Lorsque nous regardons une œuvre cinématographique, des éléments comme la narration et la structuration de l’intrigue sont indispensables à notre jugement sur celle-ci, même si nous ne remarquons pas tout de suite leur pertinence. La manière dont une histoire est racontée, une idée est explorée et une sensibilité artistique est exprimée détermine, dans une large mesure, nos préférences personnelles en matière de films.
Le son et l’image sont inextricablement liés à ces éléments et constituent notre premier contact avec le film. Mais ils doivent être complétés par une vision qui contrôle leur emprise sur nos sens. C’est là qu’intervient le scénario.
Fascinant, le processus de réalisation d’un film fonctionne en sens inverse. Le scénario est l’initiateur, il donne une forme cinématographique à une idée qui naît dans la tête du scénariste. L’idée est traduite en mots, en descriptions d’atmosphères, d’ambiances, de décors et autres mécanismes instructifs qui permettent ensuite une traduction de cette idée à l’écran.
Bien sûr, de nombreuses altérations sont inhérentes à cette transition, notamment dans les cas où le réalisateur n’est pas le scénariste. La production et la post-production proprement dites laissent une marge de manœuvre pour découvrir de nouvelles approches stylistiques pour atteindre les objectifs définis dans le scénario.
Et pourtant, la base d’un grand film est le plus souvent ancrée dans un scénario. Le chemin peut être modifié pendant le tournage et au montage mais le voyage commence avec le scénario. Les scénaristes notables ont constamment redéfini la façon dont les films sont structurés et la façon dont le langage cinématographique peut être utilisé de manière plus efficace, par une expérimentation constante.
Voici donc 20 des plus grands scénaristes de tous les temps.
20. Hayao Miyazaki
Le Château de Cagliostro, Nausicaä de la Vallée du Vent, Mon Voisin Totoro, Le Service de livraison de Kiki, Porco Rosso, Princesse Mononoké, Spirited Away, Le Château ambulant de Howl, Ponyo, Le vent se lève
Personne dans l’histoire du cinéma n’a su capturer la sincérité du sens de l’émerveillement, de la peur, de l’aventure, du courage, de la droiture et de l’intelligence d’un enfant avec un niveau d’imagination aussi élevé que celui de Miyazaki. Sa maîtrise des mondes animés qu’il crée dépasse celle de tous les autres cinéastes qui ont tâté de ce médium. Ses personnages sont joyeusement envoûtants et ses histoires fantastiques semblent ne connaître aucune limite émotionnelle, intellectuelle ou artistique.
Connu pour son attention indélébile aux détails, Miyazaki compose ses pièces comme des symphonies éclatantes et luxuriantes. Les notes aiguës sont toujours inconnues et excitantes et les notes graves sont gratifiantes et mélancoliques. Ses créations visuellement resplendissantes ne manquent jamais d’enivrer les enfants et les adultes par leur honnêteté peu caractéristique.
Bien que beaucoup de ses œuvres comme « Mon voisin Totoro », « Princesse Mononoke » et « Le vent se lève » aient influencé des générations d’artistes d’anime et de cinéastes d’animation, sa plus grande réalisation est « Spirited Away » qui prouve de manière concluante son métal et rend évident tout ce qui le rend si attachant pour son public : une ambition sans limite, des détails incroyables et un protagoniste féminin fort qui sait mener ses batailles tout seul.
19. Ruth Prawer Jhabvala
Quartet, The Bostonians, A Room with a View, Mr. and Mrs. Bridge, Howards End, The Remains of the Day
La seule personne à avoir remporté à la fois le Man Booker Prize (pour son roman « Heat and Dust ») et l’Oscar (pour « A Room with a View » et « Howards End »), Ruth Prawer Jhabvala est facilement plus connue du public du cinéma comme l’auteur des films de Merchant Ivory qui ont formé leur propre sous-genre de films d’époque avec des chefs-d’œuvre exquisément structurés, à petit budget, mais montés de manière ambitieuse, qui rayonnaient d’un esprit impeccable.
Ils devaient une grande partie de leur succès au Jhabvala, dont l’écriture est si élégamment prosaïque et transportante, mais aussi délectablement intelligente et, à son meilleur, une prise ironique rafraîchissante sur la classe supérieure britannique. Le rythme et les performances étaient loufoques et d’une économie reconnaissable. Mais les films étaient aussi magistralement retenus et, sous la surface, contenaient une émotion et une profondeur profondes.
Son œuvre la plus mémorable est sans aucun doute le classique cinglant de Merchant Ivory « Howards End » qui met en vedette les légendes britanniques Anthony Hopkins, Vanessa Redgrave et Emma Thompson et épluche subtilement chaque couche d’hypocrisie que la société du début des années 1900 abritait. Avec des performances incommensurablement délicates, il reste également l’un des films les plus pertinents socialement de tous les temps.
18. Béla Tarr
Almanach de la chute, Damnation, Le tango de Satan, Les harmonies de Werckmeister, L’homme de Londres, Le cheval de Turin
Suggéré comme l’un des cinéastes les plus autorisés de tous les temps, les grandes réflexions de Béla Tarr sur une humanité profondément imparfaite ont fait de lui un incontournable pour tout cinéphile sérieux. Ses films se déroulent à un rythme délibérément languissant et sont tous filmés dans un noir et blanc époustouflant (à l’exception d’Almanach d’automne), avec de longues prises lentes qui laissent patiemment le temps au public de réfléchir et de comprendre plus en profondeur.
Mais à l’avantage de ce style de réalisation monumental singulier, Tarr fait preuve d’une maîtrise indéniable pour rendre ses entreprises artistiques existentielles magnifiquement absurdes silencieusement, profondément honnêtes. Ses récits ne semblent jamais déplacés ou même disproportionnés par rapport au cadre ou à l’époque, mais semblent contenir en eux-mêmes la perspicacité de plusieurs générations.
Les deux films qui illustrent le mieux cela sont arrivés l’un après l’autre dans sa filmographie. En 1994, son opus magnum, le « Satan’s Tango », long de plus de 7 heures, qui était une représentation incroyablement sombre de l’humanité, a instantanément fait de lui un favori des cinéphiles. Avec « Werckmeister Harmonies » de 2000, sa maîtrise du médium est incontestable et constitue aisément l’une des plus grandes et des plus imaginatives œuvres d’art jamais réalisées.
17. Robert Bresson
Diary of a Country Priest, A Man Escaped, Pickpocket, The Trial of Joan of Arc, Au Hasard Balthazar, Lancelot du Lac, L’argent
On pense instantanément au minimaliste, tendre et incessamment émouvant « Au Hasard Balthazar » à la seule évocation de Robert Bresson, un cinéaste qui selon Jean Luc-Godard était « le cinéma français ». Au cours de sa carrière qui s’est étendue sur quatre décennies, Bresson a exploité la tranquillité et l’imperfection sourde du cinéma de manière largement triomphante.
Des cinéastes comme Michael Haneke (qui a placé son « Lancelot du Lac » à la deuxième place du sondage Sight and Sound sur les plus grands films jamais réalisés) continuent de citer son travail ingénieux comme une énorme influence. Il a travaillé en grande partie avec des acteurs non professionnels et, comme un autre maître cinéaste Ermanno Olmi, a capturé l’essence de la vie par son utilisation contemplative de la mise en scène et des dialogues étonnamment simples.
16. Akira Kurosawa
L’Ange maléfique, Rashomon, Ikiru, Les Sept Samouraïs, Le Trône de sang, Yojimbo, Haut et bas, Kagemusha, Ran, Rêves
Handily le cinéaste japonais le plus connu et probablement le plus universellement aimé, Akira Kurosawa était une présence mondiale qui a changé la donne dans le contexte du cinéma. Il a attiré une attention sans précédent sur les films asiatiques et a permis à d’autres cinéastes de son pays d’être reconnus dans le monde entier. Il a été cité comme « l’Asiatique du siècle » dans la catégorie « Arts, littérature et culture » par le magazine AsiaWeek.
Ses films ont défié toutes les conventions, inaugurant un nouveau style de divertissement avec des visuels époustouflants et des séquences d’action fascinantes. Mais la réussite la plus stupéfiante de sa carrière est sans doute son habileté à sculpter des personnages. Ses récits avaient tous les éléments pour vous troubler, vous enthousiasmer et vous émerveiller, mais ses personnages distincts, tonitruants et indélébiles, enrichissent ses œuvres sans effort, faisant de lui l’un des plus grands conteurs de tous les temps.
15. Paul Thomas Anderson
Boogie Nights, Magnolia, Punch-Drunk Love, There Will Be Blood, The Master, Inherent Vice
Il y a quelque chose dans le style d’écriture et de réalisation de Paul Thomas Anderson qui s’est développé si régulièrement, dans les termes les plus purs au cours de sa carrière et qui, dans ses derniers films, en est venu à refléter un sens kubrickien de l’ambiguïté et de l’atmosphère. Ses premiers films, bien qu’ils ne soient pas aussi imaginatifs visuellement, capturent une souveraineté frénétique et une générosité discrète de l’émotion comme peu d’autres œuvres d’art au cinéma.
Les personnages d’Anderson comme Lancaster Dodd et Freddie Quell de « The Master », sans doute son long métrage le plus accompli, sont si habilement à part du monde qui les entoure, et pourtant fonctionnent comme des dispositifs parfaits pour qu’Anderson transmette des leçons corsées et nuancées sur ce même monde. Il peut passer d’une ironie vicieuse et féroce à une tendresse inclassable en quelques secondes, comme l’illustre parfaitement le rythme de « Magnolia ».
Il existe une variété indéniable dans son œuvre, mais un film d’Anderson se distingue totalement par son penchant pour les dialogues observateurs et contemplatifs et les personnages richement décentrés que l’on retrouve dans chacun de ses films. « Punch-Drunk Love » et « There Will Be Blood » existent dans des mondes qui ne se heurtent jamais, sauf qu’ils sont des réalisations impeccables d’un scénariste brillant qui nous y plonge comme personne d’autre ne pourrait le faire.