Bij het bekijken van een film zijn elementen als verhaal en plotstructuur onontbeerlijk voor ons oordeel erover, zelfs als we hun relevantie niet meteen opmerken. De manier waarop een verhaal wordt verteld, een idee wordt uitgediept en een artistieke gevoeligheid tot uitdrukking wordt gebracht, bepaalt in hoge mate onze persoonlijke voorkeuren als het om films gaat.
Het geluid en het beeld zijn onlosmakelijk met deze elementen verbonden en vormen ons eerste contact met de film. Maar zij moeten worden aangevuld met een visie die hun greep op onze zintuigen beheerst. Dat is waar het scenario om de hoek komt kijken.
Fascinerend genoeg werkt het proces van filmmaken in omgekeerde richting. Het scenario is de initiator, die filmische vorm geeft aan een idee dat in het hoofd van de scenarioschrijver wordt geboren. Het idee wordt vertaald in woorden, beschrijvingen van sferen, stemmingen, settings en andere instructieve mechanismen die vervolgens een vertaling van dit idee op het scherm mogelijk maken.
Natuurlijk zijn er vele wijzigingen inherent aan deze overgang, vooral in gevallen waarin de regisseur niet de scenarioschrijver is. De eigenlijke produktie en post-produktie geven ruimte om nieuwe stilistische benaderingen te ontdekken voor het bereiken van de doelen die in het scenario zijn vastgelegd.
En toch, de basis van een goede film ligt meestal in een scenario. Het pad kan worden veranderd tijdens het filmen en in de montage, maar de reis begint met het script. Opmerkelijke scenarioschrijvers hebben voortdurend opnieuw gedefinieerd hoe films worden gestructureerd en hoe de filmtaal beter en efficiënter kan worden gebruikt door voortdurend te experimenteren.
Dus hier zijn 20 van de grootste scenarioschrijvers aller tijden.
20. Hayao Miyazaki
The Castle of Cagliostro, Nausicaä of the Valley of the Wind, My Neighbor Totoro, Kiki’s Delivery Service, Porco Rosso, Princess Mononoke, Spirited Away, Howl’s Moving Castle, Ponyo, The Wind Rises
Niemand in de filmgeschiedenis heeft de oprechtheid van het gevoel van verwondering, angst, avontuur, moed, rechtschapenheid en intelligentie van een kind met het niveau van torenhoge verbeelding vastgelegd als Miyazaki heeft gedaan. Zijn beheersing van de geanimeerde werelden die hij creëert, overtreft elke andere filmmaker die zich met het medium heeft beziggehouden. Zijn personages zijn vrolijk meeslepend en zijn fantastische verhalen lijken geen emotionele, intellectuele of artistieke grenzen te kennen.
Gekend om zijn onuitwisbare aandacht voor detail, componeert Miyazaki zijn stukken als levendige weelderige symfonieën. De hoge noten zijn altijd onbekend en opwindend en de lage zijn bevredigend en melancholiek. Zijn visueel overvloedige creaties falen nooit om zowel kinderen als volwassenen te bedwelmen met hun ongewone eerlijkheid.
Hoewel veel van zijn werk zoals “My Neighbor Totoro”, “Princess Mononoke” en “The Wind Rises” generaties anime-kunstenaars en animatiefilmmakers heeft beïnvloed, is zijn grootste prestatie “Spirited Away” dat onomstotelijk zijn metaal bewijst en alles duidelijk maakt wat hem zo innemend maakt voor zijn publiek: grenzeloze ambitie, ongelooflijke detaillering, en een sterke vrouwelijke hoofdpersoon die weet hoe ze haar gevechten in haar eentje moet uitvechten.
19. Ruth Prawer Jhabvala
Quartet, The Bostonians, A Room with a View, Mr. and Mrs. Bridge, Howards End, The Remains of the Day
De enige die zowel de Man Booker Prize (voor haar roman “Heat and Dust”) als de Oscar (voor zowel “A Room with a View” als “Howards End”) heeft gewonnen, is Ruth Prawer Jhabvala bij het filmpubliek waarschijnlijk het best bekend als de schrijfster van de Merchant Ivory-films, die hun eigen subgenre van periodefilms vormden met prachtig gestructureerde, low-budgetteerde, maar toch ambitieus gemonteerde meesterwerken die een onberispelijke geestigheid uitstraalden.
Ze hadden veel van hun succes te danken aan Jhabvala, wiens schrijven zo elegant prozaïsch en vervoerend is, maar ook verrukkelijk slim en op zijn best, een verfrissend ironische kijk op de Britse bovenklasse. Het tempo en de vertolkingen waren zany en herkenbaar economisch. Maar de films waren ook meesterlijk ingetogen en bevatten onder de oppervlakte diepgaande emotie en diepte.
Haar meest gedenkwaardige werk is ongetwijfeld de vernietigende Merchant Ivory klassieker “Howards End” met in de hoofdrollen de Britse legendes Anthony Hopkins, Vanessa Redgrave en Emma Thompson, die op subtiele wijze elke laag hypocrisie afpelt die de maatschappij van begin 1900 herbergde. Met onmetelijk delicate vertolkingen, blijft het ook een van de meest sociaal relevante films aller tijden.
18. Béla Tarr
Almanak van de zondeval, Damnation, Satan’s Tango, Werckmeister Harmonies, The Man from London, The Turin Horse
Geroemd als een van de meest gezaghebbende filmmakers aller tijden, zijn Béla Tarr’s grootse bespiegelingen van een diep gemankeerde mensheid hebben van hem een must gemaakt voor elke serieuze filmliefhebber. Zijn films bewegen zich in een opzettelijk traag tempo en zijn allemaal gefilmd in adembenemend zwart-wit (met uitzondering van Almanac of Fall), met lange langzame takes die het publiek geduldig de tijd geven voor reflectie en dieper begrip.
Maar het voordeel van deze unieke monumentale stijl van filmmaken is Tarr’s onmiskenbare meesterschap in het maken van zijn prachtige absurde existentiële artistieke inspanningen in stilte, diepgaand eerlijk. Zijn verhaallijnen voelen nooit misplaatst of zelfs buiten proportie met de setting of periode, maar lijken in zichzelf generaties aan inzicht te bevatten.
De twee films die dit het beste illustreren kwamen na elkaar in zijn filmografie. In 1994 werd hij met zijn magnum opus, de meer dan 7 uur durende “Satan’s Tango”, een onmogelijk sombere weergave van de mensheid, meteen een favoriet bij cinefielen. Met “Werckmeister Harmonies” uit 2000 was zijn controle over het medium onbetwistbaar en het is met gemak een van de grootste, meest fantasierijke kunstwerken ooit gemaakt.
17. Robert Bresson
Diary of a Country Priest, A Man Escaped, Pickpocket, The Trial of Joan of Arc, Au Hasard Balthazar, Lancelot du Lac, L’argent
Bij de naam Robert Bresson denkt men meteen aan het minimalistische, tedere, onophoudelijk ontroerende “Au Hasard Balthazar”, een filmmaker die volgens Jean Luc-Godard “de Franse cinema” was. Gedurende zijn vier decennia durende carrière heeft Bresson de stilte en de gedempte imperfectie van de cinema op een enorm triomfantelijke manier uitgebuit.
Filmmakers als Michael Haneke (die zijn “Lancelot du Lac” op de tweede plaats plaatste in de Sight and Sound poll voor de grootste films ooit gemaakt) blijven zijn ingenieuze werk als een enorme invloed aanhalen. Hij werkte grotendeels met niet-professionele acteurs en net als een andere meesterfilmer Ermanno Olmi legde hij de essentie van het leven vast door zijn contemplatieve gebruik van mise-en-scène en verbluffend eenvoudige dialoog.
16. Akira Kurosawa
Drunken Angel, Rashomon, Ikiru, Seven Samurai, Throne of Blood, Yojimbo, High and Low, Kagemusha, Ran, Dreams
De bekendste en waarschijnlijk door iedereen meest geliefde filmmaker uit Japan, Akira Kurosawa, was een wereldspeler die de filmwereld op zijn grondvesten deed schudden. Hij bracht ongekende aandacht voor Aziatische films en maakte de weg vrij voor andere filmmakers uit zijn land om wereldwijd te worden erkend. Hij werd door het tijdschrift AsiaWeek de “Aziaat van de Eeuw” genoemd in de categorie “Kunst, Literatuur en Cultuur”.
Zijn films tartten alle conventies en luidden een nieuwe stijl van amusement in met oogverblindende visuals en meeslepende actiescènes. Maar misschien wel de meest verbijsterende prestatie van zijn carrière was zijn vaardige beeldhouwen van karakters. Zijn verhaallijnen hadden alle elementen om je te verontrusten, te boeien en te verbazen, maar zijn uitgesproken, denderend onuitwisbare karakters verrijken zijn werken moeiteloos, waardoor hij een van de grootste verhalenvertellers aller tijden is geworden.
15. Paul Thomas Anderson
Boogie Nights, Magnolia, Punch-Drunk Love, There Will Be Blood, The Master, Inherent Vice
Er is iets met de schrijf- en filmstijl van Paul Thomas Anderson, die in de loop van zijn carrière zo gestaag is gegroeid en in zijn laatste paar films een Kubrickiaans gevoel voor ambiguïteit en sfeer is gaan weerspiegelen. Zijn vroege films, hoewel niet zo visueel fantasierijk, vangen een uitzinnige soevereiniteit en ingetogen gulheid van emotie als weinig andere kunstwerken in de cinema.
Andersons personages zoals Lancaster Dodd en Freddie Quell uit “The Master”, aantoonbaar zijn meest volbrachte speelfilm, staan zo behendig los van de hen omringende wereld, en werken toch als perfecte hulpmiddelen voor Anderson om volwaardige, genuanceerde lessen over diezelfde wereld te geven. Hij kan in luttele seconden van venijnige, felle ironie naar onclassificeerbare tederheid gaan, zoals het tempo van “Magnolia” het best illustreert.
Er is onmiskenbaar variatie in zijn werk, maar een Anderson-film is volkomen te onderscheiden door zijn voorliefde voor observerende, beschouwende dialogen en rijkelijk uit het lood geslagen personages die in elke film van hem te vinden zijn. “Punch-Drunk Love” en “There Will Be Blood” bestaan in werelden die nooit botsen, behalve dan dat het feilloze realisaties zijn van één briljante scenarioschrijver die ons erin onderdompelt zoals niemand anders dat zou kunnen.