Al ver una obra cinematográfica, elementos como la narrativa y la estructuración de la trama son indispensables para nuestro juicio sobre ella, incluso si no notamos su relevancia de inmediato. La forma en que se cuenta una historia, se explora una idea y se expresa una sensibilidad artística determina, en gran medida, nuestras preferencias personales cuando se trata de películas.
El sonido y la imagen están inextricablemente unidos a estos elementos y constituyen nuestro primer contacto con la película. Pero deben complementarse con una visión que controle su dominio sobre nuestros sentidos. Ahí es donde entra en juego el guión.
Fascinantemente, el proceso de realización de una película funciona a la inversa. El guión es el iniciador, dando forma cinematográfica a una idea que nace en la cabeza del guionista. La idea se traduce en palabras, descripciones de atmósferas, estados de ánimo, escenarios y otros mecanismos instructivos que luego permiten una traducción de esta idea en la pantalla.
Por supuesto, muchas alteraciones son inherentes a esta transición, especialmente en los casos en que el director no es el guionista. La producción y la posproducción propiamente dichas dan margen para descubrir nuevos enfoques estilísticos que permitan alcanzar los objetivos definidos en el guión.
Y, sin embargo, la base de una gran película suele estar arraigada en un guión. El camino puede cambiarse durante el rodaje y el montaje, pero el viaje comienza con el guión. Guionistas notables han redefinido constantemente cómo se estructuran las películas y cómo se puede hacer un uso mejor y más eficiente del lenguaje cinematográfico mediante la experimentación constante.
Así que aquí están 20 de los mejores guionistas de todos los tiempos.
20. Hayao Miyazaki
El castillo de Cagliostro, Nausicaä del valle del viento, Mi vecino Totoro, El servicio de entrega de Kiki, Porco Rosso, La princesa Mononoke, Spirited Away, El castillo ambulante de Howl, Ponyo, El viento se levanta
Nadie en la historia del cine ha captado la sinceridad del sentido de la maravilla, el miedo, la aventura, el coraje, la rectitud y la inteligencia de un niño con un nivel de imaginación tan elevado como el de Miyazaki. Su dominio de los mundos animados que crea supera a cualquier otro cineasta que haya incursionado en el medio. Sus personajes son alegremente fascinantes y sus historias fantásticas parecen no conocer límites emocionales, intelectuales o artísticos.
Conocido por su indeleble atención a los detalles, Miyazaki compone sus obras como si fueran sinfonías de gran viveza. Las notas altas son siempre desconocidas y emocionantes y las bajas son gratificantes y melancólicas. Sus creaciones, visualmente resplandecientes, nunca dejan de embriagar a niños y adultos con su inusual honestidad.
Aunque muchos de sus trabajos, como «Mi vecino Totoro», «La princesa Mononoke» y «El viento se levanta», han influido en generaciones de artistas de anime y cineastas de animación, su mayor logro es «Spirited Away», que demuestra de forma concluyente su metal y pone de manifiesto todo lo que le hace tan entrañable para el público: una ambición sin límites, un detallismo increíble y una protagonista femenina fuerte que sabe librar sus batallas por sí misma.
19. Ruth Prawer Jhabvala
Cuarteto, Los bostonianos, Una habitación con vistas, Mr. y Mrs. Bridge, Howards End, Lo que queda del día
Única persona que ha ganado tanto el premio Man Booker (por su novela «Calor y polvo») como el Oscar (por «Una habitación con vistas» y «Howards End»), Ruth Prawer Jhabvala es fácilmente conocida por el público cinematográfico como la guionista de las películas de Merchant Ivory que formaron su propio subgénero de películas de época con obras maestras exquisitamente estructuradas, de bajo presupuesto pero ambiciosamente montadas que irradiaban un ingenio impecable.
Debieron gran parte de su éxito a Jhabvala, cuya escritura es tan elegantemente prosaica y transportadora, pero también deliciosamente inteligente y, en su mejor momento, una refrescante visión irónica de la clase alta británica. El ritmo y las interpretaciones eran alocados y reconocidamente económicos. Pero las películas también eran magistralmente contenidas y, bajo la superficie, contenían una emoción y una profundidad arrolladoras.
Su obra más memorable es, sin duda, el mordaz clásico de Merchant Ivory «Howards End», protagonizado por las leyendas británicas Anthony Hopkins, Vanessa Redgrave y Emma Thompson y que desgrana sutilmente todas las capas de hipocresía que albergaba la sociedad de principios del siglo XX. Con unas interpretaciones de una delicadeza inconmensurable, también sigue siendo una de las películas de mayor relevancia social de todos los tiempos.
18. Béla Tarr
Almanaque de la caída, Condenación, El tango de Satán, Armonías de Werckmeister, El hombre de Londres, El caballo de Turín
Aclamado como uno de los cineastas más autorizados de todos los tiempos, las grandiosas reflexiones de Béla Tarr sobre una humanidad profundamente defectuosa le han convertido en una visita obligada para cualquier amante del cine serio. Sus películas se mueven a un ritmo deliberadamente lánguido y están filmadas en un impresionante blanco y negro (con la excepción de Almanaque del otoño), con largas tomas lentas que dan pacientemente tiempo al público para la reflexión y la comprensión más profunda.
Pero en beneficio de este estilo cinematográfico singularmente monumental está la innegable maestría de Tarr a la hora de hacer que sus esfuerzos artísticos existenciales magníficamente absurdos sean silenciosos y profundamente honestos. Sus narraciones nunca se sienten fuera de lugar o incluso desproporcionadas con el escenario o la época, sino que parecen contener en sí mismas el valor de una generación de conocimientos.
Las dos películas que mejor ejemplifican esto llegaron una tras otra en su filmografía. En 1994, su obra magna, «Satan’s Tango», de más de 7 horas de duración, que era una representación imposiblemente sombría de la humanidad, le convirtió instantáneamente en un favorito de los cinéfilos. Con «Armonías de Werckmeister», del año 2000, su control sobre el medio fue incontestable y es fácilmente una de las mayores y más imaginativas obras de arte jamás realizadas.
17. Robert Bresson
Diario de un cura rural, Un hombre escapado, Pickpocket, El proceso de Juana de Arco, Au Hasard Balthazar, Lancelot du Lac, L’argent
Uno piensa instantáneamente en la minimalista, tierna e incesantemente conmovedora «Au Hasard Balthazar» con sólo mencionar a Robert Bresson, un cineasta que según Jean Luc-Godard era «el cine francés». A lo largo de su carrera, que abarca cuatro décadas, Bresson explotó la quietud y la imperfección apagada del cine hasta un punto enormemente triunfante.
Cineastas como Michael Haneke (que situó su «Lancelot du Lac» en el segundo puesto de la encuesta Sight and Sound sobre las mejores películas de la historia) siguen citando su ingeniosa obra como una enorme influencia. Trabajó en gran medida con actores no profesionales y, al igual que otro maestro del cine, Ermanno Olmi, captó la esencia de la vida a través de su uso contemplativo de la puesta en escena y de unos diálogos asombrosamente sencillos.
16. Akira Kurosawa
Ángel Errante, Rashomon, Ikiru, Los Siete Samuráis, El Trono de la Sangre, Yojimbo, Alto y Bajo, Kagemusha, Ran, Sueños
Akira Kurosawa, el cineasta japonés más conocido y probablemente el más querido por todos, fue una presencia mundial que cambió el contexto del cine. Aportó una atención sin precedentes al cine asiático y abrió el camino para que otros cineastas de su país fueran reconocidos en todo el mundo. La revista AsiaWeek lo nombró «Asiático del Siglo» en la categoría de «Arte, Literatura y Cultura».
Sus películas desafiaron todas las convenciones, marcando el comienzo de un nuevo estilo de entretenimiento con imágenes impactantes y secuencias de acción fascinantes. Pero quizás el logro más asombroso de su carrera fue su hábil escultura de personajes. Sus narraciones tenían todos los elementos para perturbarte, cautivarte y asombrarte, pero sus personajes inconfundibles y estruendosamente indelebles enriquecen sus obras sin esfuerzo, convirtiéndolo en uno de los mejores narradores de todos los tiempos.
15. Paul Thomas Anderson
Boogie Nights, Magnolia, Punch-Drunk Love, There Will Be Blood, The Master, Inherent Vice
Hay algo en el estilo de escritura y dirección de Paul Thomas Anderson que ha crecido de forma tan constante, en los términos más prístinos a lo largo de su carrera y que en sus últimas películas ha llegado a reflejar un sentido kubrickiano de ambigüedad y atmósfera. Sus primeras películas, aunque no son tan imaginativas desde el punto de vista visual, captan una soberanía frenética y una generosidad discreta de las emociones como pocas obras de arte en el cine.
Los personajes de Anderson, como Lancaster Dodd y Freddie Quell de «The Master», posiblemente su película más lograda, están tan hábilmente apartados del mundo que les rodea, y sin embargo funcionan como dispositivos perfectos para que Anderson imparta lecciones completas y matizadas sobre ese mismo mundo. Puede pasar de una ironía despiadada y feroz a una ternura inclasificable en cuestión de segundos, como lo demuestra el ritmo de «Magnolia».
Hay una variedad inconfundible en su obra, pero una película de Anderson se distingue totalmente por su inclinación por los diálogos observadores y contemplativos y por sus personajes ricamente descentrados, que pueden encontrarse en todas sus películas. «Punch-Drunk Love» y «There Will Be Blood» existen en mundos que nunca colisionan, salvo que son realizaciones impecables de un guionista brillante que nos sumerge en ellos como nadie más podría hacerlo.