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Se vemos uma obra cinematográfica, elementos como a narrativa e a estruturação do enredo são indispensáveis para o nosso julgamento da mesma, mesmo que não nos apercebamos logo da sua relevância. A forma como uma história é contada, uma ideia é explorada e uma sensibilidade artística é expressa determina, em grande medida, as nossas preferências pessoais quando se trata de filmes.
O som e a imagem estão indissociavelmente ligados a estes elementos e formam o nosso primeiro contacto com o filme. Mas eles devem ser complementados por uma visão que controle o seu domínio sobre os nossos sentidos. É aí que entra o roteiro.
Fascinantemente, o processo de produção do filme funciona em sentido inverso. O roteiro é o iniciador, dando forma cinematográfica a uma idéia que nasce na cabeça do roteirista. A ideia é traduzida em palavras, descrições de atmosferas, estados de humor, cenários e outros mecanismos instrutivos que depois permitem uma tradução desta ideia na tela.
É claro que muitas alterações são inerentes a esta transição, especialmente nos casos em que o diretor não é o roteirista. A produção e pós-produção propriamente dita dá margem de manobra para descobrir novas abordagens estilísticas para atingir os objetivos definidos no roteiro.
E ainda assim, a base de um grande filme é, na maioria das vezes, enraizada num roteiro. O caminho pode ser alterado durante as filmagens e na montagem, mas a viagem começa com o roteiro. Notáveis roteiristas têm constantemente redefinido a forma como os filmes são estruturados e como a linguagem cinematográfica pode ser colocada em uso melhor e mais eficiente pela constante experimentação.
Então aqui estão 20 dos maiores roteiristas de todos os tempos.
20. Hayao Miyazaki
O Castelo de Cagliostro, Nausicaä do Vale do Vento, Meu Vizinho Totoro, Serviço de Entrega do Kiki, Porco Rosso, Princesa Mononoke, Spirited Away, Castelo em Movimento do Howl, Ponyo, The Wind Rises
Ninguém na história do cinema captou a sinceridade do sentimento de maravilha, medo, aventura, coragem, retidão e inteligência de uma criança com o nível de imaginação gigantesca como Miyazaki tem. Seu comando sobre os mundos animados que ele cria supera qualquer outro cineasta que tenha se dedicado ao meio. Seus personagens são alegremente entrançados e suas histórias de fantasia parecem não conhecer limites emocionais, intelectuais ou artísticos.
Conhecido por sua atenção indelével aos detalhes, Miyazaki compõe suas peças como sinfonias vívidas e luxuriosas. As notas altas são sempre desconhecidas e excitantes e as baixas são gratificantes e melancólicas. Suas criações visualmente resplandecentes nunca deixam de intoxicar tanto crianças como adultos com sua honestidade incaracterística.
Embora muito do seu trabalho como “My Neighbor Totoro”, “Princess Mononoke” e “The Wind Rises” tenha influenciado gerações de artistas anime e cineastas de animação, a sua maior realização é “Spirited Away” que prova de forma conclusiva o seu metal e torna evidente tudo o que o torna tão cativante para o seu público: ambição sem limites, detalhes incríveis e uma forte protagonista feminina que sabe travar as suas batalhas sozinha.
19. Ruth Prawer Jhabvala
Quartet, The Bostonians, A Room with a View, Mr. and Mrs. Bridge, Howards End, The Remains of the Day
A única pessoa que ganhou tanto o Man Booker Prize (por seu romance “Calor e Pó”) quanto o Oscar (por “Um Quarto com Vista” e “Howards End”), Ruth Prawer Jhabvala é facilmente mais conhecida pelo público como a escritora dos filmes Merchant Ivory, que formaram seu próprio subgênero de filmes de época com obras-primas requintadamente estruturadas, de baixo orçamento, mas ambiciosamente montadas, que irradiavam uma inteligência impecável.
Deviam muito do seu sucesso ao Jhabvala, cuja escrita é tão elegantemente prosaica e transportadora, mas também deliciosamente inteligente e no seu melhor, um refrescante e irónico take sobre a classe alta britânica. O ritmo e as atuações foram loucas e reconhecidamente econômicas. Mas os filmes também foram magistralmente contidos e sob a superfície, continham emoção e profundidade.
O seu trabalho mais memorável é, sem dúvida, o clássico scathing Merchant Ivory “Howards End”, que estrela as lendas britânicas Anthony Hopkins, Vanessa Redgrave e Emma Thompson e sutilmente descasca todas as camadas de hipocrisia que a sociedade do início do século XIX abrigou. Com performances imensamente delicadas, ele também permanece um dos filmes mais relevantes socialmente de todos os tempos.
18. Béla Tarr
Almanac de Queda, Maldição, Tango de Satanás, Harmonias de Werckmeister, O Homem de Londres, O Cavalo de Turim
Laudido como um dos cineastas mais autoritários de todos os tempos, as grandes reflexões de Béla Tarr de uma humanidade profundamente imperfeita fizeram dele um personagem obrigatório para qualquer amante de cinema sério. Os seus filmes movem-se a um ritmo deliberadamente lânguido e são todos filmados a preto e branco de cortar a respiração (à excepção do Almanaque do Outono), com longas lentidões que pacientemente emprestam tempo ao público para reflexão e compreensão mais profunda.
Mas beneficiar deste estilo singularmente monumental de fazer cinema é a inegável mestria de Tarr em fazer os seus deslumbrantes e absurdos esforços artísticos existenciais silenciosamente, profundamente honestos. As suas narrativas nunca se sentem deslocadas ou mesmo desproporcionadas com o cenário ou período, mas parecem conter dentro de si o valor de gerações de insights.
Os dois filmes que melhor exemplificam isto vieram um após o outro na sua filmografia. Em 1994, sua magnum opus, o longa de mais de sete horas “Satan’s Tango”, que era uma representação impossivelmente sombria da humanidade, tornou-o instantaneamente um cinéfilo favorito. Com “Werckmeister Harmonies” de 2000, seu controle sobre o meio foi incontestável e é facilmente uma das maiores e mais imaginativas obras de arte já feitas.
17. Robert Bresson
Diary of a Country Priest, A Man Fuaped, Pickpocket, The Trial of Joan of Arc, Au Hasard Balthazar, Lancelot du Lac, L’argent
Uma pessoa pensa imediatamente no minimalista, terno, incessantemente comovente “Au Hasard Balthazar” na própria menção de Robert Bresson, um cineasta que segundo Jean Luc-Godard era “cinema francês”. Ao longo de sua carreira de quatro décadas, Bresson explorou a quietude e a imperfeição silenciosa do cinema em uma extensão vastamente triunfante.
Os cineastas como Michael Haneke (que colocou seu “Lancelot du Lac” em segundo lugar na pesquisa Sight and Sound para os maiores filmes já feitos) continuam a citar sua engenhosa obra como uma grande influência. Ele trabalhou em grande parte com atores não profissionais e, como outro mestre cineasta, Ermanno Olmi capturou a essência da vida através de seu uso contemplativo do mise en scene e de um diálogo surpreendentemente simples.
16. Akira Kurosawa
Drunken Angel, Rashomon, Ikiru, Seven Samurai, Throne of Blood, Yojimbo, High and Low, Kagemusha, Ran, Dreams
Handily the most well-known and probably the most universally loved cinemaker from Japan, Akira Kurosawa was a game-changing global presence in context of cinema. Ele trouxe uma atenção sem precedentes aos filmes asiáticos e abriu caminho para que outros cineastas de seu país fossem reconhecidos mundialmente. Foi citado como o “Asiático do Século” na categoria “Artes, Literatura e Cultura” pela revista AsiaWeek.
Os seus filmes desafiaram todas as convenções, dando início a um novo estilo de entretenimento com visuais arrebatadores e sequências de acção emocionantes. Mas talvez a realização mais surpreendente da sua carreira tenha sido a sua hábil escultura de personagens. Suas narrativas tinham todos os elementos para perturbá-lo, cativá-lo e surpreendê-lo, mas seus personagens distintos, trovejantes e indeléveis enriquecem suas obras sem esforço, tornando-o um dos maiores contadores de histórias de todos os tempos.
15. Paul Thomas Anderson
Boogie Nights, Magnolia, Punch-Drunk Love, There Will Be Blood, The Master, Inherent Vice
Há algo no estilo de escrita e cinema de Paul Thomas Anderson que cresceu de forma tão constante, nos termos mais primitivos ao longo de sua carreira e em seus poucos filmes anteriores veio a espelhar um sentido kubrickiano de ambigüidade e atmosfera. Seus primeiros filmes, embora não tão visualmente imaginativos, capturam uma soberania frenética e uma generosidade subestimada de emoções como poucas outras obras de arte no cinema.
Personagens de Anderson como Lancaster Dodd e Freddie Quell de “O Mestre”, sem dúvida o seu longa-metragem mais bem sucedido, são tão habilmente separados do mundo que os rodeia, e ainda assim funcionam como dispositivos perfeitos para Anderson dar lições encorpadas e matizadas sobre esse mesmo mundo. Ele pode passar de uma ironia feroz e feroz a uma ternura não classificável em segundos, melhor exemplificada pelo ritmo de “Magnólia”.
Existe uma variedade inconfundível em seu trabalho, mas um filme de Anderson é totalmente distinto por causa de sua propensão para o diálogo observador, contemplativo e ricamente fora do centro dos personagens pode ser encontrado em cada um de seus filmes. “Punch-Drunk Love” e “There Will Be Blood” existem em mundos que nunca colidem, a não ser que são realizações perfeitas de um roteirista brilhante que nos mergulha neles como ninguém mais poderia.