wind Rises“ Generationen von Anime-Künstlern und Animationsfilmemachern beeinflusst haben, ist seine größte Leistung „Spirited Away“, der sein Metall endgültig unter Beweis stellt und all das deutlich macht, was ihn für sein Publikum so liebenswert macht: grenzenloser Ehrgeiz, unglaubliche Detailtreue und eine starke weibliche Protagonistin, die es versteht, ihre Kämpfe auf eigene Faust zu führen.

19. Ruth Prawer Jhabvala

Quartet, The Bostonians, A Room with a View, Mr. and Mrs. Bridge, Howards End, The Remains of the Day

Die einzige Person, die sowohl den Man Booker Prize (für ihren Roman „Heat and Dust“) als auch den Oscar (sowohl für „A Room with a View“ als auch für „Howards End“) gewonnen hat, ist dem Kinopublikum wohl am besten als Autorin der Merchant Ivory-Filme bekannt, die mit ihren exquisit strukturierten, preisgünstigen und dennoch ambitioniert inszenierten Meisterwerken, die tadellosen Witz ausstrahlen, ein eigenes Subgenre des Historienfilms bildeten.

Sie verdankten ihren Erfolg zu einem großen Teil Jhabvala, dessen Texte so elegant prosaisch und mitreißend sind, aber auch köstlich klug und in ihren besten Momenten eine erfrischend ironische Sicht auf die britische Oberschicht bieten. Das Tempo und die Darbietungen waren witzig und erkennbar ökonomisch. Aber die Filme waren auch meisterhaft zurückhaltend und enthielten unter der Oberfläche mitreißende Emotionen und Tiefe.

Ihr denkwürdigstes Werk ist zweifellos der beißende Merchant Ivory-Klassiker „Howards End“ mit den britischen Legenden Anthony Hopkins, Vanessa Redgrave und Emma Thompson in den Hauptrollen, der auf subtile Weise jede Schicht der Heuchelei abblättert, die die Gesellschaft der frühen 1900er Jahre beherbergte. Mit seinen unermesslich delikaten Darbietungen bleibt er auch einer der gesellschaftlich relevantesten Filme aller Zeiten.

18. Béla Tarr

Almanach des Untergangs, Verdammnis, Satans Tango, Werckmeister Harmonies, Der Mann aus London, Das Turiner Pferd

Béla Tarr gilt als einer der bedeutendsten Filmemacher aller Zeiten und ist mit seinen großartigen Reflexionen über eine zutiefst fehlerhafte Menschheit ein Muss für jeden ernsthaften Filmliebhaber. Seine Filme bewegen sich in einem bewusst gemächlichen Tempo und sind alle in atemberaubendem Schwarzweiß gefilmt (mit Ausnahme von Almanach des Herbstes), mit langen, langsamen Einstellungen, die dem Zuschauer geduldig Zeit zum Nachdenken und tieferen Verständnis geben.

Aber dieser einzigartige, monumentale Stil des Filmemachens kommt Tarrs unbestreitbare Meisterschaft zugute, seine herrlich absurden existenziellen künstlerischen Unternehmungen leise und zutiefst ehrlich zu gestalten. Seine Erzählungen wirken nie deplatziert oder gar unangemessen für den Schauplatz oder die Zeit, sondern scheinen in sich die Erkenntnisse von Generationen zu bergen.

Die beiden Filme, die dies am besten veranschaulichen, entstanden in seiner Filmografie nacheinander. 1994 machte ihn sein Opus magnum, der über sieben Stunden lange „Satans Tango“, eine unfassbar düstere Darstellung der Menschheit, auf Anhieb zum Liebling der Cineasten. Mit „Werckmeister Harmonies“ aus dem Jahr 2000 war seine Beherrschung des Mediums unbestreitbar und ist mit Sicherheit eines der größten und einfallsreichsten Kunstwerke, die je geschaffen wurden.

17. Robert Bresson

Tagebuch eines Landpfarrers, Ein Mann auf der Flucht, Taschendieb, Der Prozess der Jeanne d’Arc, Au Hasard Balthazar, Lancelot du Lac, L’argent

Bei der Erwähnung von Robert Bresson denkt man sofort an den minimalistischen, zärtlichen, unaufhörlich bewegenden „Au Hasard Balthazar“, einen Filmemacher, der laut Jean Luc-Godard „das französische Kino“ war. Während seiner vier Jahrzehnte währenden Karriere hat Bresson die Stille und die gedämpfte Unvollkommenheit des Kinos in triumphaler Weise ausgenutzt.

Filmemacher wie Michael Haneke (der seinen „Lancelot du Lac“ auf den zweiten Platz der Sight and Sound-Umfrage nach den größten Filmen aller Zeiten setzte) führen sein geniales Werk immer wieder als großen Einfluss an. Er arbeitete größtenteils mit Laiendarstellern und hat wie ein anderer Meisterfilmer, Ermanno Olmi, die Essenz des Lebens durch seinen kontemplativen Einsatz von Inszenierungen und erstaunlich einfachen Dialogen eingefangen.

16. Akira Kurosawa

Drunkener Engel, Rashomon, Ikiru, Sieben Samurai, Thron des Blutes, Yojimbo, Hoch und Tief, Kagemusha, Ran, Träume

Akira Kurosawa, der wohl bekannteste und wahrscheinlich auch beliebteste Filmemacher Japans, hat die Welt des Kinos grundlegend verändert. Er verschaffte dem asiatischen Film eine noch nie dagewesene Aufmerksamkeit und ebnete anderen Filmemachern aus seinem Land den Weg zur weltweiten Anerkennung. Die Zeitschrift AsiaWeek kürte ihn zum „Asiaten des Jahrhunderts“ in der Kategorie „Kunst, Literatur und Kultur“.

Seine Filme setzten sich über alle Konventionen hinweg und läuteten mit atemberaubenden Bildern und fesselnden Actionsequenzen einen neuen Stil der Unterhaltung ein. Aber die vielleicht erstaunlichste Leistung seiner Karriere war seine geschickte Gestaltung der Charaktere. Seine Erzählungen hatten alle Elemente, um zu verstören, zu fesseln und zu verblüffen, aber seine unverwechselbaren, unauslöschlichen Charaktere bereichern seine Werke mühelos und machen ihn zu einem der größten Geschichtenerzähler aller Zeiten.

15. Paul Thomas Anderson

Boogie Nights, Magnolia, Punch-Drunk Love, There Will Be Blood, The Master, Inherent Vice

Es gibt etwas an Paul Thomas Andersons Schreib- und Filmstil, der im Laufe seiner Karriere so stetig gewachsen ist, dass er in seinen letzten Filmen einen Kubrick’schen Sinn für Zweideutigkeit und Atmosphäre widerspiegelt. Seine frühen Filme, auch wenn sie visuell nicht so einfallsreich sind, fangen eine rasende Souveränität und unaufdringliche Großzügigkeit der Emotionen ein wie nur wenige andere Kunstwerke des Kinos.

Andersons Figuren wie Lancaster Dodd und Freddie Quell aus „The Master“, seinem wohl gelungensten Spielfilm, sind so geschickt von der sie umgebenden Welt abgehoben und funktionieren dennoch als perfekte Mittel, um Anderson vollmundige, nuancierte Lektionen über eben diese Welt zu erteilen. Er kann in Sekundenschnelle von bösartiger, grimmiger Ironie zu unklassifizierbarer Zärtlichkeit übergehen, wofür das Tempo von „Magnolia“ das beste Beispiel ist.

Es gibt eine unverkennbare Vielfalt in seinem Werk, aber ein Anderson-Film ist durch seine Vorliebe für beobachtende, nachdenkliche Dialoge und reichlich exzentrische Charaktere in jedem einzelnen seiner Filme zu finden. „Punch-Drunk Love“ und „There Will Be Blood“ existieren in Welten, die nie miteinander kollidieren, außer dass sie makellose Realisierungen eines brillanten Drehbuchautors sind, der uns in sie eintauchen lässt, wie es kein anderer könnte.

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